爵士乐是什么音乐？

爵士乐

摘要

在不到一个世纪的时间里，这种被称为爵士乐的具有明显美国特色的音乐，从默默无闻的民间音乐发展成为美国产生的最重要的艺术类型。如今，它几乎在世界的每一个角落都能听到和播放。爵士乐以各种形式呈现出繁荣的景象，从根布鲁斯和拉格泰姆，通过新奥尔良爵士乐到迪克西兰爵士乐，摇摆乐，主流爵士乐，比波普，现代爵士乐到自由爵士乐和电子爵士乐。令人惊奇的不是爵士乐以如此多的形式出现，而是它的每一种形式都非常重要，并且一直保持着自己的特色和独特魅力。想要欣赏各种爵士，体验各种乐趣，就得有开放的态度，包容，倾听。

追踪源头

爵士乐是由民歌发展而来的，它的来源很多，所以要仔细研究它并不容易。在19世纪期间，音乐是美国南部种植园黑人奴隶表达生活和情感的重要手段。从19年底开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，融合了布鲁斯、拉格泰姆等音乐类型，是“混血”的产物。美国黑人音乐保留了很多非洲特色，节奏特征明显，保留了集体即兴的特点。这一传统与新住宅的音乐(主要是声乐)相结合，不仅产生了一种新的声音，而且产生了一种全新的音乐表达方式。

最著名的非裔美国人音乐是宗教音乐。这些优美动人的歌曲白人也听，但比农村黑人教堂唱的更时尚。今天人们所知道的福音音乐更准确地反映了早期非洲裔美国人的情感力量和旋律感，而不是20世纪头十年Fisk Jubilee歌手音乐的宗教传承。

其他早期的音乐形式，包括可以追溯到奴隶制时代的劳动歌曲、童谣和舞曲，都成为重要的音乐遗产，尤其是考虑到在当时的制度下，音乐活动受到严重限制。

发展历史

布鲁斯的诞生

奴隶制废除，奴隶解放后，非裔美国人的音乐迅速发展。军乐队废弃的乐器和新近获得的迁徙自由构成了爵士乐的基础:铜管音乐、舞曲和布鲁斯。

作为一种音乐形式，蓝调看似简单，但实际上几乎可以无限变化。它一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，并且成功地保持了自己的独立存在。可以说，没有布鲁斯就没有今天的摇滚乐。简单说明一下一般蓝调的特点:以八、十二小节为一节的音乐组成，歌词紧凑。其“忧郁(蓝)”特征的原因是音阶中的“咪”音和“斯”音降低了一个半音。事实上，布鲁斯是一种与宗教音乐相对应的世俗音乐形式。

铜管乐队和拉格泰姆

到了20世纪80年代末，美国大多数南方城市都出现了黑铜管乐队、舞蹈乐队和音乐会乐队。同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧洲风格。在这一时期，拉格泰姆音乐开始成形。虽然拉格泰姆音乐主要在钢琴上演奏，但一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大概是1898到1908，但是它的时间跨度其实非常大，影响也是无穷无尽的。最近又被发现了。新的“拉格泰姆”的特点是迷人的旋律和大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎消失了。拉格泰姆与早期爵士乐关系密切，但可以肯定的是拉格泰姆的节奏相对稳定。

拉格泰姆音乐最著名的作曲家是斯科特·乔普林(1868-1917)。其他著名的拉格泰姆大师还有詹姆斯·斯科特、路易·肖文克·尤比布莱克(1883-1983)、约瑟夫·兰姆等。后者虽然是白人，但他充分吸收了这种音乐形式的内涵。

进入爵士乐时代

拉格泰姆音乐，尤其是淡化爵士乐的流行风格，是针对中产阶级的，不为正统音乐人所喜欢。爵士乐最早出现在19世纪末，但当时还不叫“爵士”。它最初叫Jass，最早出现在美国南部城市的黑人工人居住区。像拉格泰姆音乐一样，爵士乐最初是作为舞曲出现的。第一个成为早期爵士乐代名词的城市是新奥尔良，这有几分真实，但也有几分夸张。

