什么是复调音乐？
复调音乐的发展
复调音乐起源于9世纪左右的西欧，其发展如下:
9 ~ 13世纪复调音乐这一时期的复调音乐经历了三个阶段:①欧加农诞生于9世纪，它以格里高利圣咏为固定曲调，在其下方加入了新的声部，形成了平行的四五度；也可以从同一度开始，逐渐分离到四度，最后回到同一度。这是复调音乐最古老的形式。②迪斯科Cantus诞生于12世纪。它还是以格里高利圣咏为固定曲调，上面加了一个新的声部。它们之间的距离是八度或者五度，声音是反的。③ Fobl East出生于13世纪，意思是假低音，因为唱的时候低音其实高了八个八度。它仍然以格里高利圣咏为固定曲调，新加入的声部通常是两个。五度和八度用在开头和结尾，三度和六度用在中间。声音效果比前两者更丰富，这是复调写作的可贵进步。以上三种形式没有专门的乐谱。歌手只需要背下格里高利圣歌，根据需要加入新的声音。
14 ~ 15世纪的复调音乐
14世纪，人们已经不满足于早期的复调音乐形式。新的发展是在格里高利圣歌中加入曲调时采取自由处理，或将曲调和新曲调固定为自由创作，从而打破了过去的僵化做法。为了使歌手能够准确地唱出新的曲调，需要特殊的乐谱。这个时期出现了对位这个词，用来指代复调音乐的写作手法。对位的本义是音对音，即几个曲调的组合。在这些组合中，和声是主要的，不协和一开始就被否定了。直到15世纪才逐渐认识到不协和音的价值，认为复调是一种艺术化的音乐组合，在写法上要力求变化丰富。如节奏的变化、切分音的处理、模仿的运用，从而将复调艺术发展到一个新的阶段。
15 ~ 16世纪的复调音乐
15世纪下半叶~ 16世纪是复调音乐的黄金时代，尤其是以G.P.da Palestrina为代表的无伴奏合唱在这一时期达到了复调音乐的巅峰。这一时期，人们对歌词的重视在很大程度上奠定了音乐的节奏基础；同时采用了许多丰富多变的音色组合，避免了声音过程中的五度八度空洞效应；确定了不协和音的使用原则。总的来说，声部的平衡和声部关系的和谐是当时复调音乐风格的特点。
17 ~ 18世纪上半叶的复调音乐
16世纪以后，复调音乐在结构和技术技法上日趋完善，为器乐复调的兴起和发展创造了条件。到了18世纪，在J.S .巴赫的作品中，采用了以和声为主的创作方法，即不仅要求横线独立，还注意到了竖线的和声关系。巴赫非常重视泛音的处理，泛音造成了旋律节奏与和声节奏的不一致，增强了对位效果。巴赫对赋格发展的贡献更为突出，后来的作曲家把他的作品视为复调音乐技术的典范。
18世纪下半叶至19世纪的复调音乐
18世纪下半叶以来，主题音乐占主导地位，对位受到和声的制约。写作风格从自由节奏的线条肌理转变为励志旋律乐句与和声的结合。复调技术与旋律音乐的形式紧密结合，尤其是在奏鸣曲式音乐中。赋格和赋格段落已经成为古典主义和浪漫主义作曲家创作中发展主题、发展音乐思想的有效手段。尤其是在f·门德尔松复兴巴赫的《马太受难曲》之后，许多杰出的浪漫主义作曲家也试图模仿巴赫的复调写作手法。j勃拉姆斯在创作中有意识地使用巴赫式的对位法写作，希望回到16和17世纪的音乐，这在他后期的作品中表现出来，他对卡农的喜爱甚至超过了赋格。到了浪漫主义后期，由于断弦的大量使用，旋律线条变得和谐，使得对位越来越和谐，甚至成为分解和声的装饰。一方面，r·瓦格纳在对位法的运用上更强调不协和和弦的各种技巧和半音的变化，另一方面，他也像w·a·莫扎特一样运用了几个主题的组合，如《纽伦堡的歌手》序曲的再现。总之，在浪漫主义后期，复调处于次要地位，但仍是创作中不可或缺的表现手段。
20世纪的复调音乐
20世纪作曲家的作品风格与上个世纪相比有了很大的变化。调性、调式、和弦结构的复杂，取代了以前基本自然音系的技法。1910年后，许多作曲家热衷于完整、自由地使用半音阶的全部12音，有的还有调性中心，如P. hindemith有的否定调性中心，比如勋伯格；有些采用双调性和多调性的结合，如米月。双调性或多调性，由于几个曲调的调性不同，具有相当程度的独立性，从而加强了对位的效果。无调性音乐的效果主要靠动机的组织，把旋律线放在突出的位置，让和声退居二线。现代的线对位法这个词，最初是用来形容早期的复调音乐形式，现在常用来形容一种与和声无关，由旋律线交织而成的结构。与19世纪相比，复调音乐在20世纪是有优势的，但不是帕莱斯特里纳或者巴赫那个时代意义上的。在写作手法上，旋律倾向于自由灵活的发展。主题常被当作反思或逆行；在进行对位作曲时，采用了较为复杂的节奏组合，这是现代复调音乐的主要特点。
复调音乐作为一门课程，包括对位法、加农炮、赋格等。其写作方法可分为对比复调(见对位法)和模仿复调(见模仿法)两大类。以复调音乐形式创作的音乐包括创作音乐、独奏曲、炮声音乐和赋格曲。