歌曲创作技术指导

作曲当然要遵循音乐的规律，但是每个人的方法和技巧都不一样。要创作一首完整的好歌，基本功和方法缺一不可。下面我为你收集整理了歌曲作曲的技巧，希望对你有所帮助！

一.主题

一首歌的音乐应该有一个音乐主题，能够集体概括整部作品的思想、感情和个性。音乐的长短取决于内容，就像贯穿整首歌的一条主线。歌曲的音乐主题往往是根据第一句的特点来创作的。有些歌曲往往是根据半句歌词和行间来创作的，有些则是通过加入许多虚词和行间来加长。

一首歌主题的准备是从歌词的学习开始的，要反复吟诵，了解歌词的意境，进行研究分析，对歌词进行修改和剪裁。只有形成准确、生动、形象的音乐主题形象，才能正确、深刻地表达词义的思想内容；其次，要选择合适的材料，根据内容量身定做，增加作品的表现力和艺术感染力。

第二，发展

1，段落

音乐的发展安排在合理的作品结构中，歌词结构是音乐段落结构的重要基础。一段分为一段、二段、三段。二段和三段比较常见。

段落可以分为对比形式和相似形式。对比，如:前面比较舒缓，后面比较贵；前紧后松。从文学上分析，如果要通过对比来创作，如果前面是叙事，后面就必须改成抒情。从音乐上来说，如果前面的旋律比较平缓，后面就会大胆波动。前面的节奏多用的话，后面就是8个音或者16个音。从而起到对比的作用。在编曲上，更明显的是副歌总是高潮，而前面总是慢板。但这不是绝对的。

段落多为小曲，如兰花、雪绒花等。学吉他的人一定知道，这是吉他初学者的必弹曲目。如果写得好，也是一件很精致的事情。但是一个段落对旋律的要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。目前有很多三声部风格，比如陈奕迅的《十年》(有人把第二段当做转场的转折)，那英的《征服》(歌曲后面有一个声部把情绪推向高潮)等等。

数学中有一个黄金分割，在艺术、音乐等领域都很受人们关注。按照美学来说，是最完美的点。一首3分钟的歌，在黄金分割点，永远是听一首歌2分钟左右的最佳位置。它要么是歌曲的高潮，要么是最重要的部分，尤其是在编曲方面。黄金分割点是最容易打动观众的点，也是最容易渲染感情的点。

2.重复

重复永远是音乐的唯一方式。从段落重复到小节重复，几乎每一部作品都能看到他的影子。(重复也是同样的向前一步)。重复的手法有很多种，移位重复还包括严格移位和混合连续移位。

3.反射

就好像我们在水边看到了自己的影子。如:33345 3321。

在五线谱中，用3条横线，你会发现，如果345向下转180度，它的旋律线会和321一致。这样写出来的旋律不会很散。

4、模具推进

模具前进可分为严格模具前进和自由模具前进。严格的建模要求所有旋律音调完全一样，旋律线也要完全一样。如:3323 2212。自由模具推进，没有这种限制。如:1123345 (1和2是全音，3和4是半音，音程不同)。

5.对哥

所有的艺术门类都是相通的。文学创作中的一些技巧也完全适用于音乐。有些人的诗词对联，第一句的最后一个字就是第二联的第一个字。如果放入音乐，就是第一句的最后一个音，第二句的第一个音。诸如此类。比如:123 312 234 465，前面的最后一个音符就是后面的第一个音符。李宗盛有时自始至终使用对仗的技巧。

6.音调变化

一般来说是指升调和降调。使用一些屈折会给人带来新鲜感，让情绪更加饱满。

如何在歌曲中运用变调，很大程度上取决于作者对旋律的把握。一般来说，表达明亮色彩的歌曲是大调，而表达悲伤或温柔的歌曲是小调。我们也可以将大调第三个音降低半度来表达悲伤或温柔。在小调中，更多地使用#4和#5并没有错，因为小调的升音阶本身就包含了#4和#5。如果你想写出一首爵士风味的旋律，除了在节奏上使用切分音，b3和b7是唯一的办法。其实这也是爵士乐特有的音阶。

比如罗大佑的情话，A段第三句中，用了#1 2 3，给人一种悲凉的感觉，很清新。在《雪夜公爵之恋》的色彩中，使用了:5 6 7 #1的旋律，四个全音连续上行，将感情发挥到极致，给人耳目一新的感觉。《橄榄树》是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到了非常好的效果。如果换成4，旋律色彩会大打折扣。

7、阴影密度

1:密密麻麻。国画讲究疏赛马，密不透风，疏而密。在音乐中，如果前几小节的节奏很密集，后面一定要多写长音符。如果前面的旋律波动很大，那么后面的旋律必须要安排的很流畅，才能起到平衡的作用。