新奥尔良:爵士乐的摇篮

新奥尔良在爵士乐的诞生和发展中起到了关键作用。在这里，爵士乐的早期历史被研究和记录得比其他地方更深入。在1895到1917期间，新奥尔良的爵士乐可能比其他地方更多更好，但这并不意味着新奥尔良是唯一产生爵士乐的地方。每一个有相当数量黑人的美国南方城市所产生的音乐，都应该算是一种早期的爵士乐。比如孟菲斯出现了布鲁斯作曲家、收藏家w . c . Handy(1873-1958)。其他城市包括亚特兰大和巴尔的摩。

在当时，新奥尔良因其非常开放自由的社会氛围而脱颖而出。不同信仰和种族的人可以互相交流，所以在这种容易交流的环境中有丰富的音乐传统，包括法语、西班牙语、爱尔兰语和非洲语。这样，新奥尔良成为爵士乐的沃土也就不足为奇了。

如果说新奥尔良是爵士乐诞生地的说法有些夸张，但仍然是真的，那么说爵士乐诞生在红灯区完全是无稽之谈。虽然新奥尔良确实使卖淫合法化，并因此产生了几个美国最精致、最有品位的“运动馆”，但这些地方演奏的音乐，如果有的话，也只是钢琴独奏。事实上，人们第一次听到爵士乐是在一个完全不同的地方。

当时，新奥尔良有许多社团和兄弟会组织，这很引人注目。他们中的大多数人资助或雇佣了一支乐队在不同的场合演奏，如室内或室外舞会、野餐、商店开业典礼、生日或周年派对。当然，演奏爵士乐也是送葬队伍的一个特色，今天依然如此。按照传统，乐队在教堂门口集合，演奏庄严的进行曲和悲伤的赞美诗，带领送葬队伍缓缓走向墓地。回来的路上，人们的脚步加快了，轻快的进行曲和拉格泰姆舞曲取代了挽歌。这种游行总是吸引许多人观看，在爵士乐的发展中具有重要意义。正是在这个时候，小号手和单簧管手展现了他们的创作才华，鼓手也打出了有节奏的节拍，这成为了使节拍“摇摆”的基础。一般来说，爵士乐是两拍，每小节两拍或四拍。这种双拍子的节奏背景始终存在于低音中，使得爵士乐有了稳定规则的节奏基础。在有节奏的低音上方，有旋律、和声、对位等重音位置不规则的声部，它们的切分音效果与规则的低音声部形成鲜明对比。

艺术特色

在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人民歌、流行歌曲中吸收的元素外，最有特色的就是“布鲁斯音阶”(关于布鲁斯的部分我们会介绍这个音阶的结构)，爵士乐和声可以说是完全建立在传统和声的基础上，但是使用各种变化和弦更加自由，主要的区别也是布鲁斯和弦带来的。

爵士乐在乐器和演奏方法上非常有特色，与传统乐队完全不同。自“爵士时代”以来，萨克斯已成为最畅销的乐器之一。长号能演奏出其他铜管乐器所不能的滑稽或怪诞的滑音，因此在爵士乐队中引起轰动；小号也是爵士乐手最喜欢的乐器。这种乐器结合不同的静音和最高音域的几个音符所产生的新颖音色几乎成为了爵士乐独有的音色特征。钢琴、班卓琴、吉他以及后来的电吉他以其强大的打击乐音和弹奏和弦的能力占据了重要地位。相反，传统乐队中最重要的弦乐器(小提琴、中提琴、大提琴)起着相对次要的作用；法国号丰富的音色在乐团里很有魅力，但对于爵士乐队来说，它的气质太温驯了，几乎没人用。在管弦乐队中，每件乐器都试图在音调和音量控制上融入整体的声音，但在爵士乐队中，恰恰相反，音乐家们尽力让每件乐器“立起来”。

