2020高中音乐讲稿优秀范文精选集锦

在教学活动中，师生要完整、充分地听音乐，感受音乐之美，开阔音乐文化视野，了解多元文化音乐。以下是我整理的高中音乐讲座草稿，希望能给你提供参考和借鉴。

高中音乐讲稿范:第九交响曲(合唱)

一，教学目标

情感态度和价值观

完整而充分地聆听音乐，感受西方交响音乐之美，开阔国际音乐文化视野，了解多元音乐文化。

过程和方法

通过听作品、教学和小组合作，学生可以进一步提高音乐欣赏能力，感受作品背后的人文内涵。

知识和技能

能充分聆听和记忆音乐的主题，掌握音乐的情感变化。

二，教学中的难点

焦点

聆听并记住音乐的主题，结合作曲家的生活理解音乐表达的精神内涵。

困难

学会唱音乐的主题，掌握音乐背后的音乐史知识。

第三，教学准备

钢琴，多媒体

第四，教学过程

(一)引入新课程

1.老师给学生看电视剧的片段，问学生:“我们刚才在片段中听到的那一集叫什么名字？”

学生可以自由回答。(欢乐颂)

2.老师介绍，《欢乐颂》出自贝多芬第九交响曲(合唱部分)，被视为贝多芬音乐创作的巅峰和总结，引入本课。

(2)初步感知

1.老师第一次播放音乐《欢乐颂》，请学生谈谈对作品的理解。

老师:《欢乐颂》是世界著名的经典音乐。有同学能说说你对《欢乐颂》的理解吗？西方的圣诞节和唱诗班经常唱歌；作者是贝多芬。学生可以根据自己的常识发表意见。)

老师让学生谈谈贝多芬的成就和代表作品，然后师生一起总结。贝多芬是古典时期的钢琴家和作曲家，被称为“乐圣”。他一生最重要的贡献在于创作了32首钢琴奏鸣曲、9首交响乐、一部声乐套曲和一部歌剧。代表作品有《第三交响曲(英雄)》、《月光奏鸣曲》和歌剧《费德里欧》等。)

3.再听一遍这首歌，让学生思考他们选择什么音乐类型来表达他们的想法。(交响乐)

4.老师介绍交响乐的相关知识。交响乐是根据奏鸣曲式原则创作的管弦乐组曲，结构宏大，内容深刻而富有戏剧性，写法复杂，音色对比鲜明。)

(三)探究学习

1.老师放这首歌，问学生这首歌的情绪和速度是什么。(坚定而郑重；中速)

2.教师再次播放《欢乐颂》管弦乐演奏的视频，要求学生根据表现形式的不同特点划分声部。老师:请仔细考虑一下。这首曲子可以分成几个部分？序曲和人声两部分。)

3.引导学生梳理《欢乐颂》的音乐元素。

(1)播放核心音乐中的“欢乐”主题，问音乐的旋律有哪些？(递进，升降平稳，无跳跃)。

(2)这段音乐表现了什么？(传达欢乐的主题)

(3)教师提问，引导学生听音频，观察乐谱，探究音乐作品的情感变化。(老师:作者如何传达欢乐的主题？一步一步经历情感的变化。)

①学生自主探究音乐情绪变化的过程。(过程:从抒情到坚定的情感转变)

(2)师生总结各种促进音乐情感的方法。(实力:由弱变强；配器:弦乐-管乐-打击乐-转折点-加入人声；表演/演唱形式:独唱/主唱-合奏/合唱)

4.老师进一步问，作者通过《第九交响曲》表达了什么样的情感？让学生分组思考。(老师:《欢乐颂》只是贝多芬第九交响曲(合唱)的第四乐章，但这个“欢乐主题”出现在前三个乐章，被打断了。最后在第四乐章加入人声，将作品推向高潮。这种做法表达了作者怎样的思想主题？突破困境，获得全人类的自由解放、胜利欢乐、团结友爱。)

5.老师与同学分享贝多芬的生平故事，将贝多芬的戏剧人生与第九交响曲(合唱)相结合，帮助学生理解作品的人文内涵。这首交响曲以忧郁的小调开始，以明亮的大调结束，象征着贝多芬不畏苦难，冲破命运的牢笼，最终走向光明的人生轨道。)

