那种歌叫做蓝调

R & ampB的前身出现在40年代的美国黑人区。

在那个时候，没有多少人能负担得起丰富多彩的娱乐活动。喜爱音乐的黑人喜欢在晚饭后聚集在街上，用口琴等简单的乐器演奏音乐，表达他们对生活、工作和离家的感受。这就发展出了b的前身blues-R。

随着录音带的发明和越来越多小型电台的出现，布鲁斯音乐开始跳出黑人圈子，在芝加哥流行起来。不知道是不是因为蓝调音乐讲的太久了，乐迷渴望听到节奏感强、节奏明快、内容不太悲伤的蓝调歌曲。

音乐家们适应大众口味的变化，在作品中加入了钢琴、鼓、性主义和当时的超新技术——电吉他，让观众随着这种节奏强烈的蓝调新流派起舞，成就了经典的“节奏控诉”。

清新的节奏

重要的研发；二十世纪五六十年代；音乐家包括雷·查尔斯、露丝·布朗和流浪者。听完他们的经典作品，我们会发现R & amp；b音乐，比如周杰伦，宇多田，就很不一样。但就音乐元素而言，还是有很多共同点的。最突出的部分是节奏部分。

大部分r & amp；b作品以4拍为一段，12为一段。与传统的白人流行音乐不同的是，节奏抱怨强调一段中的第二拍和第四拍，这是一种非常清新的节奏效果。

音质多变。

无论是歌唱的音色还是乐器，都会有很大的变化。

音质是声音的“质感”。当我们听到《泥巴》的时候，会觉得许志安唱的很悲伤；木童子笛的声音常常给我们一种很活泼的感觉。这就是不同歌曲和乐器的音质效果。

At R & amp在B的作品中，比如周杰伦的《斗牛》或者《贵妇人》，我们很容易发现，无论是从音乐还是声音上，开篇段落和副歌部分都有明显的区别对待。

歌唱和器乐部分经常互相呼应——在R&中；在歌曲B中，当演唱者唱出某些声音时，音乐部分或副歌演唱者会反复播放/演唱那些声音，就像“提问和回答问题”或使其听起来像回声一样。

R & amp另一个特点是一些短语和句子会重复很多次。就像《龙卷风》里连续不断的“我不，我不，我不”，就是一个很明显的例子。

热浪席卷全球

R & amp20世纪50年代；b能给美国的白人青年带来震撼。除了节奏感强之外，歌词的坦率直接也是主要原因之一。

受不同音乐类型、市场、技术和文化的影响，今天的R & ampb已经从过去的街头黑人音乐发展成为风靡全球的音乐，在英国、美国、欧洲和亚洲占据了主要的销售排行榜。

R & ampB的影响不仅仅局限于音乐，我们的时尚文化、口头生活态度、行为举止也都因R & B音乐而发生了一些变化。嘿伙计！鸭嘴帽，拉屎裤，包的辫子头，相信你我都不会陌生！就是这样，R &；b已经成为很多黑人，红人，黄人，白人互相认识，互相欣赏对方文化的渠道！

嘻哈音乐

嘻哈翻译成嘻哈，说唱翻译成说唱。这两个概念是不同的。Hip-Hop其实不是一个音乐术语，而是一个文化术语，包括说唱、涂鸦、街舞、DJ打碟。说唱起源于20世纪60年代，而嘻哈作为一种音乐理解，起源于70年代初。它的前身是RAP(有时候带一点R(B))。

从字面上看，Hip-hop就是Hip，Hop就是Hop，合在一起就是Hip-waking。最初是指萌芽阶段的嘻哈(也就是我们以前说的霹雳舞)，后来逐渐发展成一个庞大的概念——我们现在说的嘻哈文化也包括那些宽松的衣服，沉重的纯金饰品，还有“YoYo？”怎么了？“口头习惯——简而言之，就是美国贫困街区黑人的生活方式和他们的“风格”。

