古典钢琴音乐的特征
情感。这一时期的钢琴音乐是理性与情感的高度统一；深刻的思想内容和完美的艺术形式的高度统一。这是真诚的。
我们的感情，朴实的语言，理性的步伐给我们留下了深刻的印象。
首先，在美学思想方面
(一)博爱理想下的世界主义思想
启蒙运动爆发于18世纪。众所周知，启蒙运动关于思考是对的。
该领域的进展起到了决定性的推动作用。启蒙思想之主
题目是“平等、自由、博爱”。它激励人们反对封建传统。
想被宗教束缚，主张思想自由和个性发展。博爱的原则
我想是希望全人类成为彼此的兄弟姐妹。这个理想就是快。
在整个欧洲，许多统治者不仅赞助和保护艺术和文学，而且
也热衷于社会进步。如诗人歌德和作曲家莫扎特。
《魔笛》、施莱尔的《欢乐颂》和贝多芬的《第九交响曲》，
是慈善事业的成果。
博爱的广泛传播自然带来了世界主义，18。
纪是世界主义的时代，国与国之间的差异是人类共有的。
与人性相比，被极度鄙视。1952年，昆西在柏林尝试创作。
一种理想的音乐——能够汇集人类各民族音乐特点的音乐，“一”
这种理想的音乐不应该只被一个民族理解和接受，而应该被很多人理解和接受。
为所有民族所共有，它必须建立在理性和情感表达的基础上，它是超越一切的。
辩论的杰作。”在1785中，卡本农说，“今天欧洲只有一种语言。
是我们大陆的通用语言——只能是音乐。“音乐打破了游戏。
受领域限制，它已经成为一种世界语言。
(二)崇尚自然、朴素、激情、理性的美学理论。
想
18世纪上半叶，文艺复兴时期提倡“启蒙运动”。
人本主义反对神权政治(即以人为本，特别是个人利益)
怀化学院学报第29卷第3期1291No13
华华大学学报2000年3月2010
利益、价值观和尊严为出发点)，并进一步提出了反对意见。
君权口号提倡回归自然，提倡人类理性思考，西方音乐。
从此由巴洛克时期转向古典时期。“回归自然”将带领人民。
到一个简单的思想境界。作曲家被要求在写作时尽可能地删除。
经过修改和繁琐的过程，我回到了一个自然和简单的状态。
讲清楚，通俗易懂。这一时期的钢琴曲在内容上被采用。
人文主义取代了宗教，“人”取代了上帝成为作品的主角。
音乐尊重人的理性，很多作曲家的才华和个性都得到了自由的展现。
现在。音乐作品开始追求客观美，摆脱了教堂里的神和宫殿。
朝廷对君主的依附，重在刻画自然中的人。音乐家对此很感兴趣
对客观美的追求不是任意的，也不是个人主观的表达。
相反，他们以理性的方式表达了他们对平等、博爱和自由的财富。
对资产阶级理想的追求和强烈的自信精神。但这种合理性是不一样的。
与中世纪的禁欲主义相比，它是一种情感的理性控制和理性分裂。
分析，但同时，这种理性又充满激情。尤其是贝多芬的作品
产品，洋溢着和火一样的热情，显示出“第三等级”，市民阶层。
情感世界特有的博爱精神和民主意识。[2]如贝多芬的《热》
《爱情》、《悲怆》等奏鸣曲都表现出一种崇高的情感。
第二，在创作原则上:“适当比例”和自然平衡原则。
18世纪下半叶欧洲发生了巨大的变化，无论是思想上还是政治上。
改变。当时的启蒙运动提出反对君权和封建君王。
权利的口号提倡回归自然，顺应人性，提倡人类理性思考。
在这种资产阶级启蒙精神的影响下，所有的创作都相信一种
“适当比例”和自然平衡的原则，也就是没有什么稀奇古怪，标新立异，
而是遵循规范的原则。[1]试图突破宗教、历史、法庭的限制，
达到“回归自然”的和谐境界。所以，作曲家在思考音乐。
在写作时，我们基本上遵循这个理念，比如让听众清楚音乐。
台词调性之间的平衡，段落之间的平衡等等。
第三，在创作技法上有以下特点。
(一)旋律清晰和谐的主旋律音乐。
在欧洲18世纪下半叶，人们对资产阶级启蒙精神的影响。
发生了巨大的变化:新市民阶层要求艺术作品的体裁有所突破。
宗教、历史和法庭的局限性，来表现日常生活事件和普通人。
感情，并要求艺术表达要通俗易懂。在风格上，人们刻意
反对过于严肃的巴洛克音乐，倾向于轻松愉快。
音乐。在崇尚自然、朴素、激情和理性的审美理想中
在指引下，清晰的旋律从多声部的复调形式中解放出来:
过去不分主次，几条旋律线同时并行的复音织体，改为
