美国有什么风格的音乐？

流行音乐至少可以追溯到19世纪中叶，通常分为不同的流派。不同的流派往往吸引不同的年龄段。大乐队可能是比说唱音乐听众更老的群体。以下是我带来的欧美流行音乐的主要风格。让我们来看看！丁-邦巷丁松-邦巷是一个地名，位于纽约州第28街(第五大道和百老汇之间)。从19年底开始，出现了很多音乐出版公司，都有歌曲业务员整天弹琴招揽客户。由于琴的过度使用，音色被磨破，像敲锡板一样，所以有人戏称这个地方为“丁邦巷”(或译为“潘婷胡同”)。丁邦祥不仅是流行音乐的出版中心，也是流行音乐史上一个时代的象征和一种风格的代表。它持续了将近半个世纪。丁邦祥的歌一般都是白人专业作曲家创作的。不同的时期，不同的作家，风格不同，但有共同之处。从内容上看，主要是关于爱情的，充满浪漫情怀，或略带怀旧伤感，或欢快搞笑。无论国内外发生了什么，都很少体现在丁邦祥歌曲中。主要展现生活阳光的一面，仿佛美国人在无忧无虑地享受生活；从表现形式上看，演唱旋律、不复杂的节奏、自然音系的和声(乐句间有时变换和弦和变调)大多采用“韵文—副歌”(即主歌加副歌)的形式(如18)。丁邦祥歌曲一般由专业歌手根据乐谱演唱，讲究发声技巧，配以乐队或合唱团，常以弦乐组作为伴奏的背景音色。比如当时著名的流行歌手宾·克罗斯比(1904 ~ 1977)和弗兰克·辛纳屈(1915 ~ 1997)，主要唱定邦巷的歌。丁梆子歌主要流传于城市中的白人，很少扩展到黑人或下层社会。20世纪50年代摇滚音乐的出现，挑战了传统的丁邦祥歌曲在整个流行音乐中的地位。布鲁斯和蓝调在19的90年代形成。爵士乐和布鲁斯有着密切的联系，因为有些爵士乐是以布鲁斯音乐为基础的，而有些爵士乐则是直接由布鲁斯音乐转化而来，它们使用的是传统布鲁斯音乐的歌曲结构，也就是所谓的12小节布鲁斯。用嘻哈的蓝调精神过二胡一样的生活:以乐观的心态面对苦不堪言的生活，蓝调音乐非常注重自我情绪的宣泄和原创或即兴创作，而嘻哈文化与之类似，注重享受自由和快乐，而二胡的声音很忧伤；这代表着“像二胡一样带着嘻哈的蓝调精神活着”，引用鲁迅的话“真正的勇士敢于面对惨淡的人生”。19世纪这个词用来表示震颤、谵妄和警察。这个词在非裔美国人音乐中的应用可能更古老。孟菲斯布鲁斯威廉·克里斯多夫·汉迪于12年创作于孟菲斯是这个词在音乐中最早的书面记录。布鲁斯的发展主要经历了四个阶段。第一阶段是19年底到二战结束的“传统蓝调时期”，主要表现为乡村蓝调、古典蓝调、城市蓝调三种风格。第二阶段是“节奏布鲁斯时期”，主要指二战后盛行于20世纪四五十年代的节奏布鲁斯风格；第三阶段是六七十年代的“摇滚布鲁斯时期”，主要指摇滚和布鲁斯的融合。第四阶段是“现代蓝调时期”，主要指80年代以后的电音蓝调，以及当时主流流行音乐编曲创作的流行歌曲。Jazz爵士乐以其动感的切分音节奏、富有特色的爵士和声以及不打破常规的即兴演奏(或演唱)赢得了观众的喜爱，也得到了音乐领域各界人士的认可。它是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上，结合一些白人音乐元素，以小乐队的形式即兴创作而逐渐形成的。经过整整一个世纪的发展，如今已经是五彩缤纷，百花齐放。拉格泰姆音乐最初是一种钢琴曲。它盛行于19年末到第一次世界大战结束，主要在克里奥尔人中。既有欧洲古典音乐的严格标准，又有黑人音乐的即兴理念。它被认为是爵士乐的雏形。19年末，新奥尔良的“公共妓女”制度为大量的钢琴家提供了谋生的机会，他们陪伴着妓女和嫖客。很多克里奥尔钢琴家都受过良好的古典音乐教育，演奏古典音乐作品的技巧堪称完美。但在那种奢华的环境下，观众的主要目的不是音乐，他们没有太多的音乐素养，所以对钢琴家演奏什么样的音乐没有很高的要求。