嘻哈的起源可以用一个字“穷”来概括。为什么一定要穿大一号的？除了方便锻炼，这种大码衣服的好处还在于可以多穿几年；为什么会有涂鸦？这个东西最早是街区帮派之间划分势力范围的标志，后来越来越精美精致，发展成为民间艺术；为什么会有街舞？因为他们去不起舞厅，而当时种族歧视的问题依然存在，他们有钱也未必能在白色舞厅玩得开心；为什么纯嘻哈作品以黑和脏话为主？因为这些街头黑青年没有未来和希望，所以恨的比爱的多得多。

全球在这里又冷又热。

虽然嘻哈文化在90年代末才在我们身边兴起，但其实早在80年代，嘻哈风就从美国开始，席卷了整个西方世界。从65438到0986，包括野兽男孩、LL Cool J、公敌和Run DMC在内的Def Jam唱片公司旗下艺人的“Def Jam巡演”引发了全球嘻哈热潮。90年代，出现了无数的Hip-Hop如Dr.Dre的帮派说唱，吹牛老爹(吹牛老爹)Hip-Hop的流行，梅西·埃丽奥特的说唱皇后。他们逐渐使这种民间音乐成为主流音乐市场中最重要的一部分，它可以轻而易举地创造数千万张的销量。嘻哈音乐已经成为美国娱乐业的一大收入来源。尤其是90年代后期，出现了阿姆这种帅气的年轻人。作为一个白人，他在短短一年内成为嘻哈领域最炙手可热的巨星，彻底打破了嘻哈的种族问题。正如猫王需要证明摇滚乐不只是黑人的，阿姆的出现标志着嘻哈文化接受白人并走向全球。

有人问我嘻哈文化在美国是否也是一种时尚。答案是否定的，嘻哈文化是美国的一种生活方式，就像我们这里有院子生活、乡村生活、胡同生活一样。可惜我们在当今世界流行文化中的地位没有美国那么重要，不然我们的农民兄弟或者胡同串子说不定能出自己的风格(开玩笑)。

中国人不会嘻哈

很多人认为中文不适合hip-hop，因为它的发音和英语在词根上并不相似，并以此为基础得出结论，目前出现的Hip-Hop都是垃圾。我想说这是不对的。嘻哈作品的好坏从根本上不在于它的节奏和配乐——这些只是“模型”。嘻哈音乐真正的精髓在于它所表达的内容和创作者的态度。在这一点上，有些人做得很好。

台湾省的鱼叉帮，大蓝堂，洛杉矶四大下层，包括更受欢迎的麻吉兄弟，都很受欢迎。比如野兔狗帮，他们的作品骂过岛内外的老人、老师、流行歌手，甚至粉丝和自己，但听久了，你只能说他们通情达理，有一个Hip-Hoper应有的混蛋气质和可爱。

在中国大陆比较重要的嘻哈团体包括CMCB(中国说唱兄弟)、隐藏、功夫、龙门阵等等。他们的标准不一样，各有特色。他们的共同点是不说脏话，内容不涉及民族。连主流文化都不敢拿出来(尤其是李小龙和戴冰，出道更早)。

我们都知道他们害怕自己的前途被毁了，所以你可以搞笑(其实CMCB有这样一部作品，很受欢迎)，学学雪村，讲讲小笑话，必要的时候拿外国开玩笑...不幸的是，现在出现的这些嘻哈者总是想把自己提升到街头传教士的水平。最谦虚的也把自己当成时尚生活和时尚音乐的传道者，内容往往是国家大事、生活原则和时尚夜生活(当然是很健康的那种小儿科，没有毒品、性、打斗、赛车或者其他被认为危险的东西)。在第11届中国歌曲排行榜晚会上，功夫、水月和CMCB将嘻哈音乐带到了人民大会堂。他们在演出现场唱道:“功夫、水月、CMCB给中国流行音乐一股前进的力量……”省省吧，让大家先带你去玩。

