交响音乐的构成是什么？
什么是交响乐？
交响乐是通过综合运用和挖掘各种乐器的表现力和表现力，塑造音乐形象，体现作曲家内心情感和思想的大型器乐套曲。由交响乐团演奏，本质上是交响乐团的“奏鸣曲”，但比奏鸣曲更富表现力和气势。
交响乐是音乐发展史上一种重要的音乐形式。“交响乐”一词源于古希腊，意为“合唱”。早期的交响曲是由17结尾的意大利歌剧序曲演变而来，序曲“快板-柔板-快板”的结构为交响曲的套曲形式奠定了基础。序曲交响曲在18世纪逐渐脱离歌剧，吸收了其他器乐的因素，发展成为独立的三乐章器乐体裁，仍属于小乐队或器乐合奏；经过海顿和莫扎特大量的创作实践，最终确立了标准交响曲，即古典交响曲。它包括四个乐章:第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章柔板(或稍慢一点)，以缩略奏鸣曲式、三步、复三步、变奏形式抒情；第三乐章，快板(或稍快)，小步舞曲；第四乐章，快板(或称快板)，回旋曲，回旋曲等。此外，乐队的整体调性布局、和声结构、乐章之间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与音阶都得到了规范和基本定型。
在贝多芬的治下，交响乐得到了充分的发挥，音乐的首尾展开，强烈的主题对比，动态的和声，第三乐章用谐谑曲代替小步舞曲，这些都是贝多芬深化交响乐体裁的具体表现。他的《第三交响曲》将交响乐带入了19世纪浪漫主义交响乐的新阶段。
19世纪浪漫主义交响曲的最大特点是个性突出，这也决定了这一时期的交响曲在内容、形式和技巧上都有不同程度的创新，出现了以歌唱旋律取胜的抒情交响曲——奥地利作曲家舒伯特的《未完成交响曲》和法国作曲家柏辽兹的《幻想曲》等。，一种新的交响乐体裁“交响诗”也应运而生。与此同时，各国的民族交响乐也如雨后春笋般涌现。俄国的林斯基·科萨科夫、柴科夫斯基、捷克的德沃夏克、芬兰的西贝柳斯都创作了具有浓郁民族风格的交响曲。这一时期的交响曲，乐章数量或多或少，不限于四个乐章，乐队组织有时也会发生变化。著名的交响乐主要有奥地利作曲家海顿的第四十五交响曲(送别)、第九十四交响曲(惊愕)、101交响曲(时钟)、莫扎特的第四十交响曲和第四十一交响曲(朱庇特)、德国作曲家贝多芬的第三交响曲(交响曲)。
如何欣赏交响乐(1)
很多听众经常有这样的要求:交响乐很难懂，你最好给我讲清楚。这里的表演是什么？那里的表演是什么？
音乐更多的是靠我们的想象力，并不具体。比如罗西尼的歌剧《威廉·泰尔》最后一段，讲的就是战胜敌人。它的主题很像马蹄铁“哒哒啦，哒哒啦”的节奏，我们肯定会产生联想:哦，这可能是军队，但是骑兵在跑。音乐本身根本看不到马，也看不到奔跑。它只是从节奏中产生联想。而这种关联必须有一个特定的条件，那就是马必须在跑。如果马不跑，站在那里，音乐就表达不出来。
怎么知道是马还是牛？还是别的？
由此可见，音乐的描述性叙事是非常有限的，仅限于那些具有声学、节奏性、动态性的客观事物，即运动中的事物。因为音乐是声音和听觉的艺术，它存在于声音的运动中。如果不涉及声音和动作，音乐就更难“描述”这两个特征。所以音乐的特长不是描写，也不是叙事，而是抒情。例如，当我们兴奋和紧张时，我们的心跳会加快。音乐表达这种情绪时，可以采用紧张的、相对较快的节奏；如果心情平静了，自然会放松下来，慢下来，所以音乐的节奏和速度也会慢下来。音乐还有一个特点。比如在表达悲伤、焦虑、痛苦、愤怒、愤怒的情绪时，它能以潜移默化的方式，多层次地表现出来。在第一交响曲的第三乐章中，我写了一段话，用传统歌剧的哀号来描述痛苦。如果你熟悉中国传统戏曲的号哭，听起来会有联想。
音乐是通过作曲家的主观感受写出来的，所以它的主观性很强。而听的人也要充分发挥主观能动性。音乐创作与其他艺术有些不同。文学写了一部小说，创作已经完成。写一部剧的剧本是不够的。它需要被执行。这是第二次创作。音乐呢？除了这个二次创作，还有第三次创作，就是观众如何欣赏和理解这个作品，也就是说观众也要参与到这个创作中来，这样一个音乐作品的创作过程才算完整。