再加上演奏时间长(一般从晚上到凌晨)，长期枯燥的工作让钢琴家们对传统的音乐标准感到厌倦。于是他们开始自由发挥，随意修改曲目，甚至尝试新的创作和作曲手段。在这种情况下，发展出“切分音”和“即兴”两种演奏方式，对后来的爵士乐和大多数流行音乐产生了重要影响，成为爵士乐的主要特征。也为爵士和声体系的出现奠定了基础。一般认为爵士乐起源于新奥尔良，爵士乐出现在20世纪90年代的65438年至2009年。但是历史上第一张爵士唱片是1917年出的，是新奥尔良的“原创迪克西兰爵士乐队”录制的。所以，我们永远不会知道1917之前的爵士音乐有什么特点，但根据当时的音乐记录和摄影，早期爵士音乐的速度介于中速和快速之间，初次接触爵士音乐的人都感到充满活力和兴奋。早期新奥尔良爵士乐的另一个特点，也许是最重要的特点，是集体即兴创作。相互谦让与合作只受和弦进行结构的限制。这种表演最吸引人的地方在于，乐队成员既有竞争又有合作，对强加于他们的限制既重视又视而不见。这种新的声音在20世纪初任何一个听众都能听得出来，这就是所谓的“爵士乐”。乡村音乐出现于20世纪20年代。它起源于美国华南农业的民间音乐，最早是在英国传统民歌的影响下发展起来的。最早的乡村音乐是传统的山民音乐，曲调简单，节奏稳定，叙事性强。不同于城市里伤感的流行歌曲，有着浓郁的乡土气息。山歌开始融入美国流行音乐的主流，出现了最早的一批乡村歌手，如詹姆斯·罗杰斯(1897 ~ 1933)、布鲁斯、白山民谣(Yodels)、民谣(Folk)，他们被视为乡村音乐的先驱，被命名为“乡村音乐”。《残儿一家》(由AJvin Carter，1891-l960，他的妻子和妹夫组成)以舒适和谐的风格，聚焦家园、上帝、信仰等主题，赢得了观众的喜爱。对于卡特一家这样的艺术家来说，唱歌只是一种业余的谋生方式。但在乡村音乐的初级阶段，他们确实为乡村音乐的发展做出了巨大的贡献，也为早期的乡村音乐留下了宝贵的录音资料。许多乡村音乐人为将乡村音乐带出南方或中西部做出了巨大贡献，其中汉克·威廉姆斯是最重要的。《Jambalaya》是威廉姆斯最著名的代表作，已经成为世界知名的经典歌曲。最著名的是泰勒·斯威夫特(Taylor Swift)，连续获得多项乡村音乐大奖。进入90年代以来，乡村音乐已经完全融入了流行音乐的主流。当然，在这个过程中，它的流行色彩也变得更浓了。到了20世纪末，几乎没有任何一种音乐不带流行色彩，反之，就会被认为“与众不同”。还有一个特点就是歌手和他们的歌跨榜获奖已经成为一个非常普遍的现象，很少有人坚持一个立场。这是商业投机的结果。经济杠杆在发挥调节作用，人们愿意为了五斗米而弯腰驼背，所以跟风成了一种时尚。20世纪90年代，乡村音乐越来越全球化，这与经济全球化有关。世界变成了地球村，“走来走去”不再稀奇。乡村音乐不再是美国的专利，世界各个角落都能听到，只是少了些原汁原味，多了些时代感。这种全新的乡村音乐已经成为地球上村民们共同的乡音。毫无疑问，这个时期的大多数歌手都是跨世纪的。年轻而充满希望，他们是新世纪的先锋。20世纪50年代初，美国流行音乐市场出现了三足鼎立的现象。黑人喜欢的音乐主要是节奏蓝调，中产阶级以上的白人听丁邦祥的歌，中西部的农村听众喜欢与农村生活相关的乡村音乐。但到了50年代中期(约1954-1956)，唱片市场出现了两个明显的现象，即“市场交叉”和“翻唱版”。“市场跨界”指的是原本在一个市场发行的唱片，在另一个市场也取得了不错的成绩。例如，一些歌曲在R&B销售排行榜上名列前茅，它们也在流行歌曲(指当时的流行歌曲，丁邦祥歌曲的延续)排行榜上很受欢迎。看到这种有利可图的跨市场情况，一些大唱片公司迅速根据流行节奏蓝调歌曲制作自己的版本，导致大量“翻唱版”出现。