乐队的组织非常灵活，最基础的部分是两个部分——节奏组和旋律组。在早期的爵士乐队中，节奏组由贝斯、班卓琴和鼓组成。后来贝司和班卓琴逐渐被贝司和吉他取代，钢琴也加入进来。20世纪30年代，出现了一支舞蹈乐队，当时被称为“大乐队”。它由三部分组成:节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是贝斯、吉他、钢琴和鼓；铜管组常见的编制是三个小号和两个长号，但这个数字是不固定的；木管乐队通常由四五个萨克斯管组成，每个人都演奏单簧管或其他木管乐器。如果编曲是五个萨克斯，一般是两个中音，两个男高音，一个中音。还有一个商业乐队(有时称为“甜蜜”和“酒店”等。)，类似于“大乐队”，但萨克斯往往全是中音，木管组会更多使用其他乐器(如长笛和双簧管)，有时会配三四把小提琴。这种乐队的声音经常可以在商业录音带中听到。

与传统音乐相比，爵士乐的另一大特点是它的发音方法和音色，这足以让人永远不会将它们与任何传统音乐的音色相混淆，无论是乐器还是人声。这些特色大多来自用乐器或声音模仿非裔美国人的民歌。如果我们有机会去听真正的黑场歌，灵魂歌，就会发现从粗到细，从闷到响，从刺耳到柔和，从野蛮到抒情的巨大变化，是那么的有特色，那么的感人。在爵士乐中，更有非歌唱的怒吼、叫喊和呻吟，突出了这种感觉。此外，特殊的演奏和演唱技巧也是产生特殊效果的重要手段。在这些技巧中，颤音是最常用的，它不同于传统的概念。我们知道，所谓颤音是由音高的规律性变化引起的(有时也可能是力度)；例如，在小提琴上揉弦就利用了这种变化来产生一种充满活力的声音效果。在爵士乐中，颤音变化，变化的方向一般是由窄到宽，速度由慢到快，在一个音符的末尾附近往往加大颤音的幅度和速度，进一步加强了这种技法的表现力。同时，在一个音符的开始，爵士乐手会从下往上滑到预定的音高，结束时又会从原来的音高滑下来。这些变化都是音乐无法详细记录的。有经验的爵士音乐家都掌握了这种方法，尤其是这个概念，他们可以根据不同的旋律或伴奏模式来“创造”这些效果。因此，可以说爵士乐是作曲家和音乐家共同创造的，因为有即兴创作的传统和个人技巧的发挥。受过传统教育的音乐家很难演奏爵士乐，因为他们没有培养出这样一种特殊的音乐观念。如果我们仔细比较一下真正的民谣歌手和受过正规训练的歌手唱同一首民谣的区别，我们就会对这个意义有一个更直观的概念。

爵士乐自诞生以来，吸引了很多复员的作曲家。1920年，美国指挥家保罗·惠特曼组织了一支著名的乐队，并将改编的爵士乐作品带入音乐厅。这一新趋势引起了许多“严肃”爵士乐爱好者的激烈反对。然而从那以后，爵士乐在美国和欧洲变得家喻户晓，受到了广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》就是在这个时候诞生的，怀特曼乐队的作曲家格罗菲就是为这部作品编曲的作曲家。根据手稿中的记载，这部作品的写作只用了三个星期，而且几乎是在演出后立即引起了轰动。欧洲作曲家也有很多以爵士乐为基础或受其影响的作品，如德彪西的钢琴曲《丑黑步态舞》(1908)、《吟游诗人》(1910)、《古怪将军拉维娜》(1910)；拉威尔小提琴奏鸣曲中的慢动作(布鲁斯)；斯特拉文斯基用11独奏乐器的《Regetime》(1919)、《士兵的故事》(1918)和《布莱克伍德协奏曲》；欣德米特第一室内乐(作品24，无调性)和钢琴组曲(1922)。

介绍的三步理论

在当代中国，广大音乐人有很大的自由去欣赏自己感兴趣的音乐，而爵士乐无疑成为越来越多音乐人关注、喜爱甚至痴迷的一大音乐门类。与古典音乐相比，爵士乐与生俱来的平民血统使其更加贴近普通大众，即使是开汽车卖纸浆的人也能与之亲近，在酒吧和餐馆里随处可见它的声音。与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士乐似乎有着更深刻的情感和更深刻的表达方式，它有着自己醉人的美。比古典音乐“俗”，比流行音乐“雅”——爵士这种雅俗共赏、雅俗共赏的“中间”特征，很容易接触到包括众多古典和流行乐迷在内的广大听众。在当代中国，爵士乐欣赏方兴未艾。