互联网绝对是如火如荼。其实内地最优秀的Hip-Hopers都在网络上聚集，那里几乎没有限制:搞笑MC郝宇的大学自习室，高等教育，月亮花；一定程度上，沈阳MM(真实姓名不详，网名可能叫小武)的“超级感叹”和“追回小武”；海归的“大连火车站”和“留学垃圾”；神秘的上海女孩麦克露西的《上海K姐》等都是在民间广为流传的嘻哈代表作。你想知道他们有多受欢迎吗？用搜索引擎搜索互联网，或者访问任何大学的FTP。有个笑话说，没听过大学自习室的大学生不是大学生。

其他脍炙人口的作品还有安子的《黑色星期五》、周佳阳的《网络综合症》、肖飞的《谁败坏了娱乐圈》、JE的《这就是嘻哈》等等。你可以在网上找他们。

标签

Hip-Hop本来就是一种反文化倾向的亚文化，其破坏性和民间性与我们传统的流行文化背道而驰。但从目前的情况来看，它不仅已经成为主流文化的重要组成部分，而且正在迅速崛起、传播和发展。一个合理的解释是，在我们这个越来越玄学的时代，生活和娱乐不仅需要情感、纯真、高贵、严肃，还需要搞笑、无情、自卑、敢于藐视一切的无耻作风——我说的是实话，我们的文化生活真的缺少这些。如果中国的Hip-Hop有所谓的希望或者发展方向，我相信我们应该从这些地方开始，以一种渴望奉承主流音乐的方式进入市场。恐怕很难有所作为。

目前主要的hip-hop参与者和观众都比较年轻化，大部分出生在1980左右。这些90年代从中学开始接触嘻哈文化的Hip-Hoper，将成长为中国第一代嘻哈。随着他们的成长，我相信中国的嘻哈文化会越来越被认可，就像摇滚音乐在十几年后不再被视为异类，就像日本的漫画和电子游戏逐渐兴起一样。

嘻哈是一种文化，而不仅仅是某种东西。并不是说穿着大POLO衫，戴着猿猴帽，穿着扣篮鞋，脖子上挂着大链子就是嘻哈，更重要的是精神。

Hip-Hop: Hip是butt，Hop是跳跃的意思。嘻哈音乐起源于R & amp20世纪70年代。b(节奏蓝调)，但带R &；b则完全不同，强调的是舞厅里D.J.Remix技法的纯舞曲。80年代，这种音乐通过加入Scratch(间歇地将唱片上下颠倒，发出用唱针摩擦的特殊效果)和黑人特有的街头韵脚，形成了说唱音乐。所以可以说Hip-Hop是rap的前身，但今天这两个词经常可以混用，只是Rap强调Rap，Hip-Hop倾向于指Beat。

涂鸦:涂鸦，字典中分析，是在公共墙壁上画画或写字。如今，涂鸦绘画和街头形式的传统已经对世界各地的艺术家产生了一定的影响。作为一种销售工具，早期的嘻哈舞会宣传总是邀请涂鸦艺术家设计传单和海报。然而，在20世纪80年代，嘻哈音乐被广泛引入并被大众接受。有一段时间，Hip-Hop不谈卖文化，也没有引入早期的涂鸦形式。涂鸦，无论是特殊技巧还是绘画技法，对艺术形式也有影响，比如墨西哥革命的愤怒涂鸦。如今，在黑帮横行的美国城市，黑帮之间的暴力警告和威胁也是通过涂鸦来传达的。