也有听众提出这样的问题:音乐是如何描述外部世界的？比如如何写海？这里有两个典型的例子，看看作曲家是如何描绘大海的。
一个是里姆斯基·科萨科夫的《一千零一夜》，第一章描写了大海。这个乐章的介绍有两个主题，一个是代表苏丹-沙赫里亚，这是一个非常粗鲁的形象；另一个是“舍赫拉查德”公主的形象。奇妙的是，这两个主题后来成了海的形象。人怎样才能变成海？如果我们听这段音乐，我们会发现，正是音乐旋律的起伏让我们想起了海浪的起伏。这说明交响音乐创作的一个特点就是可以用同一种音乐素材，通过节奏、和声、配器的变化来改变音乐形象。《天方夜谭》组曲讲的是舍赫拉查德给苏丹讲故事，所以用这两个人物的主题来写大海。这不是真实的海，而是他们心目中的海，故事里的海。在这里，人物的主题变成了大海。这两者之间有什么内在联系吗？是的。比如苏丹很残忍，这可以和海上的汹涌可怕有关。至于“Shehrachard”主题，这是一个美丽的主题。我想作曲家写的时候，大概想到了稍微改成海浪的主题。从这里可以看出一个作曲家的功力，他能用一两个集中的主题素材创造出不同的音乐形象。
如何欣赏交响乐(2)
再比如法国印象主义代表德彪西写的一首《海》。他的写作又不同了。这部作品叫做交响小品，有三个乐章。第一乐章的标题是《从黎明到正午的大海》，讲的是平静的大海和慢慢从薄雾中浮现的大海。第二乐章是《海浪的嬉戏》，讲的是淘气的大海。海浪追逐嬉戏。第三章“海与风的对话”，是咆哮的大海。这个海和刚才介绍的很不一样:首先内容不一样，作曲家的个性也不一样。德彪西是印象派作曲家，他的创作特点集中在捕捉光与色、场景的千变万化变化。所以他的旋律是断断续续的，一个音一个音，一个音一个音，变化多端。它在描述大海千变万化的颜色。里姆斯基·科萨科夫和德彪西都是交响乐色彩配器的大师，但各有千秋，所以他们写出来的音乐也大相径庭。
以上两个例子可以总结为三种方式:第一种是即使是描述性的音乐，也不是纯粹客观地描述外部世界，而是这些描述音乐化了，个性化了，情绪化了，而不是事物本身。所以，一千个人写海，就写了一千件事。二、音乐的形象来源于联想，联想是对事物的运动形式及其通过音乐发出的声音的一种模仿。第三，一部作品描述什么有时要看标题，否则无法准确判断它写的是什么。例如，柴科夫斯基的交响诗《弗兰·塞斯卡·达·里米尼》中的一段描述了地狱里的旋风。如果你不说是旋风，你可能会认为是大海，因为它们有相似的运动。因此，音乐形象的确定取决于文本标题。同时也说明对音乐的描述只能是近似的，而不是现实的。
标题音乐可以帮助你理解作品的形象，那么如何理解绝对音乐呢？这需要从人的精神状态和感受来理解。比如贝多芬的《命运第五交响曲》就被赋予了命运的标题。音乐中的“命运”主题被一些人解读为一种负面形象，一种残酷而阴郁的命运的形象。但也有人把它看作是贝多芬对封建势力的挑战，一个咆哮的贝多芬，一个扼住命运咽喉的贝多芬，一个正面的形象。这不正相反吗？总之，这个主题体现了作者自己的感情和他对命运的态度。第四乐章是关于贝多芬的理想胜利。在这个乐章中，贝多芬还写下了非常天才的一笔，那就是在胜利的高潮处，命运突然降临的主题再次出现。有人说这是对过去奋斗的回顾，也有人说这是注定要东山再起的尝试。但我倾向于另一种解释，那就是我们虽然取得了胜利，但仍然不能失去警惕，那些躲在阴暗角落里的反动东西可能还会再来。这样的解释更符合贝多芬的现实，更符合他的逻辑，更符合他作品的哲学。至于怎么理解，也可以自己做解释。
交响乐给人的灵感很多，可以给你很大的想象空间，尤其是无题交响曲，因为它没有标题约束，概括性强，内涵丰富。就算听一百遍，也会有新的发现。而且随着年龄的增长，阅历的加深，对作品的理解也会更加深刻。这就是无题交响曲的优点之一。
最后得出两个结论:第一，音乐的特长主要是抒情性而不是描绘性。所以我们在欣赏它的时候，主要是看它的情绪是如何感染我们的，并不一定去考察它写的是什么。音乐解读只是作为参考，主要是发挥我们自己的独立思考。第二，欣赏交响乐，首先要充分调动自己的想象力。