热爱经典。
中国古典音乐
五声音阶和七声音阶在中国的起源和发展。
中国的许多发明比欧洲的早。中国人发现十二音律(即十二个半音)，比欧洲早一百多年，音律学领域非常先进。唯一遗憾的是没有十二音气质的音乐作品。中国人真了不起。在以农业为主的蛮荒时代，发明如此之多，体现了中华民族的伟大。中国音乐在过去的辉煌成就震撼了无数人。季康山的古琴，《广陵散》《梅花三弄》慷慨激昂。从此，音乐成为知识分子日常生活中不可或缺的一部分。中国古典音乐和诗人创作的诗词歌赋一样，可以用“春雪”来形容。而这一切都是思想体系达到一定高度的产物。说到中国古典音乐，就不能不提到古代的五声音阶。中国古代五声音阶:宫、上、角、正、于，相当于现代音乐的五个音阶:C、D、E、G、a，严格来说，五声音阶是中国古代音乐音律的基础。春秋时期的《管子》？在《元帝篇》中，正式记载了一种计算五声音阶各音弦长比的数学方法，史称“三分得失法”，完整地描述了我国五声音阶中的宫、商、角、征、羽等名称。《左传》里？二十年的召公和普通话？在《周渔》中，也有七个声调与五声音阶共存。它的半音位置在四五度到七八度之间，每一个音都是宫、商、角、变征、征、羽、变宫，是用三点得失法得到五声音阶后进一步计算的结果。而是出自《左传》？根据《召公二十五年》“九歌八风七音六律服五音”的记载，字宫之变多用于充实和修饰五声音阶，在音乐实践中占主导地位。当时还建立了十二法体系，以适应和珅和旋宫的需要。“普通话？周瑜将十二法命名为“黄忠、鲁大、太簇、贾忠、古曦、钟庐、严斌、林忠、伊泽、南庐、五社、仲英”。其中，单数律称为律，偶数律称为律，所以十二律常被称为“十二法”。十二定律也是用三点得失法得出的。以五音、七音、十二音律，以及音阶中以宫为主体的概念，进一步确立了“转相为宫”的理论。七音音阶体系在传统五声音阶的基础上，也在逐步形成和发展中国古代的七个主音音阶:宫、上、角、卫、会、于、边宫，即现代音乐中的C、D、E、F、G、A、B。周朝有七声十二律。公元前6世纪，周景王(公元前544年？52O年)他问岳关陵舟鸠什么是七音音阶，什么是十二音音阶。灵州鸠在回答问题时，列举了公、上、交、卫、卫、禹、边公的阶名，并说明了各阶与十二法的关系。七音音阶的出现被推到了周武王更替的时代(公元前1O66)。中国的七音音阶以雅乐和燕乐为主。雅乐一般指宫廷祭祀活动和宫廷仪式中使用的音乐。礼起源于周朝，用于乡村社区【祭祀天地】、祠堂【祭祖】、宫廷礼仪【参加仪式、宴会、宾客等。]、农村拍摄【统治者宴请普通民众代表】和军事仪式。后世的祭祀先贤活动【如祭祀太伯、祭祀孔子】也模仿应用了郊社、祠堂的欢乐。周代的礼乐制度对上述不同场合的仪式和曲目都有严格的等级规定。相传，刘悦是黄帝送给周武王的，用于皇帝和少数诸侯主持的祭祀仪式和重大宴会，被后世儒家视为雅乐的最高典范。雅乐的音阶:(又称古音阶、旧音阶或传统音阶)1 2 3 4 5 6 7宫上角变征羽变宫燕乐是我国隋唐至宋代的一种极具艺术性的娱乐和欣赏性歌舞音乐，又称宴乐。宋代诗人沈括在《孟茜谈》中说:“前朝之乐为雅乐，前世之新声为清乐，河湖之乐为燕乐。”隋唐燕乐继承了乐府音乐的成果，是一种融合了汉族民间音乐、中国其他民族音乐和外国民间音乐的新型宫廷音乐。在隋唐几个热爱音乐的皇帝的推动下有了很大的发展。杨迪皇帝有30000名专业音乐家。当时的大型宫廷乐队按演奏的音乐来源分为九段，分别是乐青(传统音乐)、西凉(今甘肃)、龟兹(今新疆库车)、天竺(印度)、郭康(即康居，今北疆、中亚)、疏勒、安国(中亚)、高丽、毕丽(李泌)。唐玄宗年间，宫廷乐师多达数万人，设立五个教坊进行管理，并设立其他教习所，辅导宫廷音乐作曲家。唐初将九曲改为十曲，包括:燕乐(中外音乐混合)、艺妓(传统音乐)、西凉艺妓、天竺艺妓、高丽艺妓、龟兹艺妓、安国艺妓、疏勒艺妓、郭康艺妓、高昌艺妓(在现代新疆)。