巴洛克时期的音乐风格

音乐的巴洛克时期一般认为大致是从1600到1750，也就是从蒙特维尔到巴赫和亨德尔。1750年，复调大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的去世，标志着巴洛克巅峰时期复调音乐的结束，巴洛克时代的终结。这个时期之所以被称为巴洛克时期，是因为一个时期的音乐表现手法和方式基本上是有共通之处的，所以用这个术语来标记它并没有什么特别的意义。巴洛克一词来自法语，其来源是葡萄牙语barroco，意思是形状不圆的珍珠。最早是巴洛克末期的评论家在评论这一时期的音乐时使用的，一般含有贬义，指的是粗糙的音乐，奇怪而夸张的音乐。巴洛克之后的古典时期的音乐家倾向于简化和规范音乐语言。在他们看来，巴洛克音乐过于张扬，不够规范。因此，巴洛克一词被批评家用来指代17世纪和18世纪早期的艺术和音乐作品。如今，随着时间的推移，我们可以用更深入细致的历史眼光来看待这一时期的音乐。巴洛克不再有粗糙、粗犷的含义，但与巴洛克前后的音乐作品相比，确实具有夸张、有些不规则的特点。

文艺复兴时期的艺术注重清晰、统一和协调。但到了十六世纪末，艺术中的情感因素日益增多，清晰、明确、完美的形式被表达感情的需要淹没了。在美术方面，可以从卡拉瓦乔(1573-1610)色彩丰富、富有戏剧性的画作中看出。在音乐上，我们已经从马伦齐奥和卡洛·格苏阿尔多的牧歌和道伦德的古歌中看到了端倪，他们的下一代有了进一步的发展。为了产生这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。总的来说，文艺复兴时期流畅的复调音乐已经不适合新时期所需要的特点。巴洛克时期最重要的创造是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐流畅，所有声部(通常是四到五个声部)交织同步。1600以后，这种织体越来越少使用，只能在教堂音乐中见到，因为教堂音乐受传统固定礼拜仪式的束缚，所以最保守。

“对比”可以表现在不同的方面:声音的高低；快慢速度(快慢段落之间或快慢声部之间的对比)；强势和弱势；音色的差异；独唱(歌唱)和合奏(合唱)等等。这些都存在于巴洛克时期的音乐结构中，各有各的位置。巴洛克时期的很多音乐家都使用协奏曲或者复合协奏曲(这个词本身就意味着明显的对比因素)。这种形式的基本特征是织体的变化，有时是一个声部(独唱)或几个声部，有时是更大的团体合奏。

最明显、最强烈的反差是，当时出现了一种叫做“monody”的新流派。是独唱歌曲，上面有流畅的人声部分，配以琵琶或大键琴，伴奏较慢。这一流派的代表人物(某种程度上可以说是创作者)是作曲家兼歌手卡奇尼。约1545-1618)在他划时代的作品《Lenuovemusiche》中，人声的旋律根据歌词的含义变化很大，在节奏和织体上可以从很简单到很有装饰性；而且与几乎固定声音类型的伴奏部分形成对比。卡奇尼属于佛罗伦萨的“Camerata俱乐部”(一个由音乐家、诗人和贵族组成的团体)。上世纪七八十年代，他接触到了再造古希腊音乐中表达感情的观点这一概念。这个组合沿袭了这一理念，采用了“一部曲”的形式。

文艺复兴时期的音乐几乎不考虑“伴奏”这个词。作为一种理念，属于巴洛克时期，也就是说乐器的位置不一样。其实巴洛克音乐最重要的特点就是它的伴奏，也就是通奏低音。通奏低音演奏者在大键琴或管风琴(或弹拨乐器琵琶或吉他)上演奏低音，上面的数字指示他应该演奏的满弦和弦。通奏低音常由两人演奏，一人配大提琴(或中提琴或巴松管)之类的可以延伸。

音响乐器演奏低音部分，另一个人演奏填充和弦。这个使用通奏低音的织体是:人声或乐器的旋律部分在上面，低音乐器在下面，和声在中间，这是典型的巴洛克音乐。上面常有两个声部，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴(此时称为三重奏鸣曲)。这种结构在巴洛克音乐中也很典型，尤其是通奏低音，这表明低音产生的和声概念对巴洛克音乐是多么重要和核心。这个概念的出现并不突然。在16世纪，复调音乐中的低音声部是与上述线条区分开来的，但直到巴洛克时期，这种风格才被明确确定下来。

