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达尔克罗兹音乐教育体系；
达尔克罗兹生平简介:
原名:尼尔·雅克·达尔克罗兹。
瑞士音乐家和教育家出生于奥地利维也纳。生于7月6日1865，死于7月6日1950。
达尔克罗兹的生命线:
达尔克罗兹音乐学习阶段(1865-1889)
出生于1865，父亲是手表销售员，母亲是音乐老师。1871岁开始学琴。1872岁开始写进行曲。1875岁的时候，我搬回了日内瓦。1881岁，16岁，进入一所中学读两年大学预科，期间在日内瓦音乐学院学习钢琴和作曲。
1883，18岁，进入日内瓦大学，1884，19岁，来到巴黎学习戏剧，在法国剧院工作，同时学习音乐，1886，21岁，受邀到北非阿尔及尔，有机会接触阿拉伯音乐。22岁时，1887随父亲去了维也纳，通过了严格的考试，进入安东·布鲁克纳的作曲班。24岁1889考入巴黎音乐学院，进入福莱作曲班，师从著名作曲家德雷布。
达尔克罗兹的音乐教育阶段；
1892，27岁，完成学业后回到日内瓦音乐学院工作，教授音乐史、和声、高级视唱练耳等课程，也从事了大量的音乐创作活动。
28岁，1893出版了自己的第一张歌集，很多歌曲立刻被广泛传唱。
29岁1894出版视唱练耳教材《用音高练习》。
35岁时，1900提出了新的理论，后来演变为“身体节律教学法”。
1902 37岁，被迫辞职在日内瓦音乐学院。
40岁时，1905在瑞士音乐家协会的会议上第一次展示了她的教改成果。
1906岁41，出版了五部《达尔克罗兹身体节奏教学法》。
1910 45岁时，他的事业达到了顶峰，他在赫雷劳建立了达尔克罗泽系统研究所。
从1910到1914，在德国、伦敦、巴黎、维也纳、纽约建立了身体律动学校。
1914年8月，49岁，因世界大战爆发而中断。回到日内瓦，第二年，达尔克罗兹学院在日内瓦成立。
1919——1930出版了多部身体节奏音乐教学、节奏、音乐与教育、身体节奏艺术与教育方面的书籍。
1950 85岁，卒于日内瓦。
1965 100岁时，瑞士人举行活动纪念达尔克罗兹诞生100周年，并建立了达尔克罗兹纪念馆。
达尔克罗兹的教育体系:
从视唱练耳教学改革开始，经过长时间的探索和对“身体节奏”理论基础的构建，以即兴教学的引入为标志，建立了一个完整的新的音乐教育体系。(视唱练耳、身体律动、即兴教学)
身体节奏不同于艺术体操和舞蹈。他基本上服从音乐的指引。他以自己的身体为乐器，通过肢体动作体验音乐节奏的速度、力度、持续时间的变化，然后将表达音乐所必须的元素“融化”到我们的身心中，发展声音节奏和身体节奏的通感，能够用我们的感官直接反映情绪，从而训练学生通过听觉获得轻松和谐的节奏感。
既然身体节奏是一种感受和再现所听到的音乐的身体运动，那么身体自然就变成了一种乐器:
音高-手势(或身体)在空间中的方向和位置。
声音强度-运动的强度(肌肉)
音色-身体不同部位的表现
时间价值-行动的延续
暂停-暂停
旋律-每个动作的连续性
对位——不同动作、不同方向的位置。
和弦——各种乐章的组合和叠加
短语-行动的段落
形式——运动在空间和时间中的分布
身体节奏的教学过程是从听音乐或有节奏的声音开始的。让学生先听音乐，通过听和肢体动作引发动觉反应。引导学生通过肢体动作接触音乐的各种元素。因为有了身体动作的参与，音乐元素变成了看得见的身体活动，于是这些元素的作用就一一显现出来了。