以旋律线为主体，其他声部为陪衬的主旋律织体；不断地过去
模仿一个主题核心的复调结构，改得工整均匀，句读清晰。
的主旋律结构；过去繁复装饰的复调风格一改。
这是一种简洁明了的风格。[3]这种旋律型的音乐大多是旋律型的。
清晰，虽然偶尔会有较重的和声进行(如贝多芬的第16号
奏鸣曲)。但在和声中，我们仍然可以找到突出的旋律高音。
同时，这一时期的旋律有一个小特点，就是居多
它是以和声的形式，即旋律的进展包含在功能和弦中。比如贝多芬
F小调奏鸣曲的1、3、9等小节用的是正三和。
弦乐，如莫扎特K457第一乐章1，5，K330第五乐章、
第6、9、10节也使用有重复音的规则三和弦。
(二)明确的功能性和谐语言
大小在古典时期的体现已经确立，功能与和谐的体系也已经完成。
天啊。当时的和声主要是“主-从-属-主”的方向
伴奏，很有规律，很少用和弦外音。和谐的进程与脚步
方向也很明确，作曲家在考虑和声的时候也大多遵循。
“自然平衡原则”的基本概念有一种和谐的平衡感，它给
让听众清楚地感受到音乐是如何工作的。当时最常见的和声织体
形式是块和弦和“阿尔贝蒂低音”。这样
和声编曲让旋律突出，大大简化，很不一般。
符合启蒙运动中“回归自然”的思潮。和声功能系统的成熟使得
和声成为旋律最好的背景。
(3)平衡和规则的结构
这种“适当的比例”和自然平衡的原则也体现在结构段上。
摔倒。不同于巴洛克时期的复调音乐，古典时期的音乐
结构更加方正均衡。大多数古典音乐是基于
论“4+4”的短语结构。即四小节为一句，第二个乐句也是如此。
四小节的平行乐句，八小节为一个段落(如莫扎特K282)
一个乐章，贝多芬的《F小调第二十三奏鸣曲》)。当然也有少数。
是“8+8”的短语结构。这些都是很方的，而且两边
整个乐句构成的对比是“单二部曲式”(AB)；以后再补充。
现在，是“单身三部曲”(ABA)。如果每个部分本身被放大。
是简单的三部曲”(A (aba)+B+A' (aba)')，意思是复杂。
三部曲。当然，杆的数量不是固定的，可以增加或减少。[3 ]
比如贝多芬的F小调奏鸣曲(作品2，1)第一乐章的主体部分是8。
+12的结构，其中第二个短语12是8小节的展开。虽然有
小节数略有滑动，但不妨碍音乐整体结构的平衡。
音阶和琶音线的语法
这一时期的另一大特点是音阶的频繁使用和琶音的变化。
作为旋律或句子。音阶和琶音成为旋律的一部分，许多
旋律的衔接和调式的转换也是通过音阶来过渡的。比如莫扎特
K330路段12、14；贝多芬第八奏鸣曲第四节10；第七
索纳塔98-113；奏鸣曲30-45等。在16日是丰富的。
我们使用音阶(或半音音阶)和快速运转的句子，以变化的琶音作为声音。
音乐的过渡。使旋律衔接自然流畅。
(五)古典奏鸣曲式以“对比原则”为主导，称。
“会说话”的原则成为快板运动中演唱的表演要求。
古典时期器乐的显著成就是它的完美。
引入了一些大型的器乐形式:独奏奏鸣曲、室内乐、协奏曲和交响乐。
响亮的音乐等。但是在钢琴领域，最重要的还是奏鸣曲。奏鸣曲课程
海顿、莫扎特、贝多芬的改进不断完善，成为应用。
最受欢迎的形式之一。奏鸣曲式在音乐表现上的主要特点如下
有两个对比鲜明的主题，以及由此引发的展开，最后必然有主。
宋·严斌第29卷第3期:《理智与情感的碰撞》113
问题的再现。对比和展开大大增加了音乐的表现力。这种
对比原理间接来源于喜歌剧。
18世纪20年代，意大利形成了一种新的歌剧形式。
嗨歌剧。这种形式的歌剧旨在用幽默来取悦观众，
以幽默的形式表演。因为它的大众化趋势，很快在欧洲流行起来。
大陆扩张了。这一时期的钢琴音乐风格深受这种歌剧的影响。
戒指。作曲家们意识到钢琴不仅应该塑造自然的声音形象，
还要模仿戏曲中人物的唱腔和说话，尤其是模仿普通人。
动情的说和唱。[4]旋律的演唱和朗诵产生了，由
这两种旋律的性质是相反的，所以“对比原则”和
“说话原则”。即在旋律和结构素材上既有对比又有配对。
词，从而使音乐更加饱满、生动、有趣。这个“对比原则”如下
随着奏鸣曲形式的完善，更加清晰。“说话原则”在莫扎特那里，