与上述变化一起，并与之相关的，是放弃复调(更准确地说，复调音乐已经成为一种老式的方法，几乎只在教会中的某一种音乐中使用)。重视和声必然会导致一首乐曲中出现几个和声级数的终止点，称为终止点或收敛点，是由一系列具有一定水准的和声级数形成的。与此相关的是节奏的进步。在声乐中，旋律必须遵循(甚至夸张)语言的自然节奏来表达歌词的情感。对器乐中的舞蹈节奏有用(包括一些声乐，尤其是合唱)。因为低音使用了舞曲的节奏，所以加速了调性的发展和向某一特定音调的倾向。同时，新的乐器的出现也加速了这一进程，其中最重要的就是小提琴家族。当时的提琴琴发音适合复调音乐的清晰度，但缺乏节奏力量感。然而，小提琴干净活泼的弓动作和演奏辉煌的技术音乐的能力适合演奏舞蹈节奏音乐，它比单声部歌曲更能演奏技巧。声乐风格和器乐风格的交替是典型的巴洛克技法，巴洛克音乐中为了新颖和效果有两种不同的风格。

巴洛克早期的重要音乐形式是单声部歌曲(相对于前期的复调音乐)以及与之相关的歌剧和清唱剧，强调声音和音乐的紧密结合，在歌剧中也有布景的作用。单体音乐不使用对位法，其曲式是旋律与低音相结合而发展起来的，如分段曲式、回回音乐结构、重复低音部分上的变奏等。在乐器方面也有相应的发展，比如适合演奏通奏低音的合奏乐器，适合演奏小提琴而不是提琴家族的乐器。Violqin的家庭乐器更加灵活，可以演奏更高的音域。

第二，巴洛克时期欧洲各国的音乐

在巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的快速发展。并促成了后来洛可可艺术的兴起。这一时期的音乐在德国、意大利和法国最具代表性。

1.巴洛克时代的德国音乐

巴洛克时代的德国音乐，以徐慈、巴赫、亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比作一座金字塔，他们的音乐就像塔顶，因为他们不仅吸收了文艺复兴以来的意大利新音乐，还开辟了一条全新的道路。徐慈(1585-1672)24岁赴意大利留学，师从威尼斯音乐学院的大加布里埃利(1557-1612)。回国后发表了第一部德国歌剧《达芙妮》，后来又写了许多激情。徐慈刚好比巴赫和亨德尔晚了一百年，他的风格对这两位巴洛克大师的创作有着重要的影响。

亨德尔和巴赫的音乐作品，无论是在传统音乐的综合上，还是在追随新思潮上，都放射出音乐史上的异彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧，他的器乐也包含强烈的声乐因素，明显受到意大利的影响；巴赫的音乐在声乐作品中包含了强烈的器乐因素，为古典时代的到来奠定了坚实的基础。

2.巴洛克时代的意大利音乐

歌剧这一伟大的艺术形式诞生于“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦萨，有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术非常感兴趣的贵族，他们决心赋予希腊戏剧新的生命，这些贵族开始为古希腊故事作曲，合唱队穿上服装演唱整个故事，这就是歌剧的雏形。后来故事里的角色都是歌手来演；合唱节目之间，男女歌手分别是独唱。当人物的文字柔和时，台词被当作半唱半说，像圣歌，称为宣叙调；而强烈的感情是用真实的旋律来表达的，这就叫咏叹调。然后，专门用咏叹调来炫耀歌手优美的音色。当时，无论是在意大利、英国还是德国演出歌剧，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分则用本国语言演唱。

在意大利巴洛克音乐中，有可以与早期歌剧相媲美的弦乐。当时戏曲的古代序曲和协奏曲主要是弦乐。这一时期的意大利小提琴家很多，比如朱塞佩托雷里(1650-1708)、考勒里(1653-1713)、维塔利(T.AntonioVitali)、1665-1735)、维瓦尔第(AntonioVivaldi，1675)这些音乐家不仅是著名的小提琴演奏家，也是小提琴音乐的作曲家。在意大利北部阿尔卑斯山的克雷莫纳中，小提琴制作者可谓是层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利、斯特拉迪瓦里等。他们精心制作的小提琴依然活跃在舞台上，展现出无尽的艺术魅力。

歌剧的序曲必须分为快开始、慢中间和快结束三个部分，后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器仍然是管弦乐队中不可或缺的乐器，也是极其重要的室内乐和独奏乐器。可见巴洛克时代的意大利音乐影响深远。

3.巴洛克时期的法国音乐

当时，在法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各个王公贵族的宫殿里非常流行。这一时期的法国歌剧是从意大利歌剧传统中独立出来的，并接近于芭蕾舞的形式。巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是JeanBaptisteLully(1632-1687)。他的歌剧简洁、清晰、悠扬，同时具有很强的舞蹈性。其内容辛辣、幽默、精辟。

与歌剧同时，古钢琴音乐盛行。古代的钢琴往往饰有巴洛克文化，这是现代钢琴配大键琴的前身。当时的古琴大师有库普兰(1668-1733)和莫拉(1683-1764)。他们为古代钢琴曲写了许多组曲，其中许多至今仍被广泛使用。1722出版的《和声声学概论》(雷默著)是音乐史上最早的和声声学理论著作。