身体节奏教学把一个人变成了一个能理解音乐要求，理解和表达音乐的乐器。通过这种人性化的乐器，展示音乐的核心元素，通过学习者内心的听觉和情感，强化艺术性。
有节奏姿势的身体动作分类:
原地活动和空间活动(或固定活动和移动活动)
1.原地动作:拍手、摇摆、摇晃、指挥、弯腰、转身、迈步、说话、唱歌。
2.空间运动:走，跑，跳，跳，跳，飞奔和滑行。
注意动作的整体性，按照准备、演奏、延续、恢复四个步骤进行练习。
身体节奏的教师必须具备即兴创作的能力。
他(她)的即兴音乐必须能训练、支配、指挥和促进儿童的动作。钢琴即兴演奏需要六个条件:(1)准确的听力；(2)发明唱歌和演奏旋律的能力；(3)用不同的方法、不同的调式(变调)为旋律伴奏时，要协调一致。
(4)准确的视奏；(5)熟记多首儿歌、民歌等作为范例或有戏剧效果的曲调；(6)用音乐的声音再现幼儿的动作节奏，具备为幼儿即兴创作动作和音乐的能力。
体育与心理学的关系:
1，所有的节奏都是动作。
2.所有的运动都是身体运动。
3.所有的运动都需要时间和空间。
4.在体育运动中，空间和时间通过将它们转化为外部节奏的物质进行重组。
5.儿童运动是纯体力运动，也是无意识运动。
6.身体的经验形成了意识。
7.物理手段的完善产生清晰有序的智能感知。
8.控制运动是为了培养节奏感心理。
柯达伊音乐教育体系；
教学法在柯达伊的兴起概述：
原名:柯达伊·佐尔坦，生于1882，卒于1967 (85岁)。他是匈牙利著名的作曲家、哲学家和音乐教育家。
柯达伊的教育系统:
第一，教学顺序。
二、教学方法(1，首调点名法2，节奏读法3，字母谱4，手势运用5，固定音名唱法)。
第三，教材来源。
第四，教育理念。
柯达伊教学法的基础:歌唱。
柯达伊的教学目标:
1.培养社交能力和艺术天赋均衡发展的孩子。
2.孩子长大了，能有这样的音乐天赋。当他们看到乐谱时，他们能想到声音，当他们阅读和录制音乐时，他们想说话和写作。
第一，教学顺序
教学顺序的安排要尊重孩子能力发展的规律，而不是以学科体系为基础。基于学科体系的教学，没有把课程的顺序和儿童音乐发展能力的特点结合起来，只是把教学内容按照看似合理的顺序组织起来，不利于儿童对音乐的学习和发展。
柯达伊认为儿童音乐能力发展的几个特征；
1.儿歌要符合以下要求:不超过六个音，音程大二以上。小孩子很难准确地唱出半个音程。
2.对于孩子来说，下降音程比上升音程更容易学习，也就是说在初学者阶段，老师应该选择曲调下降的歌曲。
3.对于孩子来说，第三个音程比第二个音程更容易掌握，大音程比如第六、第八个音程更难学。
4.一项关于音域的研究表明，儿童最容易唱F以上的三度，即A音。
第二，教学方法
1，首调点名法。
2.节奏阅读。
3.字母谱。
4、手势的运用。
5、固定音名唱法。
手势的应用
1，手势的创造。
2、手势的基本形式。
3.手势的原理。
4.手势在实践教学中的应用。
第三，教材的来源
1.儿童生活中的游戏、童谣、赞美诗。
2.民间音乐。
3.古典创作音乐，即著名作曲家创作的音乐。
第四，教育哲学
1.音乐课程的核心地位。
2.声音是最好的乐器，在歌唱教学中起着重要的作用。
3.教材选择的重要作用。
4.对老师要求严格。
柯达伊教学思想概述；
采用的教学方法:首调点名法、节奏朗读法、字母和手势的应用。
选择民歌和著名作曲家的音乐作为教材。
强调早期音乐教育的重要性。
提倡用声音作为教学的乐器。
认为把音乐放在课程的核心位置，音乐教育对全面发展的重要性。
奥尔夫音乐教育体系；
传记:
卡尔·奥尔夫(1895-1982)是世界著名的德国作曲家和音乐教育家。1895年7月10出生于慕尼黑一个艺术军人家庭。受家庭环境的影响，卡尔·奥尔夫从小就对音乐和戏剧产生了浓厚的兴趣，这为他成为音乐剧大师奠定了基础。
奥尔夫的音乐经历；
1，幼儿时期接受的艺术教育。
2.青春期的音乐剧活动。
3.慕尼黑音乐学院学习时期。
4.冈特学校时期。
5.回到音乐喜剧创作时期。
6.奥尔夫音乐教育的发展与国际化。
“原创音乐”的概念；
奥尔夫在他的书中
“原始音乐绝不是纯音乐，它与动作、舞蹈和语言紧密结合；它是一种人们必须自己参与的音乐，即人们不是作为听众，而是作为表演者参与其中。”
传统音乐与奥尔夫音乐教育思想的差异：
1.传统音乐:倾向于专业化、技能化、技术化的教育指南，侧重于单纯以音乐理论知识和音乐技能学习音乐的旧模式。忽视学生对音乐的情感和体验，忽视学生在学习过程中的主动性、主体性、个性和创造性。
2.奥尔夫音乐:以人为本，重视音乐教育对人的发展的巨大作用，最终目的是通过音乐学习挖掘人的内在潜能，培养健全的人格，发展丰富的创造能力，这是音乐教育的出发点和最终目的。
奥尔夫的音乐教育思想:
“原创音乐”教育:音乐教学是通过融合音乐、动作、舞蹈、语言、游戏、创作等进行的，引导学生积极参与音乐活动，亲身感受和体验，让孩子在轻松愉快的氛围中自然地将音乐融入内心，从而达到音乐与心灵的沟通。
并且在这个过程中培养学生的性格，促进幻想能力和创造力的发展，树立自信心。那么这种情感上的刺激和体验，以及各种能力的获得，就不是外在的知识灌输和技术训练，而是通过亲身参与，自发的、自然的、无形的获得。
奥尔夫的音乐教育思想:
1，崇尚全面。
2.注重即兴发挥和创造力。
3.强调实用性。
4.强调本土化。
5.为了所有人。
1，崇尚全面
这里的全面再次体现了他“原生态”的音乐理念。所谓综合性，就是音乐教育的形式应该是集音乐、舞蹈、语言于一体的整体艺术。
奥尔夫认为，表达思想和情感是人类的本能欲望，通过语言、歌唱(包括演奏乐器)、舞蹈等形式自然流露出来。这是人类与生俱来的能力，是人类本来的处境，也是最贴近人类内心的。学生只有通过原创的唱、走、动、说的综合艺术，才能找到人类表达情感最直接、最生动的方式，从而打动人心。
在奥尔夫的音乐教学中，要让孩子在唱歌、演奏的同时，结合阅读、舞蹈、动作、游戏等活动，让学生全身心投入到音乐学习中。同时，这种综合性的教学过程不仅培养了学生的音乐能力(音色识别、旋律记忆、乐器演奏、曲式认知等。)，还能提升学生对音乐的情感体验。
2.注重即兴发挥和创造力。
孩子的人生经历没有受到太多社会影响的塑造，即兴创作是一种自然的天性，是一种辐射灵魂的本能反应。因此，奥尔夫强调要积极引导孩子在音乐中发挥这种天生的创造力。看到一个画面后，他们可以根据自己的理解用音乐表达出来，通过简单的乐器即兴发挥。在没有乐器的时候，他们可以用手、脚、筷子和报纸代替音乐来演奏，这充分体现了他们在乐器上的创造力。
因此，奥尔夫的教学方法在这里并不是一个固定的、封闭的“规则”。他的整体内容和方法鼓励和启发人们创造和安排自己。不建议给孩子灌输他们有的东西。但是通过引导和启发，孩子们可以发挥他们的想象力和创造力。
3.强调实用性。
奥尔夫认为，原始的音乐教育是“人们必须自己参与的音乐，人们参与其中不是作为听众，而是作为表演者。”因此，他强调学生在音乐学习过程中，要通过个人的音乐活动，实现联想、想象、情感感受等审美情感和心理体验。真正做到音乐与心的对应与沟通。