(4)扩展和延伸

请大家观看贝多芬的《月光奏鸣曲》，谈谈自己的感受，开阔自己的音乐视野。

(1)学生分组讨论，各抒己见。

(2)教师引导学生了解贝多芬杰出的历史成就。贝多芬不仅在交响乐方面有杰出的成就，同时，他的《32首钢琴奏鸣曲》是西方音乐的经典之作，被誉为西方音乐的“新约”。)

(5)总结作业

1.教师和学生以问答的形式总结这节课的主要内容。勇于面对困难，克服人生瓶颈，人生终将迎来光明的未来。)

2.课后请收藏莫扎特第四十交响曲，思考两位古典主义大师在音乐创作中形成不同音乐风格的社会原因。以文字的形式带来，200字左右，下节课和同学讨论。

五、黑板设计

高中音乐讲稿范文儿:西方交响乐团与乐器

教具:录音机、钢琴、多媒体设备。

教学目的:了解西方交响乐团和乐器。

重点和难点:这门课的难点在于西方交响乐团规模庞大，乐器众多。

首先，引导班级。

1.我们经常听到交响乐队演奏，也经常听到收音机里播放交响音乐。每当我们欣赏这些音乐作品的时候，都会觉得:不知道有多少优美、壮美、刺激、热情的音乐会从这样的交响乐团中倾泻而出。但是交响乐团有什么乐器呢？这些乐器有什么特殊的性能和表现力？它们是什么时候，如何结合成这样一个巨大的整体的？交响乐团的神奇力量是怎么产生的？并不是每个音乐爱好者都能完全理解这一系列问题。

2.交响乐团的萌芽其实是在16世纪中期，也就是文艺复兴的鼎盛时期，交响乐团中的大部分乐器也是在文艺复兴时期形成的。现代交响乐团就是从这个时候开始的，一直到十九世纪末，甚至一直到二十世纪初，经历了三个世纪的复杂发展才最终定型。

第二，教新课

1，交响乐的变化与发展。

文艺复兴时期，由于封建社会资本主义的萌芽和发展，城市的建立和发展，以及进步的资产阶级世界观——人文主义的形成，为艺术创作提出了现实主义的方法基础。蒙特威尔第的另一个成就是对乐队有了新的认识，认为乐队是不同音色的组合，于是开始让不同的乐器互相对立，互相比较，让每组乐器轮流演奏。这些做法在当时还是一个意想不到的新发现。总的来说，在这个时期，乐器的采用和配合是不断变化的，有时甚至会在乐队中使用一些奇怪的东西，如巨型小提琴、风车和大炮，以造成一些特殊的效果。

17世纪是交响乐团发展的一个非常重要的时期。随着主题和声风格的发展和数字低音的采用，大键琴因为容易演奏和弦，在乐队中占据了非常稳定的地位；其次，由于意大利小提琴制造商，如阿玛尔

随着贝蒂和斯特拉蒂·法利在小提琴的改进和定型方面取得的辉煌成就，乐队中小提琴的数量逐渐增加，最终将七弦琴和其他一些古老的乐器挤出了乐队。但是这个时候的乐队还不能算是新乐队，因为它的基础还是大键琴，乐队很多都是古乐器。从17世纪中期开始，对乐队的兴趣逐渐蔓延到整个欧洲，乐队也从意大利的罗马、佛罗伦萨、威尼斯和那不勒斯走出国门，巴黎、伦敦、柏林、汉堡和维也纳都出现了不同类型的早期乐队。到了17世纪末，不仅有乐队在歌剧院和教堂里演奏，而且还出现了乐队演奏音乐的新场所。1672年，第一次公开收费的弦乐乐队音乐会在伦敦举行，1686年，荷兰开始定期举行公开音乐会，随即传播到欧洲其他国家。

十八世纪是一个伟大转折和革命的世纪。欧洲的社会结构、哲学观、审美理想、艺术形式都发生了变化，交响乐团的拐点也到了。交响乐团的这个转折点，应该以海顿第一交响曲1759年的发表为标志。

18世纪中期，主题和声的新风格用多声部取代了复调音乐，出现了一种新的音乐体裁——交响乐和协奏曲。随着音乐风格本身的变化，在乐器组合上逐渐趋于合理的所谓“古典乐队”也在此时形成。此时，乐队已经从长期阻碍其发展的数字低音和大键琴的束缚中解放出来。然而，木管乐器和铜管乐器在乐队中的地位尚未确立。海顿《第一交响曲》使用的乐队除了弦乐器外，只有两个双簧管和两个法国号。由海顿创立，最后由莫扎特建立的“古典乐队”，其实是以曼海姆学派为基础的双管乐队。

