西方音乐史小知识点
说起古典音乐，我上大学之后，毫不犹豫的报了西方音乐欣赏选修课，没想到读研究生的时候又报了。
起初，我只知道贝多芬、莫扎特和柴可夫斯基。后来通过选修课的学习，我了解了施特劳斯、肖邦、维瓦尔第、布里顿、德沃夏克等伟大的音乐家。我觉得对古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的欣赏和发掘。通过古典音乐的风格和特点，我们可以了解音乐家的内心世界和个人性格。
所以没有深刻内涵的音乐人是不可能写出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我觉得这就是音乐人想要达到的，通过音乐的表现形式，把他对生活、社会、艺术的理解，表达给观众。
伟大的作品会诞生在为自己作曲的时候，而不是为了迎合贵族和观众，虽然那时候可能没人在意。正因为如此，在听古典音乐的过程中，我必须先看看这首曲子的背景和来历。
否则，如果你只是欣赏它的旋律，你可能会一无所获。《莫扎特传》是最打动我的一部，不愧是奥斯卡获奖影片。
这部电影突出了莫扎特的天才和萨列里的嫉妒(电影为了鲜明的个性和矛盾而丑化萨列里)。莫扎特很有音乐天赋。当萨列里看到他的手稿时，他震惊了。莫扎特没有做任何改变，每一个都不能因为完美而改变。
萨列里认为莫扎特并不是在创作音乐，他所要做的只是把脑子里的音乐符号复制下来，他也感叹为什么上帝没有赐予自己这样的天赋。萨列里嫉妒莫扎特不仅仅是因为他的才华，还因为莫扎特的傲慢和自信，以及他对宫廷内部传统体制的蔑视，因为他一直认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。
还有莫扎特的《安魂曲》，真的是震撼灵魂的伟大作品。生动地展现了莫扎特生前的心理状态。
有无奈，有沮丧，有悲伤，复杂的心理状况让听者为之惋惜。难怪有人说世界上有这么悲伤的旋律！可以说贝多芬一直是一个与命运抗争的人。
因为长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他也是一个不小的打击，而他后来的失聪也说明他不是上帝的宠儿。在这样的困难下，他还能创作出《第九交响曲》这样的作品，更加体现了贝多芬的伟大。
你知道失聪对作曲家意味着什么。就像厨师失去了味觉，画家失去了眼睛。
正是这个贝多芬，创造了后世无法超越的交响乐巅峰。所以贝多芬的音乐不容忽视。
他的田园，缘分，第九都是我请到电脑上的。然后是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》、《维也纳森林》、《皇帝圆舞曲》、《春之声圆舞曲》可以说是经典之作，我当时反复听了这些歌。
也是在这个时候，我听到了我认为最好的交响乐——德沃夏克的《新世界》。尤其是气势磅礴的第四乐章，我百听不厌。
总之，我很庆幸自己能接触到古典音乐，也很感谢古典音乐带给我的快乐。希望更多的人能和我分享这些快乐。你也喜欢古典音乐吗？想和你叫个朋友！~。
2.中外音乐史和艺术史知识点
这里有一点中西发展史，看看能不能帮到你一点！
中西艺术史中“形神观”的分化与融合
永恒的敌人——“形”和“神”
“形似”与“神似”，一是理性对待对象；一种是感性对待对象。是绘画领域永恒的话题。在这种问题面前，死抱着不放是不行的。大小问题是避免迷路的关键；而辩证分析是走出理论迷宫的唯一出路。本文我无意也没有能力对这个永恒的理论悬案做出评价，只是想把各种观点梳理成一个脉络。形，顾名思义，就是外表相似。但这种意义在不同的环境下是不同的(中西、古今...).在西欧，在古希腊和文艺复兴时期，形似的地位关系到绘画的成败。在中国古代，形似的地位更加微妙。顾恺之是形神兼备的倡导者。他:“生动的写照就在眼前。”被后人千古引用。后来被徐悲鸿收入“新六律”。这一传统在宋代画院中得以成功保持。但当时正好文人画兴起，相似造型的处理方式也发生了微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画注重自我表现，追求意境和神似，得到了文人的广泛认同。文同、李、、赵令让、米芾父子随波逐流，付诸实践。神似成了画味的代名词(这里的神似和顾恺之不一样。也就是图像之神和画面之神的区别——作者。)
所以神似远不是外形那么简单。首先，不仅是要把握对象的魅力，还要在艺术作品中加入自己的感受，让艺术作品有自己的想法。