到唐玄宗时，十首乐曲按表演形式分为两类:左部艺伎和里部艺伎。坐在房间里，人数少，声音优雅细腻，对乐手的技巧要求较高；荔部艺妓在室外演出，人数众多，往往是嘈杂的合奏，有时一场就上百场。燕乐包括多种音乐形式，如声乐、器乐、舞蹈、百戏等。其中，歌舞音乐在隋唐燕乐中占有最重要的地位。多阶段大型舞曲称为大曲，在唐代燕乐中艺术成就突出。乐言使用的主要乐器是琵琶、提琴、提琴、笙、长笛、羯鼓和。安史之乱后，宫廷音乐衰落，宫廷乐师分散在民间。宋朝统一后，虽然也设立了沿袭唐朝老歌的教学作坊，但宫廷内外演奏的大曲只是唐朝繁荣的一部分，规模大大缩小。宋代大曲开始演变为一种音乐剧，许多段落逐渐成为曲牌，散见于歌词、戏曲、说唱、器乐中。大曲作为一种独立的音乐体裁逐渐消亡。南宋以后，音乐发展的主流转向市民艺术(戏曲、说唱、市歌等)。)，而宫廷的燕乐、雅乐失去了原有的发展势头。
编辑第4段。讨论中国音乐的单音节性质。
雅乐体系和颜乐体系都是以单音体系为基础的，这与中国传统的审美精神有关。中国古代美学思想的主要特征可以概括为:第一，“虚静”。即人的心理处于一种虚静的状态，能够在不受外界干扰的情况下理解世界。苏轼的诗“静是群动之故，空是天下满之故”，恰恰表达了这个意思。二是中和之美，即《论语》中的“乐而不淫，悲而不伤”。可以说，“空灵”和“中庸”构成了中国古代美学思想的核心。道家思想也影响了中国音乐的产生和发展。“太极生二仪，二仪生四象，四象生八卦”，所以“法”中有“五度律”。到了魏晋时期，中国的美学思想有了突破。他反对道家的清静主义，否定五音五色的思想，用山水诗画代替玄言诗。但并不是完全的背叛，而是反对自然主义的刻画，要求“神仙下凡”，“神似”。所以有“公、上、交、正、于”五个声调。西方音乐是以复调体系为基础的。笔者认为，这与西方美学思想中的“师法自然”密切相关。我们知道，音乐是在自然界所有声学的基础上产生和发展的。而且自然的声音不仅仅是单一的；除此之外，西方国家更注重科学解释，他们发现，即使是一个单音，在发出声音时，也是有很多泛音支撑的。所以，西方有“纯粹法”；因此，西方有“对位法”和“和声声学”。复调音乐就是在这个基础上(至少是基础之一)发展起来的。中西美学思想的区别在于，中国的音乐强调情感对艺术的作用和“质的美”。西方音乐强调模仿自然，更注重“形式美”。
编辑此段落的起始时间
中国音乐是什么时候开始的？这个问题很难确定。据古籍记载，伏羲为女娲时，已经有了“秦”、“瑟”、“肖”的发明。这时，“琴”就是现在“古琴”的前身。围绕古琴而写的诗，故事数不胜数，包括《窈窕淑女，竖琴之友》这首诗。有一个故事说“博雅擅长弹钢琴，钟子期擅长听力，他在童年时就去世了。博雅摔坏了钢琴，终身不再弹钢琴”，可见钢琴的声音是内心的声音。古琴在中国音乐中占有非常高的地位。“正”源于“色”，与“琴”有异曲同工之妙。因为它流行于春秋战国时期的秦国，所以在历史上被称为“秦征”。“筝”的声音华丽优美，明快抒情，善于表现流水的意境。今天，我们把“琴”和“筝”并排放在您的眼前。希望你能在琴的长音中领略到中华民族深厚的文化渊源和丰富的艺术底蕴。古琴，又称七弦琴，或柊司、齐鲁等。，因为有七根弦，也被称为“七弦琴”。琴体由面板和底板胶合而成，呈狭长形。绳子外面的嵌板上嵌有十三个“徽”点。唐代诗人刘长卿曾写道:“你的七弦琴就像松林里的寒风。”其“七弦”指的是古琴，“玲玲”指的是古琴的音色。今天，当人们谈论中国古典音乐和西方古典音乐的时候，有人认为近二三百年来，中国的音乐，尤其是古典音乐，一直在走下坡路。不仅各种乐器没有发展起来，就连作曲家也只是在19世纪末20世纪初才出现，更不用说各种乐谱了(更有甚者甚至说中国根本没有真正的乐谱)。就钢琴而言，早在巴洛克时代，它就有了发展的雏形。然后经过古典、浪漫、现代甚至后一代，它的产业已经发展到相当程度，音色、音色已经相当完美、准确。