什么是好的钢琴曲和纯音乐？
什么是好的钢琴曲和纯音乐？
第1号克罗地亚狂想曲——马克西姆·姆尔维察
克罗地亚狂想曲来自专辑《钢琴演奏者》。音乐描述了战后克罗地亚灰烬中的废墟，夕阳倒映在血泪尘埃中，节奏明快，画面悲壮。
《克罗地亚狂想曲》的演奏者是来自克罗地亚的马克西姆·姆尔维察。从他的外表来看，大概没有人会相信他是一个天才的古典钢琴演奏者。身高2.07米的他长着一张帅气的脸，有着典型东欧男人的魅力，邪恶却又有点玩世不恭的笑容，染了头发，穿着便装，戴着耳环、项链和纹身，看起来像一个偶像流行歌手。但他弹琴前要沉思很久，然后坐在钢琴前，像流水一样轻敲琴键。只有这样，人们才能忘记他的外貌印象——钢琴前的马克西姆是一位才华横溢的演奏家。
《克罗地亚狂想曲》是马克西姆·姆尔维察的头号作品，是通奇·胡伊奇专门为《马克西姆》创作的，是马克西姆·姆尔维察每场演唱会的必演曲目。这部作品的旋律热情而稳定，也表现了马克西姆·姆尔维察对自己民族的热爱和依恋。(视频版)
第二名:吉普赛舞蹈——戴维·嘉雷特
吉普赛舞曲的小提琴版本，由混血神童戴维·嘉雷特创作。他少年时写了一系列传奇故事，被BBC誉为“已经是传奇”。第一张跨界专辑《自由》在世界范围内引起了波澜，专辑改版为《Virtuoso》后，以17成功进入英国流行榜。放眼当今乐坛，戴维·嘉雷特是唯一一个可以同时秒杀古典排行榜和流行排行榜的小提琴超级演奏家。不要因为他帅气的外表而忽略了他的才华。曼纽尔在世时，曾称赞他的钢琴技巧“非凡精彩”。
第三部《爱情故事遇上生活万岁》——乔恩·施密特
如果你喜欢泰勒·斯威夫特，你会发现这首歌如此熟悉，你在哪里听过...这首歌是约翰·施密特献给他7岁的女儿莎拉的，她喜欢泰勒·斯威夫特的爱情故事。有一次父女俩在车上听，小女孩非常欣赏地说，最喜欢也最感动的一段，就是那个男生好像被凶神恶煞的父亲吓跑了，再也不回来了。女孩伤心落寞，就在这个关键时刻男孩突然跑回来说，哎，我和你爸爸谈过了，去找件白衣服，我们结婚吧！
什么心态！这个故事教坏了孩子！钢琴家的父亲听得很快，刚想到是这样，女儿突然换了首歌，变成了酷玩乐队的Viva Lavida...
相当可爱的创作背景促成了这首大提琴的主旋律。钢琴伴奏的《爱情故事遇上Viva La Vida》，钢琴师是硬核摇滚头，慈爱的爸爸随便穿t恤烂牛仔裤，弹钢琴像壮汉绣花，出来的却是规律甚至深情的乐句，大提琴手是温柔的眼镜大叔。两人品味天衣无缝，迷倒数次。(视频版)
第四名超越——威廉姆·约瑟夫
它收录在威廉姆·约瑟夫的第二张专辑《超越》中。威廉姆·约瑟夫是美国最著名的跨国钢琴家和作曲家之一。从2004年开始，短短四年时间，他迅速成为美国最炙手可热的钢琴“明星”。高超的演奏技巧加上帅气的外表成就了他的音乐神话。
曾经在学校教钢琴的跨界钢琴家威廉姆·约瑟夫，在一场慈善音乐会上被席琳·迪翁、乔诗·葛洛班等重量级歌手的超级制作人大卫·福斯特发现。2004年，他是乔诗·葛洛班“亲密之旅”演唱会的开场表演者，同年，他发行了第一张个人专辑《在里面》。他2008年发行的专辑《Beyond》也在Billboard跨界排行榜上获得第八名。
第五名波西卡——克利斯·斯菲里斯
收录于专辑《爱欲》(EROS)。克利斯·斯菲里斯的音乐主要以吉他和键盘为核心乐器。相对于辛亚飞的钢琴和电子合成器，在营造适合现场的磅礴音乐氛围上确实弱了一点，但更为轻盈平和，像天边的一抹魏云，绵长而舒适。听他的音乐就像走在中世纪欧洲小镇的清晨。行人少，没有车马。随着音符没有起点和终点的行走，一切都显得那么清晰而古老。
