巴洛克音乐主要成就的三个标志
在绘画史上，巴洛克一词带有明显的贬义成分，指的是文艺复兴后期以来创作中的一种蜕变现象。至于音乐中是否有这样的意义，人们的看法并不太一致。比如在1967出版的音乐词典里，这是法国启蒙运动的著名思想家卢梭。他的观点是，他说巴洛克音乐就是这样一种音乐。他的定义是和声既混乱又充满不协和音，旋律粗糙，音乐的发展趋势不自然。这是卢梭对巴洛克音乐的定义，明显带有贬义。
第二种观点是德国艺术史学家海因里希和沃尔弗林在《文艺复兴与巴洛克》一书中，对巴洛克给予了积极的评价。
第三点是新古典主义艺术家在18年末用巴洛克这个词嘲笑417世纪的意大利文学和艺术风格。第四个受众是本世纪，即20世纪初，著名音乐家库尔特·萨克斯发展了海因里希的观点，在音乐史和整个音乐评价中肯定了巴洛克音乐，这是对巴洛克音乐的四个著名评价。19世纪以前，欧洲大部分人以古典主义为唯一的审美观，排斥其他一切与古典主义不一致的风格，一种稳定、对称、和谐的艺术风格。比如巴洛克这种与古典主义刚好相反的艺术风格，率先做出了批判的姿态。19世纪以后，人们充分了解了巴洛克时期的艺术风格及其感人的魅力，于是逐渐对巴洛克音乐做出了新的评价。在音乐方面，人们逐渐意识到巴洛克音乐是欧洲音乐史上非常重要的一个时期。这一时期的艺术成就为欧洲音乐的发展奠定了基础，所以可以说了解巴洛克音乐对于了解整个西方古典音乐的发展和西方音乐的基本风格特征是非常重要的。这首先要说的是巴洛克这个词的概念。
第二是它的背景。文艺复兴后，欧洲许多国家仍处于动荡之中。众所周知，1640年英国资产阶级革命时期标志着欧洲社会从此进入资本主义社会。资本主义作为一股新的独立政治力量登上了历史舞台。在这个社会体系中，从封建社会向资本主义的过渡，同时在放弃和文化领域，恰好是从文艺复兴向启蒙运动的过渡。在这个时期，在艺术领域，各种艺术都在积极寻求自己的发展方向。探索一条进一步提高自身艺术表现手段的道路，会让整个艺术门类充满活力。另一方面，这一时期的科学技术也发展迅速。因为在16世纪下半叶，随着宗教战争，如果你学过世界史，就会知道这段历史。随着宗教战争的爆发，新神学和新哲学开始出现，带来了新的思维方式。这些思维方式极大地促进了精密科学的出现，如数学和现代物理学。大部分都是巴洛克前后的作品，艺术家从中受益匪浅。它们在造型和概念上都有一些大胆的表现，共同的特点是结构宏大，对称严谨。另外，注意装饰和戏剧的对比。首先，在绘画方面。
这一时期的绘画作品主要以教堂中的天顶画为特征。在这些作品中，画家充分运用了光线的节奏，让人看着画面就有一种运动感。注意这段开头的“运动”二字。在建筑方面，也充分展现了巴洛克艺术的主题，他们追求的是运动感，不同于巴洛克之前的文艺复兴野心。巴洛克之后的古典主义给人的感觉是平和、安宁、平静、稳定、安静。相反，它充满了流动性、对比和雕塑艺术。这一时期也是反映巴洛克艺术风格的一个非常重要的部分。至于音乐，这个时期也是在探索创新中，让音乐有了新的生命力。
这一时期音乐方面的主要成就可以概括为:首先是歌剧艺术的出现。歌剧艺术产生于意大利，并逐渐传播到欧洲各国。第二点是大小调式和现代和声体系的逐步完善。就像我刚才说的，巴洛克音乐是欧洲音乐的一个基础，影响了欧洲音乐300多年的发展。其中，大小调式和和声系统是非常重要的方面。