我怕话题越来越大，就说到这里吧。进入上部。
上篇:意味深长的历史轨迹
——古代(现代)中西“形神观”的比较。
比较中西艺术史总是很有意思的，探究它们差异的原因更有意义。
如上所述，图像在不同的区域被不同地处理。但有一点，中国和西方都不约而同。中西艺术中第一幅画是* * *人物。
中国人物画经过秦汉的发展，最终在魏晋南北朝达到了一个高峰。顾、陆、张对人物画的关照影响了中国人物画的发展。
顾恺之(346—407)，江苏无锡人，博览群书，才华横溢，是艺兮散骑的常客。他是一个早熟的画家。二十多岁的江宁瓦棺寺壁画，居然“照一寺，赠者填喉，得俄百万”(张彦远《历代名画》引《史静寺的故事》)，画从此成名。他的地位是三大奇迹中最高的:“喜欢一个人的美，可以得到他的肉，他的骨，他的神，他的奇迹无与伦比，他的关怀弥足珍贵。”很显然，在魏晋时期，中国的绘画观念已经深深确立了“神”的表现重于“形”的表现。
看完中国人物画第一人顾恺之* * *。看看西方人物艺术的第一个高峰——古希腊艺术就知道了，雕塑是希腊艺术最重要的组成部分，它体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术天赋和对人体的深刻研究。很多最好的雕塑，因为气势磅礴，形象完美，风格脱俗，无与伦比；千百年来，无数画家和工匠受到它的启发和影响；它独特的内在生命力和艺术魅力至今仍放射着灿烂的光辉。
古希腊的雕塑经历了三个时期。
古董时期。
作为一个古老的雕塑，它通常始于7世纪。此时的人像雕塑，大多是直立的形象。总的来说，他们没有打破刻板的形式，而且造型手法也比较生硬。直到6世纪，雕塑的艺术技巧有了明显的进步，在人体和动态表现上更加自由和充满活力。
第二，古典时期
希腊艺术的古典时期始于490年前。体格健壮，精神饱满，造型优雅婉约，是古典时期雕塑的共同特征，是希腊城邦战胜外敌入侵，建立自己强国时代人们对英雄理想的体现。同时也形成了相应的美容规范。
第三，希腊化时期
经过古典时期的发展高峰，希腊雕塑的中心在希腊化时期移到了小亚细亚西部和爱琴海的一些岛屿。这一时期很少建造宏伟的庙宇，庄严崇高的气氛在雕塑中逐渐淡化，而世俗化倾向有所发展。但在一些优秀的作品中，仍然保持着古典气息的精神。但到了后期(以拉奥孔为代表)，雕塑已经失去了崇高的精神。
看古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和愤怒。但更明显地体现了科学精神。准确把握人体比例(以黄金分割律为代表)，显然把欧洲艺术带上了写实主义的道路。把上述中西方的代表性绘画并列，就可以清楚地看到这种差异。
谁能帮我介绍一下西方音乐史？
16年底17年初出生于意大利佛罗伦萨。由巴迪宫廷camerata俱乐部(意为俱乐部或小团体)成员文森佐·加利莱(Vincenzo Galilei)和佛罗伦萨学者梅(Mei)在大量研究古希腊悲剧的基础上诞生。
西方音乐史教学的具体内容主要包括三个方面:
一、西方音乐的历史发展和演变。比如西方音乐内容和形式的演变历史，西方音乐理论以及各种音乐流派的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、风格特征及影响；
其次，西方社会的政治、经济和文化历史影响了西方音乐的发展，从音乐的独特视角反映了西方文明的历史进程及其人文精神的特征。
第三，音乐的表现和音乐的审美方法。比如音乐欣赏的基础知识，音乐的要素，各种理论和流派等。
4.帮我们介绍一下关于音乐的知识。
古典音乐，中文翻译是“古典音乐”。
有人认为“古典”给人一种古色古香、古板沉闷的味道，所以改名为“古典音乐”。根据牛津英语词典对古典主义的定义:以传统和严肃的风格，有人称之为“严肃音乐”。
浪漫主义音乐是古典音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或时代。浪漫风格音乐注重情感和内容的表达，打破了古典音乐时期的各种形式约束。
巴洛克音乐巴洛克一词的本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时是贬义的。当时人们认为其华丽招摇的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经认识到巴洛克是欧洲伟大的艺术风格。乡村音乐这个名字出现在20世纪20年代的美国，它有着广泛的起源。