克里斯的音乐是可以用来舒缓心情，放松心情的音乐。流水般毫无阻隔的音乐像水银一样流畅地覆盖着你的全身，跳动的音符在克里斯的手中舞动，音乐不是很起伏。吉他也是克利斯·斯菲里斯最好的乐器。克里斯的吉他充满灵性。他能思考但听不见，他能听见但摸不透。这是他的吉他。真的很难用语言来形容。也许自己去体验是最好的方式。受东正教和古希腊爱琴海文明的影响，克利斯·斯菲里斯的创作不时传达出厚重的历史感和宗教音乐特有的神秘魅力。
第六名静水——马克西姆·姆尔维察
《静水》是马克西姆·姆尔维察的钢琴专辑《新世界》(新世纪)中的一首歌曲。音乐开始，细细的雨声落下，然后，纤细的手指敲打着琴键，音符以优雅的姿态不停地盘旋，像鸽子绕着天空飞翔，在清澈的水面上翱翔天空，像是一次灵魂的洗礼，倾听内心的感受。我们曾经天真，我们曾经清澈透明如镜中之水。淡淡的旋律，不知不觉就让你想哭。我感觉每一个音符都在冲击你的心。听，听那透明的旋律...
第七协奏曲——理查得·克莱德曼
你可能不熟悉理查得·克莱德曼这个名字，但你一定听说过《阿狄丽娜叙事曲》。《星空》更让我感动，因为在前奏的开始，我以为会是一段仓促轻快的音乐。之后钢琴慢慢慢下来，不断变化。是一个能唤醒回忆的音符，是一个会让人活在过去的曲调，是一个像是思念了整个灵魂的旋律。疯狂过后的哭泣，会慢慢平静下来，然后会把你的心撕裂，平静下来...
第八名东方日落——迈赫迪
收录在《器乐奥德赛》中，在听这张专辑的时候，我们不禁会觉得这些引人入胜的音乐创作都是受到了上帝的启发。这些音乐是一个巨大的冒险旅程，伴随着各种文化和精神感受。从一个艺人的角度来看，这张专辑是对人生中最甜蜜的回忆和最深刻的感情的一种美丽诠释。通过将电子结构的多功能性和音域与交响乐团的力量和庄严相结合，创造了一种全新的声音，一种专为全世界观众设计的声音。
作者迈赫迪是当代唱片界最受欢迎的音乐家之一。他善于运用各种器乐合奏，缩短了当代器乐与各种音乐的差距。他的黄金销售专辑为他赢得了全世界的认可，他是唱片和音乐会上的音乐天才。
放飞我的愿望——艾德利斯
俄罗斯新世纪新兴乐团艾德利斯的音乐具有高雅、自由、梦幻的特点。新世纪交织的神秘与迷人酣畅的电子音乐，将人带入神秘的境界，仿佛要诠释神秘未知的空间，作品中注入了励志的预言。乐团核心作曲家兼制作人弗拉基米尔·沃洛丁(Vladimir Volodin)1981出生于前苏联萨拉托夫的小镇波克罗夫斯克(Pokrovsk)，后随父母移居到远离喧嚣的宁静小镇梅洛沃耶(Melovoye)，此后一直生活在那里。弗拉基米尔从小就开始创作音乐，在音乐学院的训练和学习让他明白，他可以用音乐来传播自己的世界观。弗拉基米尔透露，“艾德利斯”是一个神话般的小镇，弗拉基米尔创作的许多新专辑构成了这个小镇的生活。
出埃及记——马克西姆·姆尔维察
《出埃及记》讲述了以色列建国的辛酸历史，气势磅礴，气势恢宏，具有历史的悲壮感。关于这首钢琴曲最著名的MTV是来自克罗地亚的欧洲新古典主义王子、钢琴大师马克西姆·姆尔维察。“在这首歌中，马克西姆充分展示了他神奇的演绎天赋，让音乐充满了无限的惊喜。”(视频版)