此后，交响乐团的发展只在细节上有所改变。19世纪初，乐队扩充了乐器的数量，尤其是铜管乐器的数量变化很大——起初法国号增加到四个组成四重奏，后来又增加了三个长号。这样就形成了一种新型的乐队——大交响乐团，也就是所谓的“浪漫乐队”。这种乐队最终在浪漫主义作曲家韦伯、舒伯特、门德尔松的创作中完成。

2.交响乐团的乐器作品

总的来说，在交响乐团发展的整个历史进程中，历代作曲家使用的乐队是非常多样的。但是我们可以把所有这些不同的乐队分为两种基本类型，即交响乐队和交响乐团；这两种乐队包括弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器。现在我们来谈谈小交响乐团。

小交响乐团成立于18世纪下半叶。这种乐队在当时的作曲家看来并不算小乐队。直到19世纪初，大多数歌剧和交响乐都使用这种乐队。小交响乐团使用的乐器通常包括:

弦乐器:第一小提琴六到八把，第二小提琴四到六把，中提琴二到四把，大提琴二到四把，低音提琴二到三把。

木管乐器:长笛，双簧管，单簧管和巴松管。

铜管乐器:法国号和小号。

打击乐器:一对定音鼓。

小交响乐团使用的乐器有时会被省略，比如单簧管和小号。莫扎特后期的交响乐有时省略小号或定音鼓，有时省略双簧管。相反，小交响乐团有时会扩大，甚至接近大交响乐团。这种扩展形式在当时的歌剧乐队和清唱剧乐队中经常使用，交响乐作品在这类乐队中的使用要少得多。

从20世纪30年代到现在，一般的交响乐、歌剧、芭蕾作品大多由大交响乐团制作，大交响乐团使用的乐器通常包括:

弦乐器:十二到十六把第一小提琴和十把第二小提琴。

十四把中提琴，八到十二把中提琴，六到十把大提琴，六到十把低音提琴。

木管乐器:长笛、双簧管、单簧管和低音管分别有两到三种。此外，这些乐器往往还有变体，如短笛(偶尔为中音笛)、中音双簧管(或英音管，偶尔为抒情双簧管)、低音单簧管(偶尔为小单簧管、中音或低音双簧管)、低音巴松管。

铜管乐器:四个法国圆号，两三个小号，三个长号和一两个大号。

打击乐器:定音鼓、三角鼓、铃鼓、钹和鼓等。

除了以上四组乐器，竖琴也是经常使用的，大部分使用两种。大交响乐团大概60到90人，但也有100多人。这种乐队有时会减少某些乐器的数量，尤其是弦乐器的数量，但有时也会扩大某一组乐器中的单个乐器的数量或整组乐器的数量，增加一般乐队中很少见的单个乐器，如钢琴或管风琴。

从小调交响乐团和大调交响乐团使用的乐器类型可以看出，长号是决定乐队类型的标志。缺少长号的乐队只能算是小交响乐团，因为大交响乐团必须有三个长号和一两个大号。如果只有一个长号，只能算是交响乐团。

第三，总结

我们已经简单介绍了交响乐团中的所有乐器，现在来说说这些乐器在数量上的比例关系。如前所述，弦乐器组的乐器数量最多，仅第一小提琴就有十几种，但其他组的每种乐器一般只用两三种，甚至只用一种。每种乐器都能发出不同的声音，有的容易产生高音，有的容易产生低音，有的容易产生快速活泼的旋律，有的适合产生缓慢悠扬的旋律。要把这些乐器组合成不同的演奏，就要考虑到这些乐器是可以互补而不是互相干扰的。因此，我们必须首先保持这些仪器在数量上有一定的比例。现代乐队的乐器配置形成于18世纪中期。之后，虽然乐队的组织日益扩大，但是乐器在乐队中所占的比例并没有太大的变化。