但是，中国的古典乐器真的一直在拖后腿。但是我觉得中国的传统古典音乐，一方面有产业的因素在里面，同时也有中国的传统观念在里面。首先，中国对艺人是一种歧视的态度；其次，传统思想力求简约、无为、清净、闲适，不像西方思想力求严谨细致:中国的曲谱，如广陵散、乐府、石经、宋慈、元曲等比比皆是，但现在所谓的曲谱部分已经失传，只剩下文学部分。关于古典音乐，我的一个观点是中国的艺术优于西方的艺术，他之所以不被西方人，或者说只推崇西方文化而对自己的文化没有研究的人所接受，是因为中国文化是一种综合的、包罗万象的文化艺术，是西方划分的政治哲学、艺术、社会科学、天文学等学科的综合体。比如，一首古诗也是一种哲学观点的体现，是一种艺术表现(古诗的唱法据说已经失传了)，等等:如果同一个古代文人靠名气，在事业上有所成就，他可能是政治家、文学家、军事改革家(中国原来的文人博览群书，实际上只有一篇文章就有很多方面的知识)、天文学家、地理学家，等等；如果官场失意，他可能成为艺术家、棋手甚至医生(古代很多文人历来善于辨黄)。这些，我觉得都来自于中西文化的思维模式:中国是演绎法，西方文化的源头希腊文化是总结法。
编辑这件古典乐器的音色
古人在演奏乐器时特别注重气氛。他们必须先烧香洗澡，净化心灵，调整精神，弹古琴。
这类似于佛教文化的源头，体现了中国乐器的博大精深和高贵。中国古老的乐器通过感官直抵心灵，在心灵深处回旋激荡，回味无穷。中国乐器的音色向来讲究个性，不可替代。凡是历史上淘汰的或者流传时间不长的或者使用范围很广的乐器，大多是因为音色和其他乐器差不多。鲁瑟因音色与郑、邹相近而几近灭绝，排箫因音色与相近而失传已久。所以好的乐器都有自己的特点。古琴就像一个大度包容的名人。
古琴
古人云:“八音之中，唯弦为重，琴为先”，“诸乐器之中，以琴之德为最”。这个词指的是古琴。古琴因为长期在文人手中，积累了丰富的文化内涵，也有着优雅而富有诗意的名字，如“绿七”、“九云围佩”、“海上明月”等。唐宋元明清古琴虽然具有很高的文化价值，但一直以来都是作为一种有生命、有生命力的乐器来使用，而不仅仅是作为一种文物或工艺品。“琴师恃天地之音”“接神惊鬼神”，故击鼓，鸟聚鱼听；师旷古琴，刘妈养元，宣和燕京...几乎所有关于音乐的故事都来自古琴。古琴还有非常广阔的艺术表现形式，淡雅、古朴、浑圆，富有穿透力和质感，所以它的演奏境界是非常广阔的:平沙落雁，飘逸清纯，华牧三农，玉桥问答，广陵散，长门怨，气势磅礴。
孔后
如果说古琴是名家，那么风雅就是一种雍容华贵的古雅。
人们。在所有乐器中，曼妙的外形是最特别、最美丽的，它和古琴一样有着悠久的历史。它的音色更加清澈圆润悠扬，也是唯一一种可以双手弹奏旋律的乐器。据《隋书乐记》记载，它最初来自西域，因此更显神秘。白乐天形容琵琶“像是把大大小小的珍珠倒进一盘玉里”，但我认为这句话更适合形容婉约之韵。它比琵琶更柔和，更优雅，像一个修长的女人长袖善舞。当一首空灵写意的诗《竹》来临时，旷野里的云颓然凝滞，使人远离喧嚣和烟尘。再比如带有现代因素的传统女子，音色清脆优雅，但又不同于古琴的沉稳优雅。东汉刘茜《名释》一书解释:“郑，弦高急，也自然。”解释一下，筝是因其本身的“筝、筝”音而得名的。“春江花月夜”“渔舟唱晚”的意境最适合古筝演绎，任何乐器的声韵都不可能如此完美。古人曾说“席坐皆无声，一行雁哀十三”，形容演奏筝的艺术达到了一种张弛有度的境界。
葫芦丝
葫芦丝的外表就像隔壁十七八岁的葫芦丝一样朴实无华，朴实无华。
女孩，给人清纯美丽和愉悦的感觉。但它的节奏感特别强，音色亲切动人。它可以传达男女之间纯洁的爱情，可以是云南美丽山川的声音，也可以是孔雀美丽多彩的羽屏，但它没有开放大气的形象。《月光下的斑竹》是甜美清脆的小家碧玉式哼唱，《一个美丽的地方》是婀娜多姿的媳妇唱腔。如此浪漫迷人的旋律，是优雅场所的最佳背景。
