请教一些古典音乐的基础知识。
有两种音乐，一种是交响乐和轻音乐，另一种是舞曲、流行音乐和爵士乐。
古典音乐常指严肃音乐，也指一些公认的经典作品。
一般演奏人数少于10，演奏古典音乐称为室内乐。当每种乐器演奏一个部分时，两种乐器称为二重奏，三种乐器称为三重奏，八种乐器称为八重奏，但钢琴三重奏、弦乐四重奏和钢琴五重奏最受欢迎。十人以上的称为室内管弦乐。大型器乐演奏叫管弦乐队，现代管弦乐队也叫交响乐团、交响乐团。古典交响乐团成员超过30人，有时多达100或150人。演奏轻音乐和爵士音乐的乐队，俗称小爵士乐队，一般人数不多，但也有30人以上的轻音乐队。现代舞乐队不使用弦乐器，只是简单地使用铜管和木管乐器作为主旋律乐器，与维也纳华尔兹乐队完全不同。
大型管弦乐队的配置中，弦乐器数量约占60%，木管乐器约占15%，铜管乐器约占15%，打击乐器约占10%。通常左前方是小提琴，中音在中间偏右，右前是大提琴，最右边是大提琴。弦乐器后面是木管组，定音鼓在后排中央。小军鼓、钹和其他打击乐器在定音鼓的左侧。铜管乐队在定音鼓的右边。竖琴和钢琴在中间的左边。
管弦乐队有四个主要部分:
(1)弦乐器
小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴(低音提琴)。
(2)木管乐器
长笛(横笛)，短笛，双簧管(英制管)，单簧管(黑管，单簧管)，巴松管(巴松管，巴松管)。
(3)铜管乐器
小号、长号(伸缩管)、法国号(圆号)和大号。
(4)打击乐器
定音鼓、鼓、铃鼓、钹、三角、钟、锣、木琴、钢琴等。
音乐的元素是声音，作曲家无法像文字那样清晰地表达自己的感情，只能用声音的表达来唤起人的情感。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声和音色。节奏让人想起肢体动作，旋律让人想起精神情感。音乐通过旋律、节奏、声音、和声、音色的不同来表达情感。比如大调表示快乐壮阔，小调表示悲伤忧郁；紧张而短促的节奏表示愤怒，轻柔而悠长的节奏表示柔和，强音高表示热情，低弱音调表示沉默；不和谐的声音意味着斗争和争执，和谐的声音意味着和平与安宁；小号代表战争，双簧管代表田园等等。
如何欣赏音乐？
每个人根据自己不同的欣赏能力和爱好来听音乐。为了分析方便，我们把音乐的欣赏分为三个方面。
(1)美感
听音乐纯粹是音乐的快感，只有悦耳，只有感性的欣赏，没有任何形式的思考，让音乐的感染力把自己带入一个奇幻的境界。比如做事情的时候，打开音响，心不在焉地沉浸在音乐中。这时候光是音乐的感染力就把人带入了一种无意识但很有吸引力的心境。
美感在音乐中占有非常重要的地位，但也不应该让它占据太多的位置。即使在这个听音乐的初级阶段，也要采用更有意义的听法。
(2)表达
所有的音乐都有表达能力，音符背后总有某种意义，构成了作品的内容，能激起情感，这就是情感欣赏。
(3)纯音乐
音乐除了愉悦的音响和表达的感情，还存在于音符和音符的处理中。为了跟随作曲家的思维，有意识地去探索音乐的结构、主题的变化和作曲家技巧的运用，这是一种理性的欣赏，是音乐欣赏的高级阶段。
大多数听众不能完全理解这第三个方面。一个明智的听众必须准备加强他对音乐素材及其发展的意识。他必须更自觉地去听旋律、节奏、和声、音色。跟着作曲家的思路走，了解一些曲式的原理，显得尤为重要。