2.深浅分明。中国画讲究墨色的干湿，分为深、浅、灰五种颜色。在音乐作品中，如果前两小节使用上升旋律，如:1123345，那么你最好使用下降或平行旋律，如5442，让人感觉旋律有波动变化，听起来更舒服，符合自然规律。

比如前两句，旋律从低音5直上，到达高音1不转折，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高注1到底注6，音程跨度8度加3度。给人的感觉是旋律起伏很大，所有的感情都被调动起来，然后第四个旋律开始稳定。

8.方式

在古典音乐中，用的是什么调？表达什么感受？要求的音乐效果是否明亮？还是阴郁？或者雄伟等等。，都有严格的要求。

但在今天的很多歌曲中，尤其是流行音乐中，几乎没有这种限制。现在作曲家对歌曲的调音一般是根据演唱者的音域来确定的。男歌手一般G调最高，钢琴上叫小字第二组G，吉他上是第一弦第三品。太高的话，降一度就够了。女歌手的音域比男歌手高八个八度，所以最高音通常定在B上(钢琴小字是B的一组)。吉他是第二弦。太高的话也降一度。当然，这不是绝对的，只是一个大概的范围。听说帕瓦罗蒂会唱高音# C，在钢琴上就能感受到。钢琴是第三组小字的#C，吉他是第一弦的第九品。

9.变调

我在江西和北京两次听张千一讲他的歌曲创作经历，每次都讲了很多关于变调的问题。调性的对比真的很重要，也很有趣。如果一首歌在它之前是小调，它可以在之后发展成大调。如果前面的调是C，甚至你可以把bE大调(也就是C小调)安排在后面，也是可以的。这会让观众觉得耳聪目明。但是别忘了，调是为了歌，变调是为了更好的表达情感。所以不管你转到什么调，都不能只转到它，音乐一定要重现。

齐秦的《关于冬天》，第一段以大调1开头，小调6结尾，副歌也是小调，很好的表达了离别的情怀。张国荣的《共度春宵》，原曲旋律不是很出彩，副歌部分也一般，但作者一连用了四个变调，唱出了自己的全部感受。变调技术在间奏中也用的比较多，也有走音的，但这是编曲的范围。如果间奏突然转向，那么在结尾，你必须转回原来的曲调。

有很多关于调式的知识。在印度音乐中，把半音兄弟3和4切割成12音的音阶来唱，难度更大。光的尺度变化有几十种，分为上升和下降，不包括暂时的拐点等。很难理解。

在大部分编曲中，都说结尾一定要把五次谐波调到一次谐波。如果是C，必须从G到C结束，否则会失败。但是有很多歌的结尾不是C，而是G到#G(也就是#5 1 #2)，听起来很新鲜。和g到g增和弦。偶数(5 1 2)很新鲜。有一种意犹未尽的感觉。

10，从轴承转移到轴承。

中国的诗词歌赋要讲究衔接与转换，四句式的歌曲或主题部分也有衔接与转换的音乐结构。

开头第一句是“对不起”，一般由音乐动机组成，是写歌的一个动机。

第二句话就要一脉相承了。

第三句是转，这是主歌的精髓。很多优秀的音乐人都在这里大做文章。如果前两句使用上升旋律较多，第三句一定不能用，改为下降。如果旋律在前面是平和的，在这里，你一定要写得凹凸有致，就像美女的台词。改变音调和节奏也是很常见的做法。

第四句叫结合。是前三句话的总结。有人抄了第一句，这是最简单的方法。有些人把前三句使用的动机整合起来作为第四句也是可以接受的。其实创作手法是多样化的，主要看情绪发展和你想表达什么。

11.

汉字有自己的读音，1，2，3，4。在发音的时候，大家严格按照发音，进入声调，声调本来就包含了音乐成分。如果不遵循发音规律，很容易变成另一种意思。在音乐创作中，这是最忌讳的。

如果歌词感觉像摇滚，但音乐写成民谣，听起来就不行了。音乐很古典，但是词的感觉很现代，所以会很别扭。齐豫曾经有一张专辑，里面的歌都是古典音乐。用新词唱歌不好。因为是为器乐写的，又改成人声，肯定不好。

12，最高境界。

鲁迅先生说过，文学的最高境界是加一个字太胖，减一个字太瘦，也就是说，一篇好文章，你一个字也不能加，一个字也不能减。好音乐也是如此。你觉得加什么注都不好，但是你觉得删什么注都不对。那个时候，音乐是最完美的。如果你在巴赫的复调作品中加入音符，你会发现，如果你在任何一个小节中加入音符，你就必须在其他地方做出巨大的改变。等你把它们改了之后，你会发现你完了，听不进去了。但是歌不一样，因为要加歌词。文字服务于音乐，依附于音乐。所以我宁愿牺牲文字，尽量不去改变音乐。

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