说实话，我越听爵士越觉得自己无知浅薄——爵士活了百年，流派众多，名家无数，作品辉煌，几十年也听不完一辈子！爵士乐是不折不扣的音乐宝库，其内容之丰富，流派之繁荣，真的是数不胜数。

正因为爵士乐浩瀚如海，所以初接触爵士乐，尚未入门的读者，一定要找到合适的方法，从重要的点入手，才能最终走进房间，一窥其奥妙。

第一步，广泛倾听

学过外语的朋友都知道什么是“泛听”。我借用了“泛听”这个词，意思是朋友刚接触爵士乐时，可以完全分散精神和注意力。他们可以一边做其他事情一边听爵士乐，欣赏其中的情感、精神和表面特征(如编曲、节奏特征、音阶特征等。)包含在作品里一点点，所以他们不认真关注也能得到一点点收入。

在“泛听”的内容选择方面，宜选用那些创作、编曲、演绎较为传统的爵士名曲，尤其是那些被称为“标准曲”的经典作品，最好选用大师们的演绎版本。这些作品能让初学者相当真实、生动地感受到爵士乐区别于其他种类音乐的内在节奏与和声特征。朋友们可以请身边的老爵士迷和唱片收藏者推荐一些经典的唱片，供自己享受“泛听”。

第二步，泛读

“泛听”可以让朋友对爵士音乐有一个大致直观的了解和感知，“泛听”之后一定要“泛读”！朋友可以阅读所有你能找到的，对爵士乐历史、分类、名家、代表作等方面有真知灼见的书籍和文本(包括网络上的)，不追求深入研究，只要有一定程度的了解和掌握，覆盖面越广越好。

当然，“博览群书”并不是建议你去看书，因为国内的爵士鉴赏书籍种类繁多，但确实良莠不齐，质量参差不齐。如果你想读它们，你必须选择它们。如果你身边有经验丰富的爵士迷可以给你推荐相关的书籍和文章就更好了，让你少走很多弯路。在阅读相关书籍和文章时，应尽量寻找著名名曲的经典录音，使你从文本中读到的信息与你从录音中听到的音乐信息联系起来，从而对爵士乐知识从感性到理性、从理性到感性的各个方面有一个初步的了解。

第三步:仔细听

经过广泛的听和读，你应该对爵士乐的各个方面有一个大致粗略的理性认识和感性认知，而要想“进得去”，真正入门，就必须继续下一步，也就是“精听”。

与“泛听”的“心不在焉”、走神、浅尝辄止不同，“精听”必须是专注、专注、深思！这时候朋友们要更有针对性的找一些精彩的爵士录音，仔细听，分析一些细节，包括曲式、编曲特点、节奏和声特点、爵士特色技巧(如SCAT拟声词、切分音、翻拍、即兴创作等。)、爵士特色乐器(如电颤琴和电风琴，以及低音提琴、萨克斯等乐器的大量使用)等等。在选择录音时，以大师的名义进行录音当然是合适的，不仅要听著名的专辑，还要听那些精心编制的“什锦”唱片。考虑到爵士乐最大的生命力在于现场表演时的自由即兴，朋友们也可以多选择一些著名艺术家的现场录音来听，听听即兴的辉煌，听听音乐家独奏和合奏的细节，听听从主题传承到即兴创作的过程。在这种选择性的听力中，朋友当然可以辅以大量的文本阅读来帮助自己提高理解能力。

经过以上爵士乐入门的三个步骤，相信你对爵士乐已经有了一定的了解和掌握，并且在欣赏爵士乐的实践中形成了自己独特的方法。到这个时候，你就可以让自己自由了，不分体裁，不分类型，可以广泛的去听，可以随心所欲的去读，去学。这样，你不仅会“走进课堂”，还会获得更多的经验！