理想的听众是一个既能进入音乐又能超然于音乐之外的人。他一边欣赏音乐，一边欣赏，不断加深对音乐的理解。
要理解音乐，唯一的方法就是听。从头到尾认真听，直到熟悉为止，才能加深理解。当你听到一段旋律，能认出来，你就有了欣赏音乐的条件。如果你能听出不同演奏者在演奏同一首曲子时的差异，理解作曲家的想法，那么你就已经踏入了欣赏音乐的大门。
音乐有表达能力，所以它有某种意义，但无法用语言表达清楚，也不需要找到合适的词语来表达音乐的意义。
音乐表现方法大致可以分为两类:绝对音乐和节目音乐。以音乐本身为目的的音乐称为纯音乐，纯音乐只由声音和形式构成，与音乐本身以外的任何事物都没有明确的联系。大多数器乐，如交响乐和奏鸣曲，都属于这一类。以具体标题暗示文学、思想、绘画等内容的音乐，总称为标题音乐。
奏鸣曲是由四个独立的乐章组成的器乐，每个乐章都有自己的结构和风格，分别由钢琴、小提琴和大提琴演奏。钢琴演奏叫钢琴奏鸣曲，小提琴演奏叫小提琴奏鸣曲，大提琴演奏叫大提琴奏鸣曲，室内乐也是奏鸣曲。
协奏曲是由独奏乐器和管弦乐队在平等的基础上共同演奏的器乐作品。协奏曲通常使用小提琴、钢琴、大提琴或长笛作为独奏乐器。
交响乐是由管弦乐共同演奏的奏鸣曲式器乐。通常分为四个乐章，音色的复杂程度和色彩的丰富程度是所有乐曲中最高的。
组曲是由若干小段组成的管弦乐或钢琴组曲，其中每一小段都是相对独立的。
序曲最初是指歌剧、清唱剧或戏剧总谱开场前由管弦乐队演奏的器乐，但在现代，有专门为音乐会制作的单乐章管弦乐序曲。
前奏曲多为短小的管弦乐，常用于大型音乐和电影的前奏。
间奏曲是在戏剧或歌剧的场景之间演奏的音乐，具有暗示场景和改变观众气氛的作用。也有独立作品，形式相对自由，篇幅较短。
托卡塔是一种以自由形式展现各种华丽技巧的键盘音乐。
小夜曲是黄昏或夜晚在户外演奏的一种独奏或器乐，音乐意境感人，委婉含蓄。
夜曲是一种格调高雅，充满浪漫色彩的音乐。旋律充满歌唱性，常带有精致的装饰音，并伴有琶音或和弦。它是小夜曲的一个分支。
即兴(1mpromptu)是一种即兴的器乐小品。
叙事曲是一种具有抒情性和浪漫主义特征的器乐，具有其最初的叙事意义。
学习是一种用来提高器乐演奏技巧的音乐。
谐谑曲也称谐谑曲，是一种速度快，节奏活跃明确，强弱对比频繁突然的器乐。
幽默剧，潇洒自由，具有幽默奇幻的特点。
随想曲(Capriccio)是作曲家根据幻想创作的音乐的总称，是一种以自由的形式表现变化的音乐。
狂想曲是作曲家为英雄、民族或抒情主题创作的器乐。
幻想曲是一种以幻想和自由为特征的器乐，是一种带有浪漫主义色彩、没有固定形式的短小的器乐。
田园牧歌，曲调柔和，是模仿牧羊人使用的乐器发展而来的田园诗般的音乐。
贡多拉是一种缓慢而摇摆的音乐，旋律优美流畅。
变奏曲是以某一主题为基础的器乐交响乐，以不同的方式演奏。它们也被称为音诗，由李斯特首创。它们通常表现诗意和艺术的内容，只有一个乐章，在结构上可以自由发挥，在音乐形式上不受限制。它们是比交响乐短得多的交响乐作品。
进行曲是用来伴随团体前进的音乐，多为四拍，突出强拍。通常用管乐演奏，在军队中常用来使队伍整齐，鼓舞士气。还有婚礼、葬礼、凯旋庆典等游行。