这个英俊的36岁的男人，时尚的穿着，深邃吓人的眼神，独特的演奏风格，完全不同于我们之前对钢琴演奏的理解。从他的演奏过程中，我们可以感受到那光芒四射的激情，澎湃的热度，无处不在的节奏感。难怪有人会称他为“钢琴界的瑞奇·马丁”。
有哪些钢琴曲？
序幕
小型器乐。17世纪以前，前奏是指在原声音乐前面，用一架古钢琴伴奏的引子。17世纪初，前奏曲成为独立的小曲子，但被安排在其他曲子之前，作为引子保留下来。18世纪前奏曲真正成为一种独立的小器乐，以即兴创作为主，其中钢琴曲居多。肖邦写了24首独立的钢琴小品——24大调前奏曲和小调前奏曲，相当有名。很多作曲家往往将一些情感、风格一致但结构独立的短器乐作品命名为前奏曲。
协奏曲
原名《竞技音乐》，是由独奏乐器和乐队演奏的技术难度较大的大型音乐，其形式和结构由莫扎特确立。协奏曲通常分为三个乐章:第一乐章是奏鸣曲式的，充满戏剧性；第二乐章多为抒情慢板，充满歌唱性；第三乐章通常是回旋曲或奏鸣曲；在第二章和第三章中，有时会有较短的华彩乐段:也有以李斯特的两首首钢琴协奏曲开始的一个乐章的协奏曲。也有为两种或三种独奏乐器而写的协奏曲，如贝多芬的钢琴、小提琴和大提琴协奏曲。除此之外，还有将人声和乐队结合起来写的协奏曲，比如格里尔的声乐协奏曲。
奏鸣曲
奏鸣曲16世纪至17世纪是指所有器乐。17世纪以后，奏鸣曲是指类似古代奏鸣曲的音乐。18世纪的奏鸣曲是指由三个或四个有特色的乐章组成的器乐独奏，如钢琴奏鸣曲。还包括由独奏乐器和钢琴伴奏的器乐，如小提琴奏鸣曲。海顿和莫扎特之后的奏鸣曲一般由三四个乐章组成，每个乐章的基本特征和形式如下:第一乐章是奏鸣曲式的快板，第二乐章是柔板、奏鸣曲式、三段式或变奏曲式，第三乐章(有时省略)是小步舞曲或谐谑曲，第四乐章是快板或快板、奏鸣曲式或回旋曲式，也有用变奏曲式。
海顿、莫扎特、贝多芬乃至舒伯特的钢琴奏鸣曲在世界钢琴文学中具有永恒的价值。
歌谣
叙事诗是一种抒情叙事，通常带有民间传说风格，在12和13世纪的欧洲。19世纪以来，人们以叙事诗为歌词，创作钢琴伴奏的独奏曲，称为“叙事曲”。如舒伯特的《魔鬼》和肖邦的前四首钢琴叙事曲，此后被李斯特和勃拉姆斯采用，其内容往往具有叙事性和戏剧性，有的取材于文学作品或民间传说。
波洛奈兹舞
名字是法语音译，也叫波兰舞曲，原本属于宫廷舞曲。]从8世纪开始，博洛尼亚成为一种独立的器乐。在钢琴作曲家肖邦的创作中，博洛尼亚已经成为具有世界意义的艺术作品。结构是复杂的三段式结构，大气磅礴，往往在第三拍结束。
随想曲
指西方17和18世纪模仿对位法创作的键盘音乐。现实是一首结构自由的赋格曲，类似于当时的幻想曲。常指富有想象力的即兴器乐，如门德尔松和勃拉姆斯的钢琴随想曲。有些随想曲(如柴可夫斯基的意大利随想曲)与幻想曲并没有严格的区别。
随想曲
一首技术难度和奇幻性质的器乐。大部分狂想曲，以缓慢衰落的民歌为基础，通过变奏和主题发展，与快速移动的民间舞曲交织，产生高潮，结束全曲。大部分狂想曲是钢琴独奏，比如李斯特的《匈牙利狂想曲19》，这是19世纪以后开始的史诗性器乐。前15属于一个组，后4属于一个组。但是每首歌都有不同的个性。
发明
复调结构的钢琴小品。类似前奏曲或赋格，德国作曲家巴赫开始使用这一名称，创作了15首两部三部的“创作歌曲”，在许多国家被广泛用作钢琴教材。巴赫在他的三首创作歌曲中运用了多种写作技巧，如模仿、加农炮、双对位法甚至近似赋格。主题和对位法包含不同的材料，具有不同的音乐特性。它们在不同的声部中出现和发展，造成乐句的起伏和各自独立的节奏特征。