海顿作品的旋律特别突出，但在贝多芬作品中却不真实。
变成了内心感受的“倾诉”，而不是旋律语言的“倾诉”。甲壳类动物
德芙的旋律大部分不适合合唱，作品中的大部分情感都在他的内心和情感里。
有明显的对比，类似于一场心灵对话，把“说话原则”摆到桌面上。
现在更多的是内部的。
第四，钢琴演奏风格的特点
(一)标志清晰、稳定、对称的速度
因为信仰“适当的比例”和自然平衡的原则，及其所有
平衡的结构，所以音乐的速度应该是对称的。古典时期的演奏速度
与巴洛克时期相比，程度有了很大的提高，这也是旋律音乐发展的必然。
结果。速度标记也出现了，每一个速度变化都被记录下来。诸如
贝多芬的第十七奏鸣曲有不同的速度变调，但在变调之前，都是
有清晰的速度标记。速度开始向两端扩展，贝多芬的更快。
板运动比海顿和莫扎特快得多，一般在一分钟120-126之间。
之间；富于表现力的慢板乐章往往较慢。[5]但目前总的趋势是
势，但快乐章不要弹得太快，慢动作也不要弹得太慢。经典的
音乐中也有自由的节奏和华彩乐段。这些地方都是免费玩的，我
学生应该非常小心地使用节奏修改方法，如逐渐加快，放慢和延长自由，但
永远不要演奏浪漫的音乐。古典主义只能在很小的范围内使用
让节奏在尺度内灵活变化，以恰当有限的维度掌握是非。
往往是主要的。总之，演奏古典作品的速度应该是定量的，在整体上
世界应该以相同的、稳定的、对称的速度运行，不能快也不能慢，不行
要逐步加强，减速，充分保持统一速度，不要夸大。
不要过分，不要弄巧成拙[4 ]
(2)完全和受控的强度
当时几乎所有的作品都是在“对比”的原则下进行的
数量上充满了对比，比如贝多芬第十一奏鸣曲第一乐章，有14。
p，11 pp，4 fp，17 f，61 sf，13 ff，包括
很多渐强渐弱等。，那么多的力度变化，让音乐变得不正常。
丰满，但这种丰满不是现代概念中的丰满，而是被控制的。
是的。
这种控制是基于当时的制琴技术。在古典主义之前
他们中的一些人仍然使用大键琴或翼琴，直到1709年才产生了第一件现代乐器。
钢琴意义上，音量和音域都有所扩大，但是因为当时的钢琴制作。
条件有限，它的力度比现代钢琴低了整整一个级别，比如古典时代。
时期ff等于现代钢琴f，p等于现代pp等等。所以它正在播放
弹古典作品就是要控制pppp和f之间的强弱所以那就是
在演奏最壮丽的贝多芬奏鸣曲时，我们不得不保留它，这就是
这样才能还原作曲家真正给出的音响效果。此外，我们还得分区。
其他作品的年代，分清哪些是为大键琴或翼琴而作，哪些是为。
为了钢琴。大键琴或翼琴作品的音量要控制得轻一些，不要改变。
应该是太多了，而钢琴作品应该提高音量，但不是。
播放声音太大，声音不要持续太久等。总之，考虑到时间
钢琴特点，我们在演奏古典音乐的时候，不仅要鲜明，而且要恰到好处。
时，切忌过度，切忌夸张。把握风格界限和分寸感，不
放得太大声了。
(3)发展趋势是“指手画脚”和玩身体。
播放方法
说到这一时期的钢琴演奏方法，我们不得不回到它。
巴洛克时期巴赫的触键——沃克尔曾记载:“巴赫的手指。
方法几乎是随意和轻微的动作，不管这个句子有多难。
就是用那种自然的手型，手不离开键盘，只弹第一个关节。
动，就算弹颤音，也只是一个手指的颤抖，还有他的手指
只是轻微抖动。身体的其余部分完全不动。"
正是这种只用手指动作的演奏，奠定了古典钢琴演奏法的基础。
基础。这种弹法就是用指尖去触键。重量玩法产生后，是
统称为“指力派”，这也是古典主义时期的独特风格。[6]丹万
一切都不一样了，因为钢琴制造业的发展，钢琴
质感变了，出现了响亮的锤琴，不仅响亮而且
不能用手指，必须用身体配合，在莫扎特的夜晚。
时期，海顿的最后五首奏鸣曲，以及贝多芬之后的第七奏鸣曲。
钢琴作品都是用身体姿势来演奏的，这就成了浪漫主义。
先锋。
总之，古典时期键盘音乐的特点可以简单概括。
是:理智与情感的高度统一；深刻的思想内容和完美的艺术
形式上的高度统一。在创作技法上，他继承了欧洲传统的复调和主题。
音乐成就，并确立了现代奏鸣曲式的结构、体裁和形式。
它突破了传统的束缚，重构了新的钢琴曲，创造了钢铁。
秦艺术史上光辉的一页。