摇篮曲又称摇篮曲，形式简单，速度缓慢，主旋律轻柔抒情，节奏摇摆不定，以模拟摇篮摇摆的节奏使婴儿入睡。
合唱最初是德国民歌和基督教赞美诗，后来成为器乐。
有六种舞曲。(1)圆舞曲，也译为华尔兹，是一种三拍舞曲，在每个小节都有翻拍，实用性和艺术性兼备。它的伴奏由低音的第一拍和高音和弦的第二、三拍组成。主旋律流畅舒展，和声和音乐结构简单明了。Gavit，法国舞曲，2/2拍充满活泼气氛。⑧小步舞，原为法国民间舞蹈，中速3/4，是一种缓慢而优雅的舞曲。(4)玛祖卡(Mazurka)是一种波兰民间舞蹈音乐，具有中到快三拍，流行于农村地区。⑤波罗乃兹和马祖卡一样，是波兰舞曲的代表，流行于贵族社会，有独特的三拍，速度适中，节奏庄重。也被翻译成波兰舞曲。⑥波尔卡，19世纪流行于波希米亚的快速双拍子舞曲。
套曲是一种轻松愉快的组曲。
浪漫最初是一些以传奇叙事诗为歌词的抒情歌曲和器乐。
序曲是最古老的器乐体裁之一，它在其他器乐体裁，尤其是交响乐和交响诗的发展中起着重要的作用。顾名思义，序曲可以比作一部作品的序言或引言。在音乐上，最初指歌剧、清唱剧、合唱、芭蕾或其他戏剧作品演出前的前奏器乐，即主要是一种嘈杂的音乐。然而，这种早期嘈杂的音乐非常简单，其实只是几声响亮的小号声，相当于今天剧院演出前的三次鸣响。最古老的民间集市舞台或木偶戏就是如此，甚至在17世纪初的意大利歌剧中也是如此，比如蒙特威尔第的歌剧作品(1567-1643)。
17世纪末，两种不同类型的戏剧序曲开始出现——法国序曲和意大利序曲。所谓法国序曲，是由法国国家歌剧院的创始人露莉·卢尔65438+Y (1632-1687)创立的。这种序曲以宏大、庄严、缓慢且往往是音乐性的引子开始，接着是一段快速而活跃的音乐，多以复调风格写成，最后重复开头的缓慢音乐，或以缓慢的小步舞曲结束。这部法国歌剧序曲具有“慢-快-慢”的结构。另一方面，意大利序曲也可以分为三个不同的部分，但它的第一部分速度快，积极有力，其中插入了缓慢的，歌曲般的旋律，最后使用了快节奏的舞蹈段落，并经常使用意大利民间塔兰泰拉或吉格的节奏。这样，意大利序曲就构成了“快—慢—快”的结构。这部意大利歌剧序曲主要由意大利作曲家a·斯卡拉蒂(1660-1725)创作，可以说是一个世纪后出现的多乐章交响曲的雏形。由于当时的法国歌剧主要用于波旁王朝的节日庆典，而意大利歌剧的受众更广，自然，意大利歌剧序曲在风格和内容上都不如法国序曲优雅高贵。而这两种17、18世纪的歌剧序曲，与歌剧本身的内容和意境并无深层次的联系。因为当时轻浮的观众在角色介绍之前总是忙着招待朋友，剧场秩序无法安静，作曲家知道观众从来不关注序曲的演奏，所以他不想在这方面多花时间。就这样，一首歌剧序曲在不同的歌剧中被多次使用，已经司空见惯。无论作者还是观众，都没人在意。
序曲作为一种艺术形式，已经成为戏剧的重要组成部分，始于十八世纪下半叶。当时，德国歌剧作曲家格鲁克在进行歌剧改革时，为序曲定下了划时代的准则——他在自己的歌剧《北极》的导言中写道:“我认为序曲应该暗示作品的主旨，并使观众在情感上为将要观看的戏剧做好准备。”格鲁克的歌剧《厄里斯的伊菲革涅亚》序曲是当时这类歌剧序曲的优秀范例之一。这种由格鲁克首创的古典歌剧序曲，直到十八世纪末才最终定型，基本采用奏鸣曲式的结构。莫扎特的歌剧序曲大多属于这一类。