诙谐曲
也被称为谐谑曲。三拍子节奏明快、速度快的器乐。一般用复杂三部曲。从贝多芬开始，谐谑曲被加入到奏鸣曲、交响乐和四重奏中，取代小步舞曲成为第三乐章。19世纪以来，肖邦的三首钢琴谐谑曲是独立作品的器乐，长度和结构更大，段落之间的对比也更强烈。
玛祖卡舞曲
18世纪波兰舞曲之一。后来逐渐风靡全欧洲。它的节奏非常明显，三拍子和重音落在小节的任何一拍上，结尾和弦往往在第二拍结束。心情热烈，速度可以从中速到极速。19世纪的马祖卡舞曲在很多国家都很流行，作为正式的舞曲和音乐会表演的艺术作品。波兰钢琴作曲家肖邦曾为此体裁创作了52首玛祖卡钢琴独奏曲。
夜曲
流行于19世纪的三声部器乐，由爱尔兰作曲家菲尔德创作。它是一种短小的乐器，形式自由，格调高雅，富有浪漫色彩，通常是钢琴，偶尔也有合奏或原声音乐。其第一、三段为慢速或中速，旋律平静、抒情、如梦、若有所思；第二段变得激动人心，富有想象力，充满激情，节奏很快。钢琴诗人肖邦写了19首夜曲，由钢琴演奏。他用交响乐的手段发展了各种音乐，使夜曲这一小体裁有了深刻的心理内涵，把夜曲提高到了很高的艺术水平。它不同意小夜曲。
即兴曲
带有即兴性质的抒情音乐。即兴的特点是结构完整，形式简洁，曲调优美精致，抒情深刻感人。即兴大多是钢琴独奏的名称，最早由舒伯特和肖邦创作。在现代音乐史上，许多钢琴家和作曲家在钢琴即兴创作方面表现突出。
旋转
华尔兹又称圆舞曲，也是一种三拍子的舞曲。一种起源于奥地利的民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会，19世纪流行于欧洲。施特劳斯的代表作《蓝色多瑙河》最为著名。它有两种:快步和慢走。不像马祖卡也是三拍，它的重音通常落在小节的第一拍。它也不同于同样是三拍的小步舞曲。华尔兹的特点是节奏明快，旋律流畅，不像小步舞曲那样轻柔。但是，必须明确的是，音乐不是数学的，也不是逻辑的，这种区别只是一般的，不是绝对的。
钢琴练习有哪些小技巧？
打散练习。
很多人一开始就双手练习。记住:任何一首曲子都应该在开始的时候单独练习。即使是简单的练习曲或华尔兹，左右手都有不同的任务和功能。演奏者，尤其是学生，往往把注意力集中在音符较多的部分。众所周知，很多时候，容易被忽略的往往是“为数不多”的音符，恰恰是音乐的灵魂。不仅仅是在熟悉音乐的初始阶段，在准备演唱会的整个过程中，即使对音乐的理解、掌握、处理趋于成熟，但分手的练习还是要随时穿插。
分部位练习。
我们应该养成在音乐中分别练习每个声部和层次的习惯。有时候一个声音，一句台词，一个层次都不在一只手里。有时候一只手要弹几个不同的声部、台词或层次；有时声音互相交叉；有时候不同的水平需要用不同的音色来演奏。这些都是音乐表演中非常重要的问题。要使每一个声部、台词、层次在音色上不同，或听起来不同，或体现各自独立的意义，只有在不同的声部、层次上练习，才能达到。通常人们认为只有在练习复调音乐作品时才需要声部。这是不正确的。即使在主音音乐中，有时一个声部或一句台词实际上包含几个不同的层次。每一个隐藏的层次都要通过偏音的练习完美的连接起来。
用不同的短语练习。