第三点是声乐和器乐作为两种主要的音乐形式，已经开始独立发展。这主要体现在三点。今天要给大家讲的是歌剧。巴洛克音乐的起点之所以是1600，是因为今年是歌剧的诞生年。在意大利，音乐和戏剧相结合的历史可以说非常悠久。无论是有故事情节的民间表演，还是宣扬宗教教义的神秘剧，还是宗教剧，都是在舞台综合艺术的情境中出现的，通过这种方式，为戏曲的出现积累了丰富的经验。刚才我也提到了，歌剧是一门综合性的舞台艺术，它融合了什么？它融合了戏剧、文学、舞台艺术、表演和音乐。这样一来，歌剧的定义就是集戏剧、文学、舞台艺术、表演音乐于一体的综合性舞台艺术。根据这个定义，我们来思考一下。除了歌剧，你所知道的音乐题材中，有没有其他符合这个定义，应该可以说，我们国家的。歌剧歌剧是这一阶段非常典型的综合艺术。还有一类，比如音乐之声，窈窕淑女，音乐剧，音乐剧，也是舞台综合艺术。16世纪以后，人文主义思潮已经在当时意大利的许多领域出现。人们希望复兴古希腊的文学艺术，用古希腊的音乐和戏剧再现。人们可以真实地表达自己的感受，这已经成为共识。同时用更富戏剧性的音乐题材来满足人们日益增长的欣赏音乐或音乐的需求，从而为歌剧的出现奠定了社会基础。从音乐发展的内在规律来看，文艺复兴以后，人们的欣赏兴趣从复调音乐转向了一种以一个主旋律和其他声部作为和声陪衬的旋律格式。
同时，在这一时期，在乐队或音乐的伴奏下，歌手演唱单一旋律，已经越来越流行。这就为戏曲的表演形式奠定了基础。这是来自历史经验积累，也有来自社会背景，还有来自音乐的内在规律，这些都为歌剧的产生创造了条件，歌剧的具体产生就是这样。
在意大利的佛罗伦萨市，有一个艺术沙龙，里面有好几个名人，比如诗人里努奇尼，还有一种古老的弦乐器——鲁特琴手。鲁特琴演奏家文森佐和作曲家佩里。还有卡奇尼，还有一个音乐家是老伽利略，刚才也提到了。伽利略是佛罗伦萨的名门望族，他的父亲是当地著名的作曲家、演奏家和数学家。在这个艺术沙龙里，诗人是里努奇尼，作曲家是佩里。他们根据古希腊神话创作了第一部歌剧。这首创作于1597，在当年的嘉年华上首映。他取得了巨大的成功。这部歌剧的手稿丢失了。据说它在一场大火中被烧毁了。这是第一次尝试。三年后，也就是1600年，里努西尼和佩里再次合作。根据传说，阿波罗是太阳神，阿波罗和欧律狄刻，这样的童话，创造了一个割据政权，这被称为歌剧欧律狄刻。所以现在公认1600年是歌剧艺术新主题的诞生之年，也是欧洲音乐史上划时代的时刻。同时，歌剧艺术的原始题材大多取自宗教，像圣经，像古希腊的神话传说。因为多是在宫廷中表达，所以必须迎合贵族们的欣赏口味。那是第一部歌剧，他把原来的悲剧结局改成了大团圆结局。这样做，以积极的方式，不仅表现了人文主义，也表现了艺术家用艺术征服自然，同时用孩子征服邪恶势力，象征着中世纪教会的统治。在音乐风格上，早期的歌剧以声乐为主，器乐部分只起到陪衬的作用。器乐部分从始至终都没有单独出现过。在优利迪亚斯的这部歌剧中，人们可以看到作曲家强调了一种宣叙调的朗诵。众所周知，歌剧中有咏叹调和朗诵，所谓的朗诵更多的是口语化和叙事化。还有就是叙事性。这是佩里的创造。
此外，卡奇尼还是另一位作曲家。他的歌剧作品与佩里不同，强调器乐化和音乐化。但遗憾的是，他的音乐作品很少流传到现在。这是早期意大利歌剧的第一个圣地。是佛罗伦萨。