要保持序曲与歌剧本身的有机联系，最简单的办法就是直接选取歌剧中与戏剧发展或旋律发展密切相关的片段(如咏叹调等。)最能体现歌剧主角性格的作为主题。莫扎特的《唐璜序曲》和格林卡的《罗斯兰和柳德米拉序曲》都是这方面的例子。但有些序曲与歌剧本身的主题无关，如莫扎特的《费加罗的婚礼》序曲，罗西尼的《塞维利亚的理发师》序曲。
贝多芬的序曲在音乐史上具有重要意义。在序曲这个小体裁中，他用简单、凝练、高度概括的音乐形象表达了深刻的思想内容。他的戏剧序曲已经远远超出了一般的“引子”功能，成为全剧中心内容的集中体现。
但贝多芬的才华还是在交响曲中得到了体现，序曲的发展最终落到了他年轻的同时代人，德国浪漫主义歌剧之父——韦伯的身上。韦伯的歌剧序曲无论是音乐主题还是情感色彩，都与歌剧本身息息相关，成为一种精致的声音和画面，将听者引入歌剧的情感氛围。韦伯的歌剧《自由射手》《奥布朗》《尤兰蒂》都是这类代表作。
19世纪上半叶是浪漫主义歌剧序曲的黄金时代，随后，序曲的影响力明显消退。原因有二:一是19世纪下半叶，一些作曲家，如瓦格纳，认为歌剧本身就足以说明戏剧故事的情节，序曲不需要涉及故事的内容。因此，许多作曲家倾向于缩小序曲的规模。我更喜欢切换到较短体裁的前奏，仅限于在幕前酝酿一种情绪；其次，当时抒情剧院的新观众一般都是诚心来看演出的，也有一定的欣赏能力，没必要用响亮的音乐来拖延开场时间。其结果是，就像19世纪末意大利作曲家普契尼的歌剧《波希米亚人》一样，几乎只有几个小节的引子，就马上转到了歌剧的第一幕。
除了歌剧序曲，19世纪的许多作曲家也热衷于创作一种新的不起到“前言”作用的序曲。这个序曲不从属于任何戏剧作品，但它往往有一个标题，与某些诗意的内容有关，如古典文学或民间作品创造的意象和情节、民间生活的画面等。这个独立的标题序曲叫做音乐会序曲。它的创始人是德国作曲家门德尔松。第一部专门为音乐会演奏而写的序曲是他的《仲夏夜之梦》序曲。头条音乐会的序曲有很多，比如门德尔松的《手指的洞穴》、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《1812年的庄严序曲》和《罗密欧与朱丽叶的幻想序曲》。其中一些序曲实际上是标题交响曲或交响乐的变奏曲。
在音乐史上，乐器的分类通常与配器密切相关。乐器的分类不仅反映了人们(民族、人类)的生活习惯和风俗，更重要的是反映了当时人类认识的各个阶段的音乐生活内容、音乐形式、科技水平和生产力...中国古代乐器最重要的分类是“八音分类法”，即根据乐器制作的材料，将中国古代乐器分为八类。西周(约公元前11世纪-公元前771年)出现。
“普通话？周瑜治下？《灵州论乐》曰:“所以，最重要的乐器是细，而最重要的乐器是大，所以金上舆、石上轿、瓦上宫(瓦是土、陶等。)，竹的还在讨论中，木的就换了。“八音是金(如钟、都铎)、石(如清)、丝(如琴、瑟)、竹(如箫、池)、舒(如笙、茹)、土(如茹、茹)、革(如茹)
民乐中还有一种分类，大致将乐器分为吹、拉、弹、奏四类。如:奏(唢呐、笛子)、奏(胡琴)、奏(三弦、琵琶)、奏(扬琴、钹)。
西方音乐分为五类:
(1)木管:单簧管和长笛，单簧或双簧(后来用金属制成)的乐器，如双簧管和巴松管；
(2)铜管:由金属制成，最初由木头制成。早期的实物只能演奏全音阶甚至两个八度以内的泛音，如小号、圆号、大号；