当时歌曲的内容，除了表达工作生活，厌恶孤独漂泊的生活，向往温馨祥和的家，唱出甜蜜的爱情和失恋的痛苦。爵士乐爵士乐是由民歌发展而来的，它的来源很多，不容易仔细研究。
在19世纪期间，音乐是美国南部种植园黑人奴隶表达生活和情感的重要手段。从19年底开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，融合了布鲁斯、拉格泰姆等音乐类型，是“混血”的产物。
摇滚最纯粹的形式，所谓摇滚，就是三* * *加强坚硬连续的鼓点和口中的旋律。摇滚不仅仅是一种音乐形式，更是一种“生活态度和哲学”，这也是摇滚不同于流行音乐的原因。
真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩影全景:嬉皮文化、艺术摇滚、朋克音乐、先锋音乐、重金属等等。重金属，简而言之就是用一点超常的力度去演奏摇滚乐。
吉他作为这类音乐的主要元素，声音比平时大，有复仇感。朋克朋克是兴起于1970年代的反摇滚音乐力量。
朋克在中国大陆翻译为“朋克”；在台湾省被翻译成“朋克”，在香港被称为“崩”。在西方，朋克在字典里的意思是(俚语)流氓、废物、* * *、猥亵儿童、自卑等等(虽然现在它的意思有了一定程度的变化)。
灵魂音乐。灵魂乐是南方福音和中西部节奏布鲁斯的融合，崇拜音乐的复兴被带入节奏布鲁斯的布吉伍吉世界。
从这个肥沃的基础上，灵魂乐诞生了。灵魂乐的特点是具有明确的世俗动态和宗教音乐的坚实节奏。
吉他经常让位于哈蒙德B-3风琴，使用一些管乐。然而，几乎所有的灵魂音乐都以热情和高亢的声音为标志，偶尔还会加入一些即兴创作。
R & ampb的全名是rhythm &；蓝调，俗称“节奏布鲁斯”。广义上的R &；b可以算是“黑人流行音乐”，起源于黑人的布鲁斯音乐，是现在的西进流行和摇滚的基础。Billboard杂志曾经定义R& B是所有的黑人音乐，除了爵士乐和布鲁斯，可以归为R &类；b，可见R &；B的范围有多广。
近几年在黑人音乐圈非常流行的Hip Hop和Rap都起源于R & amp；在研发的时候节省很多研发费用。组件B. HOUSE是80年代由DISCO发展而来的舞曲。
这是芝加哥DJ放的音乐。他们将德国电子乐队发电厂乐团的一张唱片与鼓机的规则节奏和黑色蓝调歌曲混合，House应运而生~一般翻译为“石昊”舞曲，是电子舞曲最基本的形式，节奏为4/4拍，有鼓点，旋律简单。经常有高亢的女声在唱。迪斯科流行起来后，一些DJ改变了它，故意让迪斯科不那么商业化。低音和鼓越来越深，很多时候变成了纯音乐作品。即使有演唱部分，也大多是歌手唱的短句，往往没有明确的歌词。虽然BritPop有“Pop”这个词，但它其实是一种摇滚，起源于20世纪90年代的英国。中文可以翻译为“英国摇滚”，是英国乐坛对美国垃圾音乐潮流的一种回应，主要以乐队的形式出现。
不过Britpop的风格其实很广泛，比如Oasis是吉他摇滚乐队，Blur有很多Pop，Pulp接近Glam Rook和dance style，但都归入了BritPop。蹦蹦跳跳是一种英国/欧洲舞曲。它的名字来源于“Trip+Hip Hop”= Trip-Hop。因为它起源于英国的布里斯托尔，所以最初叫做“布里斯托尔嘻哈”。
黑帮说唱(Gangsta Rap)是说唱的一种，内容多与城市犯罪有关，充满暴力和感情，是一种反映现实的音乐方向。Gangsta Rap兴起于上世纪80年代末的美国，强劲尖锐的音乐说唱流派在美国非常流行，唱片销量非常好。
Synth Pop的“Synth”，即合成器，顾名思义就是“合成家炮制的流行音乐”，当然除了合成器之外还会用到电脑、鼓等其他电子乐器。Synth Pop在上世纪80年代初开始流行，80年代中期开始沉寂，当年在香港出现热潮。
Synth Pop的特点是科技感很强，有时候还挺冷的。歌曲多为“3分钟流行”，很多时候Synth流行音乐人会打扮得很时尚。管弦乐队是一个管弦乐队，分为四组:1弦，包括小提琴和大提琴，2铜管，3木管，4打击乐。
弦乐组的每种乐器都是多人演奏(竖琴除外)，四组演奏者由一个人协调指挥，这个人就是乐团的指挥。室内流行音乐指的是古典音乐。
5.如何报考小学音乐教师复习笔试和专业基础知识，主要是西方音乐。
去年刚拿到高中教师资格证，专业理论还没复习，因为这个东西没法复习，全靠平时的积累。西方音乐史和中音史的比重不算太大，只出现在选择题中。最重要的是最后一个大题目的写作，教案。