Indie:Independent的缩写，意思是艺人所属的唱片公司Indie:Independent Label(独立公司)。不像全球五大唱片公司拥有庞大的发行网络，可以为歌手做造型、宣传活动等整体设计，因为Major(五大唱片公司体系)可以为艺人提供录音师、伴奏等最佳客观环境，并做好完整的营销方案。所以他们往往有能力把一个普通人塑造成大明星。更重要的是，在商业利益的考量下，大唱片公司旗下的好艺人往往被迫牺牲一些理想和坚持。这就是为什么铁杆摇滚粉丝唾弃梅杰强烈的商业色彩，支持一些独立唱片公司，允许艺人按照自己的理想制作自己的专辑，而不需要太多的商业宣传。

介绍几个著名的嘻哈歌手:

阿姆——不能不提的是，作为一个白人，在这个黑人主导的音乐中表现得非常出色。最喜欢的歌斯坦，没有我，暂时唱(翻唱史密斯飞船的老歌)。

50美分——一个非常受欢迎的数字，不需要再介绍了。听的歌很多，最欣赏21题。

D 12——著名说唱组合，D-12的首张专辑《魔鬼之夜》，在三年前就已经证明了这一点。

史努比·道格(snoop Dogg)——声音很独特，感觉就是说话很平实。

p . Diddy——阿姆的敌人，也是一个非常优秀的歌手。

usher——实力不用多说，2004Billboard以火爆的姿态横扫十一项大奖。

黑眼豆豆合唱团和贾斯汀合作了一首歌

德瑞医生-顶级制作人和歌手，经常出现在许多嘻哈mv中，制作了许多非常著名的专辑。

Jay-z-Rap很干净，唯一不同的是没有骂人。

海王星——前两个人，一个黑人，一个黄种人。非常优秀，出了贾斯汀、布兰妮斯皮尔斯等一系列专辑。

也有很多著名的音乐人，有的即兴说唱也很好，还有一些非常好的法语说唱，但是在长期被英语占领的市场上并没有那么体现。中国说唱也处于发展阶段。目前华语最好的说唱专辑是公认的唐，由四位制作人组成:米克尔、王凯峰、斯科蒂陈恒毅、文斯张奥杰。

爵士乐

爵士乐概述

在不到一个世纪的时间里，这种被称为爵士乐的具有明显美国特色的音乐，从默默无闻的民间音乐发展成为美国产生的最重要的艺术类型。如今，它几乎在世界的每一个角落都能听到和播放。爵士乐以各种形式呈现出繁荣的景象，从根布鲁斯和拉格泰姆，通过新奥尔良爵士乐到迪克西兰爵士乐，摇摆乐，主流爵士乐，比波普，现代爵士乐到自由爵士乐和电子爵士乐。令人惊奇的不是爵士乐以如此多的形式出现，而是它的每一种形式都非常重要，并且一直保持着自己的特色和独特魅力。想要欣赏各种爵士，体验各种乐趣，就得有开放的态度，包容，倾听。

追踪源头

爵士乐是由民歌发展而来的，它的来源很多，所以要仔细研究它并不容易。但它的根一定是黑奴从非洲带来的。他们脱离了古老的文化传统，用歌曲讲述故事，将民歌发展成一种新的交流形式。美国黑人音乐保留了很多非洲特色，节奏特征明显，保留了集体即兴的特点。这种传统和新住宅的音乐很大一部分是声乐结合的，其结果不仅是一种新的声音，而是一种全新的音乐表达。

最著名的非裔美国人音乐是宗教音乐。这些优美动人的歌曲白人也听，但比农村黑人教堂唱的更时尚。今天人们所知道的福音音乐更准确地反映了早期非洲裔美国人的情感力量和旋律感，而不是本世纪头十年Fisk Jubilee歌手音乐的宗教传承。

