芭蕾的八大特征
芭蕾是一种无氧运动，以芭蕾的基本动作为训练内容，其健美力量是量化健身运动无法比拟的。开、跳、直、立是芭蕾的四大要素，具有收缩肌肉纤维的作用，使身体各部分均衡发展，姿态优美，同时在悠扬的音乐伴奏下，直观含蓄地展示美。现代舞不是一味的激情奔放，而是舒缓放松的舞步与芭蕾的优雅相兼容！
1.“站立”是指身体要直立、挺拔，身体重心要准确地放在两条腿或一条腿的重心上。它的空间占用感就像古典宫殿一样傲人而气势磅礴。这符合起源于皇家宫廷的古典芭蕾的风格，其目的是展现皇家贵族的风格，而不是仆人和平民的味道。要求演员收腹、挺胸、抬重心、高空拍摄，使各种舞蹈动作和技术准确完成。它是古典芭蕾的基本审美标准之一。
2.“准”是指准确完成每个动作和舞蹈的规范，使动作的动作路线和位置准确无误。有人做过实验。一个熟练的舞蹈演员在训练中做了100次Battement tendu。他的脚趾每次都被蹭到一个点，路线一点都不差。即使是高度技术性的动作也不例外。再比如:舞者在空中转体两圈(720度)后，五脚在空中起跳并保持良好的舞姿，落地时准确落在第五处。这一点在古典芭蕾中尤为重要，即使技术含量高的动作也要准确，否则古典芭蕾的动作规范就会变形，很快就会失去光泽。
3.“美”芭蕾和其他舞蹈一样，也是一种观赏性很强的视觉艺术，需要一举一动都有美感，芭蕾对美的要求极高。是“流动的音乐，移动的雕塑”。像音乐一样受时间的限制，像雕塑一样受空间的影响，编导通过发现美，运用优美的舞蹈形式来反映美好的生活，而观众则通过对舞美的感知来想象和创造，产生情感上的共鸣。
4.“张力”是指舞者脚踝和脚背的笔直，这是古典芭蕾的根本审美标准之一。拉直训练主要是通过Battement tendu的练习，在各种跳跃的过程中，收紧下肢，将脚跟、脚掌、脚趾依次推向天空，拉长身体线条。以Battement tendu为例。动作过程中，脚跟推动脚背和脚趾向外擦出，直到脚尖摩擦到最远点，脚尖勾住脚心，同时仍保持伸展的感觉，仿佛要穿透地板继续伸展。芭蕾是一种线性艺术，只有拉伸每一个部分，才能让观众有肢体线条延伸的视觉感，也只有拉伸才能让肢体在有限的空间里有轻微的放射性，让舞蹈更加舒展。芭蕾舞曾经追求过一段时间的“精神空虚”。舞者要有艺术魅力，使自己的舞蹈轻盈飘逸，只有拉伸才能绷紧肌肉，产生向上的动力。
5.“直”是指主腿和力量腿的膝盖是直的，背部是垂直的。换句话说，就是全身肌肉被拉长，这样芭蕾舞蹈才能达到一种舒展的，线条很长的完美视觉形态。这是古典芭蕾的基本审美标准之一。还有一种说法是芭蕾是线性艺术，它在舞台上的运动路线多是线性的，这也符合西方国家的思维方式。这与中国“圆与曲线”的审美标准大相径庭。垂直于地面的身体也是古典芭蕾技巧所必需的，比如旋转技巧。除了全身绷紧，高空投篮，更重要的是颈、背、腰、臀与地面垂直，这样力量才能集中在身体中心线上。只有这样你才能让你的旋转动起来，否则所有的旋转都是不可能的。
6.“轻”是指舞者轻盈自由的动作，如跳跃，加强起跳和落地时身体的控制能力。整个身体看起来很放松，活动自如，尤其是落地时，脚尖、脚掌、脚跟需要依次落地，微微下蹲，就像一只脚上有肉垫的小猫，没有声音。正如前苏联芭蕾舞大师乌兰·罗娃所说，“使舞蹈轻盈的是舞者，轻盈是舞者”。一个优秀的芭蕾舞演员即使在非常疲劳的情况下也能很好地控制自己的身体和呼吸，并始终向观众展示自己优美轻盈的舞姿。给人以美的视觉享受和精神愉悦。
7.“稳”是指动作不仅要准确，还要稳扎稳打。比如芭蕾，二重唱有很多托举的手法，需要演员和女演员无声的切割，才不会让观众觉得女演员要摔倒了，动作交错让观众恐惧的看下去。既然这样，不如去看一场惊心动魄的杂技表演。另外，在做旋转时，要求演员在旋转中保持良好的稳定性。结束时，舞蹈应该准确而稳定地停在一个点上。再加上音乐的渲染，作品的艺术表现力会让观众热烈鼓掌。