逐句练习是每个老师告诫学生的老生常谈。然而遗憾的是，大部分同学还是习惯从头到尾反复播放。从练习的角度来说，这种反复练习很难真正提高。要提高演奏水平，唯一有效的办法就是把乐曲分解成乐句，全神贯注，用最大的耐心一句一句地练习。只有这样，才能在最短的时间内最有效的提升整体的性能水平。因为，从头到尾一遍一遍的玩的过程中，无数的细节被忽略和拿走，甚至很多不该养成的错误习惯。那不仅仅是“欲速则不达”，简直是“南辕北辙”，只有真正理解每一个细节的正确弹奏习惯，必须通过无数次的反复练习才能培养出来，钢琴演奏者才能真正掌握“练琴”的真谛。必须强调的是，练不等于玩，它们是完全不同的两回事。你不应该像练习时那样弹钢琴。练习的目的是克服困难，培养正确的演奏习惯，找到需要的声音和手指，等等。而这一切，只有慢慢地、认真地、分别地练习，才能实现。
平稳地练习你的感觉
练习的第一个目标，也是最基本的目标，不是手指跑的快，也不是盲目的加很多表情。
作为练习一首曲子的基础，首先要把它理顺。所谓拉直，就是每一个音符都要弹好，不溜，不崩，不飘；手腕和手臂配合得很好，所有声音之间的衔接都非常流畅对称。比如连续的十六分音符，均匀性比速度更重要。为此，可采用以下方法:
用低手指粘键。
很多老师在教初学者的时候都强调举手的练习。毫无疑问，适度的抬指运动是非常重要的。这种锻炼方法可以使手指第三关节主动运动，使手指快速有力地运动。但如果片面强调抬指，就会造成音与音之间缺乏联系、音质粗糙、漏音、手指满天飞却无法集中在琴键上等问题。为了克服这种弊端，有必要采用低指贴键的练习方法。手指的高级技能不是举得高、飞得快、跑得快，而是控制好每一根手指，使其只在琴键表面到琴键底部有限的距离内，依靠微小而精确的动作，坚定、有力、集中、均匀地演奏出声音。手指完全不离开键盘表面，所有动作只是在键面和键座之间交替。通过长时间的低指贴键练习，可以掌握和加强手指第一关节的动作。这对于获得集中醇厚的卓越音质非常重要。
练的速度和力度适中，不快不慢，不轻不响，不用蹬。
在大部分练习时间里，你要用耳朵仔细检查每个音的音质，检查每个手指的触感。在这种情况下，不要使用踏板。练习中过多的使用踏板，容易造成声音传到耳朵的错觉，从而忽略了最关键的手指触摸动作的细微变化和差异。没有踏板，每一个音色的真实品质都可以毫无遮掩的暴露出来，耳朵也可以非常敏锐的感知到不同按键造成的音质差异。所以可以通过检查音质来调整手指触感，通过改变手指触感来调整声音。使用中等I速度和力度的目的是使所有乐句都清晰准确地演奏出来。如前所述，均匀流畅是练琴的首要也是最基本的要求。除了慢练，这种演奏方法不太快也不太慢，不太轻也不太响，非常有利于对称地演奏整首曲子。这对于你真正上台时，在紧张的气氛和状态下，保持对表演每一个细节的严密掌控，是非常重要和实用的。
变速练习。
一般来说，对于快速的音乐或片段，应该从较慢的速度逐渐加速到实际的演奏速度。比如一段连续十六分音符的快跑音乐，需要达到J=132的速度。可以从100开始，最后以不同的速度到达120，108，112，116，120，126。然后你就可以以138，144甚至152，160的速度练习。再次倒挡，回到较慢的速度。这是克服手指连续运转困难的一种非常有效的方法。一般来说，这类音乐需要掌握五个速度:
①正常速度，如132。
②比正常速度稍慢，如126。
③略快于正常速度，如138。
④比正常速度慢很多，比如120或者116。
⑤比正常速度快很多，比如144或者152。如果这五个速度都能发挥自如，严格控制，那么就可以避免在舞台上因为速度比习惯速度稍快或稍慢而出现意外。