其他早期的音乐形式，包括可以追溯到奴隶制时代的劳动歌曲、童谣和舞曲，都成为重要的音乐遗产，尤其是考虑到在当时的制度下，音乐活动受到严重限制。

布鲁斯的诞生

奴隶制被废除，黑人奴隶获得解放后，美国黑人音乐迅速发展。军乐队废弃的乐器和新近获得的迁徙自由构成了爵士乐的基础:铜管音乐、舞曲和布鲁斯。

作为一种音乐形式，蓝调看似简单，但实际上几乎可以无限变化。它一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，并且成功地保持了自己的独立存在。可以说，没有布鲁斯就没有今天的摇滚乐。简单说明一下一般蓝调的特点:以八、十二小节为一个音乐片段组成音乐，歌词紧凑。其“忧郁(蓝)”特征的原因是音阶中的“咪”音和“斯”音降低了一个半音。事实上，布鲁斯是一种与宗教音乐相对应的世俗音乐形式。

铜管乐队和拉格泰姆

到了20世纪80年代末，美国大多数南方城市都出现了黑铜管乐队、舞蹈乐队和音乐会乐队。同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧洲风格。在这一时期，拉格泰姆音乐开始成形。虽然拉格泰姆音乐主要在钢琴上演奏，但一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大概是1898到1908，但是时间跨度其实很大，影响也是无穷无尽的。最近又被发现了。新的“拉格泰姆”的特点是迷人的旋律和大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎消失了。拉格泰姆与早期爵士乐关系密切，但可以肯定的是拉格泰姆的节奏相对稳定。

拉格泰姆音乐最著名的作曲家是斯科特·乔普林(1868-1917)。其他著名的拉格泰姆大师还有詹姆斯·斯科特、路易·肖文克·尤比布莱克(1883-1983)、约瑟夫·兰姆等。后者虽然是白人，但他充分吸收了这种音乐形式的内涵。

进入爵士乐时代

拉格泰姆音乐，尤其是淡化爵士乐的流行风格，是针对中产阶级的，不为正统音乐人所喜欢。19世纪最后十年，爵士音乐逐渐成型，但当时还不叫“爵士”。它最初叫Jass，最早出现在美国南部城市的黑人工人居住区。像拉格泰姆音乐一样，爵士乐最初是作为舞曲出现的。第一个成为早期爵士乐代名词的城市是新奥尔良，这有几分真实，但也有几分夸张。

新奥尔良:爵士乐的摇篮

新奥尔良在爵士乐的诞生和发展中起到了关键作用。在这里，爵士乐的早期历史被研究和记录得比其他地方更深入。在1895到1917期间，新奥尔良的爵士乐可能比其他地方更多更好，但这并不意味着新奥尔良是唯一产生爵士乐的地方。每一个有相当数量黑人的美国南方城市所产生的音乐，都应该算是一种早期的爵士乐。比如孟菲斯出现了布鲁斯作曲家、收藏家w . c . Handy(1873-1958)。其他城市包括亚特兰大和巴尔的摩。

在当时，新奥尔良因其非常开放自由的社会氛围而脱颖而出。不同信仰和种族的人可以互相交流，所以在这种容易交流的环境中有丰富的音乐传统，包括法语、西班牙语、爱尔兰语和非洲语。这样，新奥尔良成为爵士乐的沃土也就不足为奇了。

如果说新奥尔良是爵士乐诞生地的说法有些夸张，但仍然是真的，那么说爵士乐诞生在红灯区完全是无稽之谈。虽然新奥尔良确实使卖淫合法化，并因此产生了一些美国最精致、最有品位的“运动馆”，但这些地方演奏的音乐，如果有的话，也只是钢琴独奏。事实上，人们第一次听到爵士乐是在一个完全不同的地方。