8.“开”是指舞者无论男女，都需要肩、胸、跨、膝、踝，五个关节部位对称向外张开，特别是双脚以180度向外展开，最大限度地延伸舞者的身体线条，扩大舞蹈动作的范围，增强表现力，也增强了身体的平衡能力和动作灵活性。美国著名舞蹈评论家珍妮·科恩(Jenny Cohen)指出，“芭蕾的古典风格是以脚的五种姿势为基础的动作。”这五种姿势向外打开的本质是腿在髋关节处向外旋转。演出过程中，在舞台有限的空间里炫耀和宣传贵族风范。”(就像有人说的，一个芭蕾舞者表现出重要性，两个表现出自信，三个是谦虚，四个是骄傲，五个是艺术效果。贵族气度不仅是芭蕾的重要历史体现，也是审美标准的重要组成部分。通过系统科学的训练，身体可以达到非专业舞者无法达到的境界，身体理想化，职业化。
拓展:芭蕾的发展与特征
关于芭蕾，诗人惊呼:“她走在花萼上，却弯不弯茎！”可见舞姿轻盈。法国著名作家特奥菲尔·戈蒂埃(Teofil Gautier)称赞说:“塔里奥尼小姐是唯一能像诗人一样跳舞的梦幻舞者。”文豪雨果还为芭蕾舞演员塔里奥尼的开创性工作题词:“献给你神奇的双脚，献给你神奇的翅膀！”这就是芭蕾的魅力！
“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国。“芭蕾”一词原是“法语”芭蕾的英译，意为“跳舞”或“跳舞”。起初，芭蕾舞在欧洲是一种大众娱乐或广场表演的舞蹈。在发展过程中，它形成了严格的规范和解构的形式。它的主要特点是女演员要穿上特制的尖头鞋，踮起脚尖跳舞。芭蕾舞作为一门综合性的舞台艺术，形成于17世纪的法国宫廷。161年，法国国王路易十四下令在巴黎建立了世界上第一所皇家舞蹈学校，为芭蕾确立了五只基本脚和七只手，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五种基本脚一直沿用至今。
芭蕾是用音乐、舞蹈和哑剧来表演戏剧性的情节。女演员经常踮着脚尖跳舞。含义:
①舞台舞蹈的一种形式，即欧洲古典舞，俗称芭蕾。这是一种具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术，是在欧洲各地民间舞蹈的基础上形成的，几个世纪以来不断加工、丰富和发展。19世纪以后，一个重要的技术特点就是女演员要穿特制的脚尖鞋，用脚尖跳舞，所以有人称之为脚尖舞。
(2)舞剧，原特指以欧洲古典舞为主要表现手段，融合音乐、哑剧、舞台艺术和文学来表现一个故事或一个情感节日的戏剧艺术，称为古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪现代舞出现后，以现代舞和古典舞技法相结合为主要表现手段的现代芭蕾，称为现代芭蕾。渐渐地，芭蕾一词也被用来指代以其他舞蹈为主要表现手段的芭蕾作品，尽管它在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面都不同于古典芭蕾或现代芭蕾。
(3)现代编导创作的舞蹈作品有相当一部分是没有故事内容和情节的。编导们用欧洲古典舞或现代舞，或把它们结合起来，表达某种情绪、意境，或作者对一部音乐作品的理解等。这些也被称为芭蕾。
芭蕾源于古拉丁语ballo。起初，这个词只是指跳舞，或在公共场合表演舞蹈，并没有戏剧表演的意思。芭蕾舞作为一种舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利的盛大宴会和娱乐活动中，形成于17世纪的法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在统一的主题下，结构松散的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵、戏剧的综合表演。由专业舞蹈老师设计，以国王贵族为演员，女性角色由男性扮演。演出场地在皇宫大厅中央，观众在大厅四周观看。演员戴着皮革面具来标志不同的角色，所以也叫假面芭蕾。