琵琶
琵琶的线条和造型都很柔和，静中有似琵琶。
性感的女人。但它的性格是豪迈的，就像一个霸气的战士。所以最能诠释《霸王卸甲》和《十面埋伏》，因为它的密度和力度以及嘈杂的声音总是让人紧张，担心弦随时会断。一般来说，心情不适合听这样的音乐。
中国竖笛
东晓更像是一个隐居的和尚，总是在月光下的松林和幽涧旁忘我。事实上，今天的东晓的源头是汉代的羌地。王之涣《羌笛何须怨柳》的情感基调，也表现了羌笛和东晓今天所擅长表达的情感。东晓和竹笛外形相似，都是演奏乐器，但笛子粗、高、响，与东晓有很大不同。略带惆怅的《在凤塔上，我记得吹笛子》低声诉说着笛子的历史和弄玉动人的传说，竹笛是无法模仿的。同时又蕴含着禅意，冷山的僧径和深山的禅林最适合它。低沉悠远的声音不绝于耳，让人恍惚中体会到深刻的回归与诞生。
二胡
二胡是一个历经沧桑的老人。也许说他是盲人阿炳更恰当。阿炳其实很擅长拉二胡。
他是一位才华横溢的音乐家，会很多乐器，如琶音、萨克斯、笙和鼓。但他只对二胡推崇，他的经历背景和二胡的性格如此相似！只有这样的人才能和二胡融为一体。这个悲剧的工具就是他自己。他才开始调弦，你就感受到了那种苦恼和悲伤。《汉宫秋月》中宫女的孤独悲苦，《二泉映月》中命运的劫难，都是寒夜中对生命的控诉。只是《二泉映月》优雅的歌名与歌曲本身营造的意境并不协调，仿佛是一种刻意的讽刺。
六孔椭圆形陶制管乐器
骨灰盒是所有乐器中最难以形容的东西。它是泥土做的，它发出的声音也是泥土的呜咽。就像是千年后埋葬的烈士，带着无尽的悲伤。这么说吧，就像鬼，不属于世界，不属于天，不属于人类，你也是有根的。
本分不清它的声音是从哪里来的，如果在很远的地方，又是那么的迷蒙迷茫。哀乐的苍茫与悲凉，楚辞的质朴与阴郁，表现了极度的苍凉与不切题。云是沉思和怀旧的乐器。乐书说，“韵是器，立秋之声也”。云的声音是立秋西风中的萧瑟之音，异常平静，发人深省。可能人受不了那种沉重的悲伤，所以很少有人“感受”——我想是云吧。每一件乐器都奴役着演奏者和听者的思维神经，静静地感受着。你会被那张看不见的网缠住，感染，那是一种被施了魔法的状态，直到歌曲结束，你才能慢慢找到自己。
中国古典戏曲
中国的五大戏剧是:京剧、越剧、黄梅戏、评剧和豫剧。中国各少数民族地区约有360种传统戏曲和数万种传统剧目。中华人民共和国成立后，许多传统剧目被改编，表现现代生活主题的新历史剧和现代剧受到观众的热烈欢迎。比较流行和著名的剧种有:秦腔、京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧、昆曲、粤剧、川剧、淮剧、晋剧、汉剧、湘剧、潮剧、闽剧、祁剧、莆仙戏、河北梆子、湖南剧、鲁剧、古画剧和徽剧。戏曲是汉族的传统艺术之一。它有各种有趣的戏剧，以表演、说唱的形式载歌载舞，具有文学性和武学性。这在世界戏剧史上是独一无二的。其主要特点有:以中国古典戏曲的代表作京剧为例，一是男扮女装，女扮男装；二是将命、丹、精、丑分为四大行业；三、有一种夸张的化妆艺术——脸书；第四，“戏服”(即中国传统戏曲的服饰、道具)基本上有固定的样式和规格；五是用“程序”来执行。汉族的民族戏曲，从先秦的“代祐”、汉代的“百宏”、唐代的“参军”、宋代的杂剧、南宋的南戏、元代的杂剧，到清代地方戏的空前繁荣和京剧的形成，始终植根于汉族人民之中，为人民所喜闻乐见。看戏仍然是汉族的主要娱乐活动之一。总的来说，北方人喜欢看京剧，南方人喜欢越剧。各种地方戏都有自己的观众。远在他乡的人甚至把听、看民族歌剧当成思念家乡的表现。
京剧经典剧目:《霸王别姬》(梅派)、《白蛇传》、《定军山》、《贵妃醉酒》(丹角戏)、《英雄会》、《借东风》(徐升)、《玉堂春》(程派)、《九件衣服》、《文昭关》、《望江亭》、《徐策润城》、《辕门斩》、《四郎檀木》、《红鬃凶马》(全)。......