当时，新奥尔良有许多社团和兄弟会组织，这很引人注目。他们中的大多数人资助或雇佣了一支乐队在不同的场合演奏，如室内或室外舞会、野餐、商店开业典礼、生日或周年派对。当然，演奏爵士乐也是送葬队伍的一个特色，今天依然如此。按照传统，乐队在教堂门口集合，演奏庄严的进行曲和悲伤的赞美诗，带领送葬队伍缓缓走向墓地。回来的路上，人们的脚步加快了，轻快的进行曲和拉格泰姆舞曲取代了挽歌。这种游行总是吸引许多人观看，在爵士乐的发展中具有重要意义。正是在这个时候，小号手和单簧管手展现了他们的创作才华，鼓手也打出了有节奏的节拍，这成为了使节拍“摇摆”的基础。一般来说，爵士乐是两拍，每小节两拍或四拍。这种双拍子的节奏背景始终存在于低音中，使得爵士乐有了稳定规则的节奏基础。在有节奏的低音上方，有旋律、和声、对位等重音位置不规则的声部，它们的切分音效果与规则的低音声部形成鲜明对比。

在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人民歌、流行歌曲中吸收的元素外，最有特色的就是“布鲁斯音阶”(关于布鲁斯的部分我们会介绍这个音阶的结构)，爵士乐和声可以说是完全建立在传统和声的基础上，但是使用各种变化和弦更加自由，主要的区别也是布鲁斯和弦带来的。

爵士乐在乐器和演奏方法上非常有特色，与传统乐队完全不同。自“爵士时代”以来，萨克斯已成为最畅销的乐器之一。长号能演奏出其他铜管乐器所不能的滑稽或怪诞的滑音，因此在爵士乐队中引起轰动；小号也是爵士乐手最喜欢的乐器。这种乐器结合不同的静音和最高音域的几个音符所产生的新颖音色几乎成为了爵士乐独有的音色特征。钢琴、班卓琴、吉他以及后来的电吉他以其强大的打击乐音和弹奏和弦的能力占据了重要地位。相反，传统乐队中最重要的弦乐器(小提琴、中提琴、大提琴)起着相对次要的作用；法国号丰富的音色在乐团里很有魅力，但对于爵士乐队来说，它的气质太温驯了，几乎没人用。在管弦乐队中，每件乐器都试图在音调和音量控制上融入整体的声音，但在爵士乐队中，恰恰相反，音乐家们尽力让每件乐器“立起来”。

乐队的组织非常灵活，最基础的部分是两个部分——节奏组和旋律组。在早期的爵士乐队中，节奏组由贝斯、班卓琴和鼓组成。后来贝司和班卓琴逐渐被贝司(贝斯)和吉他取代，钢琴也加入进来。20世纪30年代，出现了一支舞蹈乐队，当时被称为“大乐队”。它由三部分组成:节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是贝斯、吉他、钢琴和鼓；铜管组常见的编制是三个小号和两个长号，但这个数字是不固定的；木管乐队通常由四五个萨克斯管组成，每个人都演奏单簧管或其他木管乐器。如果编曲是五个萨克斯，一般是两个中音，两个男高音，一个中音。还有一个商业乐队(有时称为“甜蜜”和“酒店”等。)，类似于“大乐队”，但萨克斯往往全是中音，木管组会更多使用其他乐器(如长笛和双簧管)，有时会配三四把小提琴。这种乐队的声音经常可以在商业录音带中听到。

与传统音乐相比，爵士乐的另一大特点是它的发音方法和音色，这足以让人永远不会将它们与任何传统音乐的音色相混淆，无论是乐器还是人声。这些特色大多来自用乐器或声音模仿非裔美国人的民歌。如果我们有机会去听真正的黑场歌，灵魂歌，就会发现从粗到细，从闷到响，从刺耳到柔和，从野蛮到抒情的巨大变化，是那么的有特色，那么的感人。在爵士乐中，更有非歌唱的怒吼、叫喊和呻吟，突出了这种感觉。此外，特殊的演奏和演唱技巧也是产生特殊效果的重要手段。在这些技巧中，颤音是最常用的，它不同于传统的概念。我们知道，所谓颤音是由音高的规律性变化引起的(有时也可能是力度)；例如，在小提琴上揉弦就利用了这种变化来产生一种充满活力的声音效果。在爵士乐中，颤音变化，变化的方向一般是由窄到宽，速度由慢到快，在一个音符的末尾附近往往加大颤音的幅度和速度，进一步加强了这种技法的表现力。同时，在一个音符的开始，爵士乐手会从下往上滑到预定的音高，结束时又会从原来的音高滑下来。这些变化都是音乐无法详细记录的。有经验的爵士音乐家都掌握了这种方法，尤其是这个概念，他们可以根据不同的旋律或伴奏模式来“创造”这些效果。因此，可以说爵士乐是作曲家和音乐家共同创造的，因为有即兴创作的传统和个人技巧的发挥。受过传统教育的音乐家很难演奏爵士乐，因为他们没有培养出这样一种特殊的音乐观念。如果我们仔细比较一下真正的民谣歌手和受过正规训练的歌手唱同一首民谣的区别，我们就会对这个意义有一个更直观的概念。