说到这，我为什么说不能复习？如果看往年真题，会发现考这个基础知识的点太多了，没什么可反复考查的。一些基本常识比如“黄河大合唱的作曲者是谁”根本不会考，所以我的建议是把重点放在大题上。随便买本书，浏览一下音乐史的知识。
比如今年我印象比较深的一个题目叫《弦乐四重奏》。是啊。《颂》的作者是谁？选项中有谭盾、郭文静等中国当代作曲家。这类题目怎么复习？所以这些主要靠积累，后面的作用真的不大。投入与回报不成正比。
6.西方音乐发展史
1.古希腊罗马音乐:我们对这一时期的音乐知之甚少，因为留下的乐谱很少。
古希腊音乐的起源与对神和神话传说的崇拜有关。“音乐”一词来源于“缪斯”，是古希腊神话中掌管艺术的女神。
著名的神阿波罗、雅典娜和狄俄尼索斯都是艺术之神，据说音乐是他们创造的。古希腊音乐在宗教活动中被广泛使用，也发挥着重要的作用。
在古希腊，竖琴和提琴是主要的乐器。它们是由不同的神发明和拥有的，所以它们常常与不同的神的崇拜联系在一起。七弦琴是一种弦乐器，多用于独奏伴奏、史诗演奏和歌唱，常与阿波罗崇拜联系在一起。它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。
阿佛洛狄忒是一种管乐器，常用于祭祀酒神狄俄尼索斯。在现代西方文化观念中，里拉琴音乐和对阿波罗的崇拜，以及阿佛洛狄忒音乐和对狄俄尼索斯的崇拜，成为两种性格对立的音乐的象征。
前者是冷静内敛的阿波罗风格，后者是放纵浪漫的酒神风格。常与诗、舞、剧结合，演唱时有时伴以乐器。
2.中世纪音乐从公元5世纪开始，到公元14世纪，是西方音乐史上最长的时期。中世纪音乐主要是基督教宗教音乐，世俗民间音乐不受重视。
教会的权力高于国家和其他社会团体，所有的社会意识形态，包括各种艺术和哲学，都应该为教会服务。在此期间，圣歌和赞美诗在教堂崇拜中广泛传播。
“新艺术”的概念来自法国主教、诗人和音乐家菲利普·维特里的一篇论文。
这个概念很快被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，不同于13世纪旧的“古代艺术”。“新艺术”的主要特征是音乐创作前所未有的世俗化。作曲家将宗教复调与世俗音乐词汇相结合，探索音乐形式创作的各种新的可能性。
采用较小音符时长的记谱法，节奏记谱法系统化。新艺术运动最重要的代表是马骁(1300-1377)，意大利代表是兰蒂尼(1325-1397)。
西方文明史上的“中世纪”曾被认为是蒙昧的黑暗时代，但今天我们往往倾向于以更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度来看，教会对音乐的影响虽然有其消极的一面，但也有其积极的一面。
教会对音乐的重视，为统一乐器所做的努力，以及在音乐发展上投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料得到了相对较好的保存。复调音乐和管风琴的出现为后来专业音乐的发展奠定了坚实的基础。
第三，文艺复兴这个词是法语，意思是“再生”。这一时期在西方历史上从1300持续到1650。
这个词反映了思想家们对中世纪的怀疑和否定以及对古代文化的推崇，他们对复兴古希腊罗马的文化遗产很感兴趣。然而，这种复兴并不是简单地原样再现，而是通过复兴古代的精华来构建新的文化和传统，其成就很快就超越了古希腊和古罗马的影响。
在这场运动中，“人文主义”是最具影响力的思潮，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，摆脱神性的束缚，强调人是社会的主人而不是神。
他们歌颂人类对生命的热爱和人类的智慧，相信人类的力量可以战胜一切。文艺复兴一般是指1430年到1600年左右的时期，音乐领域的变化是在文学、绘画等领域之后。
文艺复兴时期的音乐一方面具有明显的世俗化倾向，另一方面仍然与宗教保持着密切的联系。1，尼德兰音乐学校。
荷兰音乐学派是指15和16世纪，来自低地国家的一群音乐家，主要分布在法国、比利时、荷兰等北欧地区。2.16世纪的世俗音乐。
16世纪，西欧音乐出现了一些新的趋势。各国涌现出一批具有民族风格的音乐，这些音乐以声乐为主，主要有意大利牧歌、法国冠军、德国Lied、西班牙牧歌和浪漫、英国牧歌和鲁特歌等。
3.宗教改革的音乐对应着世俗音乐的发展，16世纪的宗教改革也给教会音乐带来了深刻的变化。四、巴洛克时期的音乐巴洛克时期通常指150年1600至1750年的范围。