佩里和卡奇尼完成了歌剧艺术诞生这样一个历史使命后，悄然退出了历史舞台，发展歌剧的重担转移到了威尼斯身上。此时的威尼斯，有一位在音乐史上举足轻重的作曲家，就是蒙特威尔第。说到这里，我想告诉大家，在欧洲音乐史上，尤其是意大利音乐史上，有三个名字很容易混淆。和这个时期的蒙特威尔第一样，还有浪漫主义时期的威瓦尔皇帝和威尔第。这是三位意大利作曲家，他们都以歌剧作品而闻名。当然，威瓦尔皇帝创作了很多弦乐作品，都是以戏曲作品而闻名。蒙特威尔第呢？他是一个有才华的作曲家。只有从他早期的一些田园作品中，才有一些声乐主题。在田园作品中，不难发现他在和声的设计、旋律的发展、对整部作品结构的处理等方面都有着过人的天赋。同时他对歌手的唱段和朗诵的把握也恰到好处。蒙特威尔第能够充分利用音乐和戏剧的表现手段。在他的努力下，歌剧艺术不仅传播到了意大利。而且，它开始传播到欧洲国家。在蒙特威尔第的作品中，对人物的刻画和对情感的把握都非常准确。而且恰到好处，音乐的戏剧性冲突在蒙特威尔第的作品中得到了极大的加强。这充分说明，作为作曲家的蒙特威尔第有能力游刃有余地掌握音乐和戏剧的发展。
此外，作为一个将歌剧艺术推向更高层次，肩负着这样一种历史使命的作曲家，蒙特威尔第还积极探索新的音乐表现手段，并将其运用到音乐表演舞台上。比如有一种装饰音叫颤音，现在大家都很熟悉。蒙特威尔第第一次用，还有一种弦乐器。如果你熟悉这种乐器，就像拉小提琴一样，小提琴有时候是用弓拉的。这种弹拨表演的出现也是在蒙特威尔第的作品中，而在蒙特威尔第后期的作品中，对歌剧艺术的理解更加深刻。他认为音乐是表达人们各种情感的最有效的手段之一。说到这里，我想延伸一下，在欧洲歌剧的理论中，总有两种意见，或者说两种观点。第一个是谁在音乐和戏剧方面表现突出。第一种观点是强调戏剧，另一种观点是强调音乐，音乐是歌剧的灵魂。此外，在一些场景的描写、人物的刻画、情节的转换、背景的对比等方面，蒙特威尔第都将音乐的作用提升到了当时的极限。为此，在声乐上，蒙特威尔第还运用了一些表现手段，如独唱、合唱、二重唱、三重唱等，完善了歌剧的声乐主题结构。从以上贡献来看，说蒙特威尔第是歌剧天才一点也不为过。
由于蒙特威尔第对歌剧创作的种种贡献，歌剧艺术进入了一个成熟的阶段。这是威尼斯的歌剧，以蒙特威尔第为代表。这个地方的歌剧院还有一个特别的吸引力，那就是1637年，威尼斯建立了第一座面向大众的歌剧院，叫做圣卡西亚诺歌剧院。在此之前，戏曲艺术基本上是在宫廷里，或者是在豪门的宫殿里表演。这个威尼斯歌剧，下一个歌剧艺术，它的发展中心是罗马。这也是意大利的一个城市。这个城市，我们都知道，是教堂所在地。正因为如此，罗马歌剧艺术的主题是宗教性的。它是被教会羁绊的，它的独特之处在于，它是在两部剧之间，也就是歌剧的场景之间，穿插一些幽默的表演。
这可能是现代喜歌剧的前身，意大利歌剧的最后阶段是在那不勒斯度过的。在此期间，它还为人类音乐史上贡献了一项杰出的任务，叫做斯卡拉蒂。那不勒斯的主要贡献是在意大利歌剧体系中增加了一个歌剧题材，在欧洲歌剧舞台上称霸了65，438+000多年。那不勒斯歌剧的特点是，首先是歌剧的艺术家，他们首先把音乐上升到了第一位。刚才说了，关于歌剧的争论强调歌剧是。第二点是独奏艺术，此时已经达到了一个新的高峰。这一时期的歌手注重歌唱技巧的培养，将歌唱技巧提高到一个新的高度。同时带来的弊端是，在戏曲艺术上，他们注重表演性，即大多是卖弄唱功，而忽视剧情。
第三点是乐队的建立，这也很重要。我刚才说过，巴洛克音乐的主要成就是声乐和器乐的独立发展。事实上，在这一时期，乐队开始脱离声乐附庸的地位，开始在戏曲艺术上有了自己独立的展示机会，并形成了一种音乐演奏模式，即快，则中段慢，三段快，即快或慢，对后世影响很大。这种调式是交响乐中奏鸣曲式的前身。如果我们从头到尾研究一下音乐史，就会明白这一时期的速度变化，其实已经为丰厚的利润和音乐形式奠定了一定的基础。