(3)打击乐器:鼓、钹、响板；
(4)键盘:从最初的自然键盘到后来的扬克四分之一键盘(与传统东方乐器不太相似)，如钢琴、大键琴、管风琴；
弦乐器:弦乐器的种类从纺织品、羊肠线、鲸骨、钢到尼龙...如琵琶、小提琴、吉他和竖琴。
库特。萨克斯(Kurt Sachs 1881—1959)和Hornbostel根据声学原理对不同时代和文化的乐器进行了研究和分类，并在1914(第一次世界大战爆发)设计了一套区分五类乐器的术语[后来称为“萨克斯(萨克斯
(1)体唱乐器:用自然发音材料制作的乐器，如青、三角铁(2)膜唱乐器:有拉伸膜的乐器，如定音鼓、小鼓、腰鼓；
(3)气鸣乐器:包括无簧管振动和使用自由振动簧舌的乐器，如风琴、笙等；
(4)弦乐器:弦乐器，如小提琴、三弦等；
(5)电子乐器:电子、电声类，如电子琴、电风琴。
八角划分是历史上就有的分类，现在已经不用了。体现了中国古代的科技水平，也反映了当时重技术轻理论的社会状况(及其对人文形态的影响)。八度划分其实是一个相对初级的技术划分。因为中国历史上从来没有“科学”，只有技术和工艺，所以这种分类很不幸地未能体现和贯彻科学原理。按照这个分类，铜鼓和编钟属于金，陶钟和铜钟属于土和金。所以八度法在实际的音乐演奏、组织、活动中未必实用。它只是体现了中国古代学者的初步整理和他们试图整理。吹、拉、奏生动地体现了乐器的演奏方法。民乐通常用于婚丧嫁娶或自娱自乐，没有固定的乐队安排。参与者的数量和方法是灵活的，通常一个人同时演奏几种乐器。和一起演奏的人也许能演奏这种琵琶和阮。而且学民间乐器的教授是师徒型，手工作坊和手工艺特色很强。吹拉子弹的分类很好理解，也符合手艺的特点，类似于泥瓦匠和制革工的区别。因此在民间广为流传，占据主导地位。
其实西方古典乐器的分类也有很强的手工艺特征，也不科学——比如现在的木管乐器都是金属的，而最初的铜管乐器是木头的，但是木管和铜管的名称已经固定了——也不系统。之所以存在，是因为其背后还有另一个系统的、理论的规律:协调人法，使得这种分类有了它的实用价值和规律。配器是为管弦乐队作曲的艺术，讲究乐器的音色、技法、演奏和有效音域，以及乐器的组合、运用和配乐调配。从根本上说，配器法是建立在乐器的这种分类基础上的，也使得西方乐器的这种分类得到了有效的应用——这种应用也许并不严格科学，但却体现了科学的精神和理念。
所谓“萨克斯(乐器)分类”，其实并不是一个准乐器分类。只是萨克斯根据自己提出的五个术语(甚至不是概念)对乐器的分类。虽然已经初步系统化、结构化，但还没有完全精确化、科学化。是因为音乐中使用的声音材料广泛、复杂、多样...这就决定了用来产生这种声音的工具越来越精良，越来越复杂(包括演奏方法)。我们的分类总会赶上来的，这是人类科学的骄傲，也是艺术的痒处，乐器的分类一方面致力于严谨的科学体系，另一方面又要有效地指导不断变化的音乐和音乐生活与实践，不是一朝一夕可以做到的。“萨克斯(乐器)分类”是现存最好的分类。是目前所有乐器分类中最科学最严谨的分类。我们应该继续建设这座大楼，丰富它，改善它。这甚至需要几代人的努力，因为这门学科越来越融入越来越多的科学成分和技术含量，更重要的是还有结构越来越复杂、内容越来越丰富、越来越生动的现代和未来音乐。