1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。65438+黎塞留主教宫剧院在20世纪70年代开始用于芭蕾舞表演。场地和观众观看角度的变化，引起了舞蹈技法和审美观的变化，演员的站姿也越来越开放，从而正式确定了脚的五个基本位置，成为芭蕾技术发展的基础。职业芭蕾舞演员应运而生，并逐渐取代了贵族业余演员。专业芭蕾舞演员也开始登台表演，舞蹈技术发展迅速。芭蕾舞表演逐渐从自娱自乐的社会活动转变为戏剧表演艺术。这一时期的芭蕾舞从属于歌剧，宫廷作曲家J. B .卢瑞在歌剧中加入芭蕾舞场景实际上是一系列舞蹈表演，但情节似乎无关紧要。这时候叫唱芭蕾或者芭蕾歌剧。这种情况一直持续到18世纪中叶。小说，18世纪的芭蕾大师，是芭蕾史上最具影响力的舞蹈革新家。他在1760出版的《舞蹈与舞剧书信》中首次提出了“情节芭蕾”的思想，强调舞蹈不仅是一种身体技能，更是一种戏剧表现和思想交流的工具。小说理论推动了芭蕾的革新浪潮。在他和其他许多演员、导演的不断努力下，芭蕾在内容、主题、音乐、舞蹈技法、服装等方面进行了一系列改革。这些改革最终使芭蕾舞从歌剧中分离出来，形成一门独立的戏剧艺术。
在芭蕾发展史上，有两种主要的美学观点一直在起作用。一种观点认为芭蕾是一种“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈老师、女王喜剧《芭蕾》的导演B.de Beaujoyeulx认为芭蕾是“几个人一起跳舞的几何组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全忽略了芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求高超华丽的技巧。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中占主导地位。另一种观点强调芭蕾是一种“戏剧性的舞蹈”，小说的“情节芭蕾”理论最集中地代表了这一观点。他认为，在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现出戏剧性的内容，“剧情和舞蹈设计要统一，以逻辑清晰、易于理解的故事为中心主题，取消独舞和与剧情无关的舞蹈片段”。在舞剧中，“不仅舞蹈技术令人眼花缭乱，还要通过戏剧化的表演来感动观众”。以上两个主要观点今天仍然有效。许多导演致力于创作戏剧性或情节性的芭蕾作品，而有些导演热衷于没有情节剧的芭蕾，注重形式美。两部作品中的优秀剧目都为观众所欣赏，经常作为保留剧目上演。20世纪以来，各种文学思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多风格各异的作品。
编舞是创作一部芭蕾舞作品的关键人物。他根据文学剧本(或者一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思芭蕾结构或者舞蹈结构，然后演员再去体现。编舞和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾词汇)——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表达特定内容或情感的能力。编导要知道自己擅长什么，不能表达什么；另一方面，演员应该训练有素，能够适应并创造性地体现编舞的想法。只有具备了这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾的结构形式有:独舞、二人转、三人舞、四人舞、群舞等。古典舞、个性舞(舞台民族舞、民间舞)、现代舞等。根据以上形式，多幕芭蕾(分分合合，如《天鹅湖》)、单幕芭蕾(如《仙女》)和芭蕾小品(如芭蕾舞剧的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和风格化，影响和制约了芭蕾的发展。在20世纪导演创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程序都被大大突破，新的探索和创作不断涌现。