刚才我讲了勃利戏。他的代表作是斯卡拉蒂，他开始在作品中运用和声因素。与此同时，他开始以弦乐器为基础塑造乐队，并将其分为高中和低中三个部分，但现在管弦乐队的编制基本上是以弦乐器为基础的。弦乐器的四个部分是整个乐队的声音基础。这种划分源于意大利歌剧乐队的结构和规模。意大利的歌剧艺术提高后，开始向周边国家传播，首先是法国。这一时期的法国歌剧艺术与意大利的一个很重要的区别是，他的歌剧中经常穿插舞蹈表演。你在看一些法国歌剧的时候会明显意识到这一点，包括意大利作曲家威尔第，他创作了一部著名的歌剧叫《茶花女》，你可能听说过。像《茶花女》这样的歌剧，也是穿插一些跳舞的场景，这种风格是法国歌剧的代表风格。这一时期，法国音乐的代表人物是作曲家露莉。他对音乐历史的贡献在于，他将合唱和舞蹈表演完美地融入了歌剧艺术。因为男方本身就是意大利血统，所以在法国长大，在法国完成了职业生涯。吕力，另一个非常著名的作曲家，名叫莫拉。他在音乐史上最大的贡献是，他写了人类音乐史上第一本关于声学的教科书。从此标志着和声和声学的出现，同时也是欧洲传统音乐的主旋律音乐。作为主旋律音乐的重要基石，这就是法国歌剧。
至于法国歌剧的代表作品，流传到后世的不算太多。在法国之后，有一部英国歌剧。这一时期英国歌剧的代表人物之一叫普塞尔。在Poucel之后的300多年里，英国音乐界没有为人类社会贡献出任何一位著名的作曲家，也就是说，其本土的作曲家没有影响到世界。直到20世纪(19)，布里顿才出现。英国歌剧怎么样？它有一些独特的功能。一些英国作曲家注意吸收本国的民间音乐，使得本国的音乐具有非常浓厚的英国色彩。除了英国，德国是一个有趣的国家。刚开始的时候，巴洛克音乐在刚开始的时候处于落后的状态，但是在巴洛克末期达到了顶峰。
第二个是巴洛克音乐的终点是1750，因为这一年是巴洛克音乐的伟大成就。巴赫的去世标志着巴洛克音乐风格的终结和新音乐风格的诞生。人们认识巴赫也有一个过程。19世纪中叶之前，人们对他的评价从一开始的管风琴师，或者管风琴专家，或者教堂里的管风琴师，逐渐扩大，直到最后，巴赫被评为西方音乐之父。在这个过程中，人们对他音乐的理解得到了充分的展现。巴赫在音乐史上的地位非常重要。第一节是因为他把复调音乐推向了无与伦比的巅峰，第二节是因为他完善了大小调。第三个是他第一次把12平均律，你们可能听说过，运用到了音乐或者乐器的创作上。说到12平均律，这个音乐规律最早是由明代一个叫朱载堉的皇家音乐家发展或发现的，但最早应用于创作和演奏的是约翰·塞巴斯蒂安·安巴奇，这是第三个。
第四是巴赫的作品表现出一种人文主义色彩。如果你欣赏他的作品，你应该在安静的状态下仔细品味。巴赫的很多作品都是初学钢琴的，我们应该去弹。比如《发明》《赋格曲》《托卡塔》《赋格曲》等作品都很有名。今天，我想向你们展示巴赫的一首曲子，名为D小调托卡塔与赋格。这首曲子是一首管风琴曲，后来被一些作曲家改编成管弦乐作品。我们今天要看的是管弦乐队演奏的D小调托卡塔和赋格。还有一点就是音乐和影像的结合。
这是第一部分，托卡塔，它的前奏。当时这个托卡塔是一种音乐体裁，就是音乐自由发展，很像我们民族歌剧中的散板。它的速度和音乐走向可以根据演奏者当时的感受。不过与此不同的是赋格部分，但第二部分非常严格。这是第一部分。这是托卡塔的部分。
这是第一部分，叫做Tokata。如果你对西方古典音乐或者西方产生的音乐不太了解，我建议如果你想了解，那就从巴赫的东西开始吧。因为，巴赫的东西，在你听来，似乎比较平淡，起伏不算太大，但是包含了非常深刻的哲理，有非常深刻的人生体验。比如巴赫这样的人，一生默默无闻，但内心世界却非常丰富。这个男人善良平和，愿意过相对平淡的生活。