《梁山伯与祝英台》、《红楼梦》、《西厢记》这些越剧的经典曲目，在国内外都赢得了巨大的声誉，如《爱情侦探》、《追鱼》、《春香传》、《孟丽君》、《孔雀东南飞》、《何文绣》、《大漠王子》、《九衣》、《翡翠蜻蜓》。
黄梅戏经典剧目:《秦调》、《王赢三拍子》、《重逢后》、《春草奔月堂》、《秋风诗》、《新亭泪》、《金宫冷月》、《叶丽娘》、《状元丐》、《江上行》。
昆曲牡丹亭
昆曲是中国的一种古老戏剧，也被称为“中国戏曲之母”。昆曲形成于元末明初的江苏昆山，又称“昆山戏”。明嘉靖年间杰出的戏曲音乐家魏良辅对昆山腔进行了重大改革。他吸收了南曲的各种唱腔，金、元、北宋的旋律唱法，以及江南的民间小曲，创造了一种温柔委婉的“水磨调”。同时选择姓氏的剧作家梁晨宇，专门为昆山方言写了一部剧《浣纱记》，轰动江南，迅速风靡全国。明末清初，昆曲一度兴盛，在艺术上更加精炼完善，成为具有全国影响的剧种。乾隆时期，昆曲艺术受到统治阶级的掠夺，内容趋于宫廷化，以至于脱离民间，逐渐衰落。解放前夕，它濒临灭亡。解放后，昆曲有人写有人唱。唱法等方面的改革，力求通俗易懂。6时438分至9时56分，浙江剧团进京成功演出《十五关》，轰动全国。1957根据周总理的指示，成立了北方昆曲剧院。昆曲这个古老的剧种，充满了艺术青春。昆曲已有500多年的历史，形成了完整的表演体系和独特的声腔体系。其剧目丰富，剧本字典典雅华丽，文学性极强。发音，咬字注意四声，严守规章制度，刻板。昆曲的曲调是曲牌式的，每出戏都由一套完整的曲牌组成。歌声醇厚悠扬。表演细腻，肢体动作与演唱结合紧密，舞蹈感很强。伴奏乐器以笛子为主，有时也用三弦、笙、唢呐。明代中期，昆曲传到北方，经过许多艺人的努力，昆曲与北方地区的语言相结合，形成“北昆”；昆曲最初流行于江浙一带，被称为“南昆”。北昆多有武打表演，显示风棚健硕豪放；南昆则讲究发音，做工精致，更显婉约，缠绵悱恻。昆曲在中国戏曲史上占有重要地位，对京剧和湘剧、川剧等地方戏的形成和发展产生了直接影响。《牡丹亭》是清代著名作家汤显祖的代表作，至今仍广为流传。
传统戏曲目录
醉酒的贵夫人，霸王别姬，泪洒荒山，锁了临炕，收拾了玉镯，下了淮河大营，借东风，过了洪阳洞，让徐州、白帝城、徐策跑到城里，追韩信、定军山，打了龙袍、美女案、古城会。《孟丽君春香传说第十二夜》《李娃花传里的君子》《荷花女传说》《梁山伯与祝英台潘夫索夫魂断铜雀台》里的侦探《新版红楼梦》《红楼梦》《寒愁梦》《辽宫一月》《玉簪台姐妹归祥林嫂初春》《二月状元》《沙漠王子梅陇镇断指》、 杨乃武，蝴蝶梦，蔡锷与小凤仙客栈的婚礼，末代皇后寇准，赴宴，一个女孩留下了她的灵魂，
古典歌曲
你可以找到古典民族音乐、董振和李彤等人的歌曲。