种类

布鲁斯布鲁斯音乐是为了表达歌手的个人情感而创作的。顾名思义，这种音乐听起来很蓝。这种用歌曲直接表达自己内心想法的方式，与当时白人社会的音乐完全不同。布鲁斯音乐最重要的作曲家是W. C .汉迪，他是“布鲁斯之父”, 1873年出生于阿拉巴马州。他创作了许多著名的蓝调音乐，如圣路易斯蓝调、黄狗蓝调、哈加斯阿姨蓝调、孟菲斯蓝调、比厄街蓝调等。

拉格泰姆(Ragtime)是一种早期的爵士音乐，采用黑人旋律，融合了切分音、循环主题和扭曲的乐句。它在第一次世界大战前后很流行。它起源于圣路易斯和新奥尔良，后来流行于美国南部和中西部，影响了新奥尔良传统爵士乐的独奏和即兴风格。复调节拍后来发展成为流行音乐、进行曲、华尔兹等流行舞蹈的结合体，于是复调节拍的歌曲和乐器管弦乐队编制的曲目相继出现，不仅受到黑人音乐家和乐迷的欢迎，也为美国白人中产阶级所接受。

新奥尔良的传统爵士乐像美国一样复杂多样，是一个民族文化的大熔炉。包括布鲁斯、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗、破布等调性元素，复杂节拍的计数点、切分音等主观音乐创作是驱动力。新奥尔良的传统爵士乐队以小团体为主，演奏主旋律的乐器有:短号、黑笛、萨克斯和伸缩号；伴奏乐器有:大号、班卓琴、贝斯(通常以弹拨为主)、小提琴、鼓和钢琴。他们经常同时演奏几首曲子，营造出一种活泼愉快的气氛。

Odjb(原迪克西兰爵士乐队)这是历史上第一支在1917录制爵士唱片的白人五重奏乐队。它的五个原始成员亨利·拉格斯出生在新奥尔良:尼克·拉罗卡(***，短号)，拉里·谢德(单簧管)，埃迪·爱德华兹(伸缩喇叭)和托尼·斯巴尔巴尔。ODJB在芝加哥逐渐崛起，然后搬到了纽约，在纽约引起了轰动。然而，这种缺乏创意、只迎合大众口味的音乐风格很快受到了新一代天才爵士音乐家的挑战，并在20世纪20年代中期被解散，进入了爵士乐的历史。

迪克西兰爵士乐是新奥尔良和芝加哥的爵士乐专家在1917-1923时期发展起来的一种早期爵士乐风格，也是新奥尔良传统爵士乐的一个分支。迪克西兰的英文原意是“迪克西的土地”，所以可想而知与进行曲等音乐有关。这种风格的素材大多来源于布鲁斯、进行曲、当时的流行音乐，甚至是一段音乐的一小段，都可以拿来延伸推广，这就是对即兴创作的滥用。一些爵士乐历史学家称由“白人”音乐家演奏的“新奥尔良传统爵士乐”为迪克西兰爵士乐。黑人演奏的“新奥尔良传统爵士乐”被称为新奥尔良传统爵士乐。

大乐队(Big Band)大乐队时代起源于20世纪20年代中后期，爵士乐风格以杜克林顿、贝西伯爵、本尼·古德曼等人为主。它不仅在20世纪30年代中期的摇摆时期，40年代中期的咆哮音乐，50年代的酷爵士和改进的咆哮音乐，60年代和70年代的自由爵士乐中蓬勃发展。大乐团的编制一般在10人以上，涵盖3个以上小音箱，2个以上伸缩音箱，4个以上萨克斯以及贝斯、吉他、鼓、钢琴等伴奏乐器。通过这个庞大的组织，各种爵士乐风格被演奏出来。

摇摆乐起源于1930左右，在1935-1946期间达到顶峰，其中以“摇摆乐之王”本尼·古德曼塞科特为最佳代表。20世纪20年代中后期，爵士乐队在美国各大城市的夜总会、舞厅等场所非常流行。许多年轻的乐迷被吸引到这里来玩，所以需要更多适合跳舞的音乐来满足年轻人和中产阶级。摇摆乐后来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步演变成了歌舞表演的伴奏乐队和音乐会音乐(比如艾灵顿公爵每年定期在卡耐基音乐厅演出)；摇摆乐也叫“四拍爵士乐”，因为它适合跳舞，每个小节有四拍。