高中音乐讲稿范文三:流行音乐

教具:录音机、多媒体设备。

教学目的:了解流行音乐的几个类别，以及它的概念和特点。

重点难点:让学生结合实际谈谈对流行音乐的看法。

首先，引导班级。

1，流行音乐)——不表达主要流派和思想内容的作品称为轻音乐。传统上，人们把那些通俗易懂、轻松的音乐，比如小施特劳斯的那些圆舞曲，归入这个名词。后来，爵士乐、摇滚乐队、轻歌剧、迪斯科等层出不穷的群众歌舞形式越来越多，虽然这些音乐自娱自乐，但是，有时也有贬低时事、攻击现实的作品。在最初的轻音乐概念中很难涵盖所有这些。有些媒体把这些当成流行音乐，但这混淆了经典和这些深受群众喜爱的音乐的界限。现在理论家一般用流行音乐这个词来概括这些音乐现象。

第二，教新课

布鲁斯，1

众所周知，blues的意思是蓝调，在英语中是苦涩和忧郁的意思。虽然爵士乐包括黑人音乐、英文歌曲、法国舞曲等。布鲁斯是爵士乐的主要组成部分。布鲁斯的产生比爵士乐早，爵士乐可能是19世纪下半叶黑人唱的田间歌曲的组合。宗教歌曲和民间歌曲。布鲁斯的音乐特点主要在于大调音阶落在第三、第七，有时落在第五音。这些平音符的特点是小调，唱起来往往带有滑音。《颤抖》听起来哀怨、悲怆、饱含感情，所以有人把布鲁斯翻译成“抱怨之歌”。当然，蓝调歌曲也有一些欢快愉悦的作品。布鲁斯的速度较慢，拍子往往是四两拍，旋律多含有切分音节奏。布鲁斯的演唱风格非常自由，与生活中的语言和情感紧密结合。假声、呻吟、哭泣、嘟囔都可以用来渲染气氛。布鲁斯这种底层社会的气质，在日后给早期爵士乐带来了与劳动人民生活和黑人民间音乐紧密联系的特点。

带领学生一起欣赏“空”蓝调。同时有了解释:

2.流行音乐

关于流行音乐的起源，有研究者认为它作为一种文化现象主要来自西方，“一般来说，主要是指19世纪下半叶至20世纪在欧美国家发展起来的，适合城市普通市民兴趣爱好的一些音乐”(1)。这种观点可能与“流行音乐”或“流行音乐”这一表达方式来自西方有关。应该承认，西方百年来在世界范围内的政治、经济、军事扩张，使得各种属性的西方文化在世界范围内迅速传播。从上世纪末本世纪初开始，随着西方音乐技术和理论的传入，音程、谱号、布鲁斯、流行等各种音乐思想和音乐术语逐渐传入中国。仍然不可否认的是，从某种角度来看，现代意义上的流行音乐似乎确实是西风带来的舶来品。因为直到现在，世界上很多国家，包括中国，在艺术手法、制作工艺、运营模式等方面，都或多或少地沿袭了西方的一些东西。但也必须承认，这些都只能说明音乐实践本身的方法论问题，并不能成为关于流行音乐内涵和外延的讨论完全可以用西方社会历史文化来解释的理由。即使在西方，用来解释流行音乐或流行音乐的“POP”这个词的含义也是相当复杂的，在不同的语言和文化中的用法也是不一致的。法国学者亨利·斯科夫·托尔热(Henri Skoff Torge)在他的著作《流行_音乐》(POP _ MUSIQUEPOP)中提到，“我们不分青红皂白地把流行_音乐(POP _ MUSIQUEPOP)混在一起:在法国，前者的英语术语相当于后者的法语术语；但在英国，尤其是在美国，通常的名字只是ROCK”②。事实上，作为“音乐”概念内的“流行音乐”，它首先必须具有“音乐”的属性，然后才具有“大众性”的属性，而“音乐”作为一种艺术形式并不仅仅存在于西方民族和国家；同样，“流行音乐”作为“音乐”的形式之一，直到西方国家发展起来，才在其他民族和国家出现。现实情况是，流行音乐不仅在现代存在，而且在很早以前就存在，在绝大多数民族和国家都是客观存在，只是不同民族和国家的流行音乐体现了不同发展阶段流行音乐的特点。

欣赏童年的回忆和思念，让学生在欣赏后表达对音乐的感受。

第三，总结

流行音乐是流传最广、最容易流传的音乐形式，但流行音乐的水平有高有低。请取其精华，去其糟粕，多欣赏其精品。