“巴洛克”一词来源于葡萄牙语，原意是不规则的珍珠。它最初是建筑和艺术领域使用的术语，后来逐渐用于艺术和音乐领域。歌剧的诞生是一种用音乐表现的戏剧。它的前身可以追溯到古希腊的悲剧，中世纪的仪式剧和神秘剧。2.器乐的发展巴洛克时期，器乐上升到新的突出地位，形成了声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐平起平坐。
巴洛克时期最重要的特征之一就是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴时期复调织体的主旋律和和声织体，基本上由旋律和和声伴奏组成。有贯穿作品始终的独立低音，上方有华丽装饰的高音，中音不写，表演者即兴发挥。
巴洛克时期，大小音体系和功能音乐逐渐建立起来。记谱法也在不断改进；“情绪论”的理论应运而生，认为音乐的主要目的是唤起人的情绪。他们用一种音乐体裁来表达歌词的感情，比如高音表示光。
7.西方音乐史的发展分为那几个时期，以及前几个时期的代表作品。
16年底17年初出生于意大利佛罗伦萨。由巴迪宫廷camerata俱乐部(意为俱乐部或小团体)成员文森佐·加利莱(Vincenzo Galilei)和佛罗伦萨学者梅(Mei)在大量研究古希腊悲剧的基础上诞生。西方音乐史教学的具体内容主要包括三个方面:一是西方音乐的历史发展和演变。比如西方音乐内容和形式的演变历史，西方音乐理论以及各种音乐流派的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、风格特征及影响；其次，西方社会的政治、经济和文化历史影响了西方音乐的发展，从音乐的独特视角反映了西方文明的历史进程及其人文精神的特征。第三，音乐的表现和音乐的审美方法。比如音乐欣赏的基础知识，音乐的要素以及各种理论和流派等。，而这一时期的发展经历如下:西方音乐史和音乐流派的发展主要经历了以下几个阶段:
首先，西方音乐的起源可以追溯到古代美索不达米亚平原。起源时期的音乐主要用于寺庙祭祀和节日，带有明显的宗教色彩。苏美尔人、埃及人、希伯来人和古希腊人促进了音乐的发展。
第二，中世纪早期和繁荣时期
这个时期主要是单音音乐时期，大致是公元600年到1300年。
第三，“新艺术”时期
公元1300~1450年是中世纪向文艺复兴的过渡阶段。
第四，文艺复兴
1450-1600年，文艺复兴的中心在意大利，但音乐中心在法国的勃艮第和佛兰德斯。这一时期德国和英国音乐的兴起，罗马教会音乐的改革以及威尼斯音乐学派的活跃，使得这一时期的音乐成就不逊于其他艺术。
动词 （verb的缩写）巴洛克时期
1600~1750，从蒙特威尔第开始，到巴赫和亨德尔结束。巴洛克时代是西方音乐史乃至整个艺术史中一个非常重要的时代。巴洛克音乐高贵动人，内容比文艺复兴时期更丰富，更富有戏剧性。这一阶段初步形成了欧洲音乐的许多重要流派，如歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲、清唱剧、清唱剧(大型声乐组曲)等。音乐巨擘巴赫和亨德尔把巴洛克音乐推向了* * *。
第六，古典主义时期
以恢复希腊罗马的古典风格为目的，以追求客观美为主要内容的古典音乐在维也纳形成了气候，海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐家的杰出作品激励了音乐史。这一时期成为器乐的黄金时代，钢琴曲和小提琴协奏曲的创作层出不穷。奏鸣曲式的建立被认为是这一时期成就的代表。
七、浪漫时期。
浪漫主义音乐流派是人类艺术史上的一座“宝库”，这一时期不仅产生了伟大的音乐家，而且音乐流派的范围也是前所未有的，有无字歌曲、夜曲、艺术歌曲、叙事歌曲、交响诗等新颖独特的形式。这种更注重音乐内容的音乐流派，使得一些非音乐因素成为音乐的主宰。浪漫主义音乐由门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到顶峰。
八、新音乐
这是20世纪音乐的总称。音乐和其他艺术一样，已经开始出现多校开花的局面。音乐创作的保守与创新流派在德、俄、英、美等音乐文化发达的地方相互竞争，在一定程度上促进了音乐的繁荣。然而，20世纪50年代后，随着电子音乐和计算机等高科技的出现，音乐家们都希望在新一代音乐语言和节奏的发展中找到共同点，并重塑作曲家的角色和音乐艺术的本质..