4.强调本土化。
在奥尔夫的音乐教育中，主张从学生熟悉的语言、文化、艺术等本土化环境出发，从学生最熟悉的生活中取材。这样可以增加学生的学习兴趣，帮助学生学习和成长，使音乐教育达到良好的效果。同时，也使民族文化得到了很好的传承和发展。
奥尔夫的教育思想之所以被广泛认可，一个重要原因就是奥尔夫强调从本土文化出发，尊重各种文化形式的存在。
5，对所有人
奥尔夫的音乐教学不仅是给孩子的，也是给所有人的。每个人都应该接受音乐教育，奥尔夫的教学方法适合每个人。
奥尔夫音乐教育实践在中国的应用：
语言在音乐教学中的应用——从背诵开始
动作在音乐教学中的应用——组合动作
奥尔夫乐器在教学中的应用——器乐教学
(1)将语言引入音乐教学是奥尔夫对学校音乐教学的一大贡献。语言是每个人出生后学习的第一个也是必须的能力。用语言学习音乐充分体现了儿童教育的一个重要原则，即从儿童熟悉的环境和事物入手。同时，奥尔夫倡导基于本土文化的音乐教育，将民族和本土文化即“母语文化”融入音乐教育。
音乐教学中语言的内容和方法；
1.从词语和名称看韵律背诵教学。
例子:王，晶晶，王，晶晶。
2、成语、谚语做节奏短句教学的练习。
3.儿歌童谣节奏背诵练习。
儿歌和童谣的例子:
小老鼠，上灯台偷油吃。如果你不能下来，打电话给奶奶。如果奶奶不来，叽叽喳喳，趴下。
带着小尾巴的小蝌蚪游来游去寻找它们的妈妈。“妈妈，妈妈，你在哪里？”，“来了，来了，我来了。”一只大青蛙来了。
一只蚂蚁来搬大米，但是他搬不起。两只蚂蚁来搬大米，晃来晃去。三只蚂蚁来搬运大米，轻轻地把它抬进洞里。
手拿一个花杯，喝一口清水，抬头，闭上嘴，咕噜一声把水吐出来。
动作在音乐教学中的应用--组合动作。
行动教学的目的:
1，身心均衡发展。
2.培养敏锐的听力、注意力和反应能力。
3.发展创造力。
4、节奏训练。
5.发展乐感基础教育。
奥尔夫乐器在教学中的应用--器乐教学。
奥尔夫乐器的分类和特点:
第一类:没有固定音高系列的打击乐器，也就是我们通常所说的打击乐器。
第二类:有音高的乐器一般是从乐器的原材料和音色特征来分类的。这里主要指乐器。
1，打击乐器:
(1)皮革类:鼓类。常用的，如铃鼓、手鼓、小鼓、大小鼓、军鼓、架子鼓、排鼓、定音鼓等。
乐器特点:由于一般的鼓都是用皮革包裹在有共鸣体的鼓上制成，最大的特点就是共鸣音强，音量大，声音低沉浑厚，与低音相同，在强有力的节拍中给人以稳定感。
(2)木:用竹木制成，如单响鼓、双响鼓、蛙箱(响板)、梆子(木棍)、木鱼等。
乐器特点:声音清脆、明亮、短促、不连续，颗粒感强。因此，在教学中，往往采用节奏复杂、速度较快的节奏型作为“旋律部分”，节奏清晰干净。
(3)金属:用铜等金属制成。如三角铁、铃、锣、钹(单面、双面)等。
乐器特点:音长，声音明亮，穿透力强。锣和钹声音大，合奏时要小心。它们通常被用作特色乐器。三角铁和铃儿响叮当在课堂上应用广泛，但音量普遍较小，不宜用于强拍。由于余音绕梁，粒子不清，很难打出音符多、速度快的节奏，以免混在声音里。
(4)散音:这类乐器主要是根据发音特点来命名的，如金属铃、Sist(由许多小铁片摇动而成)、铃鼓(另一种用法是摇动鼓使其环上的小铁片拨浪鼓)、各种竹、木(现为塑料、椰壳)制的沙锤等。
乐器特点:音量小，声音分细，演奏节奏时很难控制，所以一般不适合强拍子和快而复杂的节奏类型，但由于其音长由抖音控制，适合演奏长音符，是一种比较理想的感受音长的打击乐器。
2.乐器
钟琴，金属竖琴，木琴。