爵士乐自诞生以来，吸引了很多复员的作曲家。1920年，美国指挥家保罗·惠特曼组织了一支著名的乐队，并将改编的爵士乐作品带入音乐厅。这一新趋势引起了许多“严肃”爵士乐爱好者的激烈反对。然而从那以后，爵士乐在美国和欧洲变得家喻户晓，受到了广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》就是在这个时候诞生的，怀特曼乐队的作曲家格罗菲就是为这部作品编曲的作曲家。根据手稿中的记载，这部作品的写作只用了三个星期，而且几乎是在演出后立即引起了轰动。欧洲作曲家也有很多以爵士乐为基础或受其影响的作品，如德彪西的钢琴曲《丑黑步态舞》(1908)、《吟游诗人》(1910)、《古怪将军拉维娜》(1910)；拉威尔小提琴奏鸣曲中的慢动作(布鲁斯)；斯特拉文斯基用11独奏乐器的《Regetime》(1919)、《士兵的故事》(1918)和《布莱克伍德协奏曲》；欣德米特第一室内乐(作品24，无调性)和钢琴组曲(1922)。

爵士乐入门的三步理论

在当代中国，广大音乐人有很大的自由去欣赏自己感兴趣的音乐，而爵士乐无疑成为越来越多音乐人关注、喜爱甚至痴迷的一大音乐门类。与古典音乐相比，爵士乐与生俱来的平民血统使其更加贴近普通大众，即使是开汽车卖纸浆的人也能与之亲近，在酒吧和餐馆里随处可见它的声音。与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士乐似乎有着更深刻的情感和更深刻的表达方式，或轻摇或翻拍如摇滚般令人陶醉...而不是古典音乐。与流行音乐相比，爵士乐是“中级”的，雅俗共赏，以俗见雅，所以很容易吸引包括众多古典音乐迷和流行音乐迷在内的广大听众。在当代中国，爵士乐欣赏方兴未艾。

说实话，我越听爵士越觉得自己无知浅薄——爵士活了百年，流派众多，名家无数，作品辉煌，几十年也听不完一辈子！爵士乐是不折不扣的音乐宝库，其内容之丰富，流派之繁荣，真的是数不胜数。

正因为爵士乐浩瀚如海，所以初接触爵士乐，尚未入门的读者，一定要找到合适的方法，从重要的点入手，才能最终走进房间，一窥其奥妙。

第一步，广泛倾听

学过外语的朋友都知道什么是“泛听”。我借用了“泛听”这个词，意思是朋友刚接触爵士乐时，可以完全分散精神和注意力。他们可以一边做其他事情一边听爵士乐，欣赏其中的情感、精神和表面特征(如编曲、节奏特征、音阶特征等。)包含在作品里一点点，所以他们不认真关注也能得到一点点收入。

在“泛听”的内容选择方面，宜选用那些创作、编曲、演绎较为传统的爵士名曲，尤其是那些被称为“标准曲”的经典作品，最好选用大师们的演绎版本。这些作品能让初学者相当真实、生动地感受觉。