这时，已经被分割的三个市场突然要求，中间的围墙倒了，一种新的音乐风格——摇滚乐就在这片废墟中诞生了。在摇滚乐的早期阶段(50年代中期到60年代初期)，摇滚乐从一个蹒跚学步的孩子迅速成长，使得摇滚乐舞台呈现出一派繁荣景象。首先，两位先行者对于摇滚乐的概念做了一个比较完整的定位。比尔·哈利(1925 ~ 1981)是第一个被青少年崇拜的摇滚偶像，被称为“摇滚音乐之父”。他的音乐风格涉及乡村音乐、节奏蓝调和流行音乐三个方面，这也说明了50年代中期摇滚音乐的三个来源。作为摇滚乐的先驱之一，比尔·哈利在摇滚乐的创作中发挥了不可磨灭的作用。早期的摇滚歌手包括普雷斯利、贝瑞、多米诺、刘福斯和艾佛利兄弟。20世纪60年代，英国披头士乐队(又译“甲壳虫”)首次赴美访问演出，引起热烈反响。他们唱歌的主要内容是表达爱，但也反对战争和暴力。当时美国出现了反越战和反种族歧视的浪潮，摇滚乐在这一浪潮中发挥了很大的作用。在20世纪60年代成长起来的美国人很少与摇滚乐无关。摇滚乐的演唱影响了现代美国人的艺术品味。美国上世纪七八十年代形成的著名摇滚乐队有朋克、滚石、索尔、重金属、Rip、Pop等。摇滚音乐史上最辉煌的一页，是1985年7月3日在伦敦简陋体育馆和费城肯尼迪体育馆举行的赈灾义演音乐会的现场直播，向全球转播，观众超过150万。80多个一流的摇滚乐队登台亮相，为遭受严重饥荒的非洲筹集资金。这场史无前例的慈善演出不仅为摇滚乐找到了一种全新的、壮观的表达方式，也使其获得了全球意义。迪斯科迪斯科是一种流行的舞曲，兴起于20世纪70年代初。音乐比较简单，节拍很强，运动感很强。“迪斯科”一词是“迪斯科舞厅”的缩写，原意是“供人们跳舞的舞厅”，起源于20世纪60年代初的法国。上世纪60年代，随着音乐设备的更新，舞厅只要有一套唱机就可以完成原来乐队的工作，还可以随时得到各种不同的音乐，经济实惠。因此，各大舞厅不再雇佣乐队伴奏，而是雇佣一名唱机通过播放唱片来提供舞曲。慢慢地，人们把这种由唱片播放的舞曲叫做迪斯科。迪斯科于20世纪60年代中期传入美国，起初只在纽约的一些黑人俱乐部中流传。70年代初逐渐发展成为具有全国影响力的音乐形式，70年代中期后风靡全球。音乐上，迪斯科以4/4拍为主，节拍强烈，每一拍都很突出；其速度约为每分钟120次；它的结构简短，歌词简单，许多段落重复。其实所有的歌只要调好速度，换成在每一个节拍中鹤立鸡群的节拍，都可以变成迪斯科音乐。Sol music Sol，又译“灵魂乐”或“灵魂曲”。它流行于20世纪60年代的美国，以福音这种黑人宗教音乐为基础，融合了节奏布鲁斯、摇滚乐等多种风格。是美国黑人音乐的重要代表。索尔的音乐注重自由和即兴，音乐中激情和深情并重。在唱法上，是一种发自灵魂的唱法，带有强烈的感情色彩。作为美国黑人音乐的代表，它对摩城、放克、当代R & amp嘻哈音乐和其他谐音音乐产生了重要的影响。唱歌的时候少玩乐器。索尔的著名歌手包括詹姆斯·布朗、雷·查尔斯、Ons Redding、Stevle Wonder和Prince。拉丁音乐所谓拉丁音乐，是指从美国和墨西哥边境的格兰德河到最南端的合恩角的拉丁美洲的流行音乐。拉丁美洲是一个多民族的群体，因此，拉丁音乐是由各种音乐融合而成的多元化混合音乐。无论是欧洲的白人音乐，非洲的黑人音乐，美洲的印第安音乐，甚至东方的亚洲音乐，都对拉丁音乐做出了不同的贡献。经过长时间的沉淀，在以欧洲文化为主体的基础上，他们还从印度文化和非洲黑人文化中吸收了大量的因素，逐渐形成了丰富多彩、生机勃勃、充满活力的拉丁文化。在拉美众多国家中，以巴西和古巴为首的拉丁音乐走在了世界流行音乐的前列。拉丁音乐以其独特的节奏和悠久的文化背景吸引了世界音乐圈的目光，拉丁音乐家层出不穷。近年来，瑞奇·马丁、马克·安东尼、安立奎·伊格莱希亚斯等流行乐坛的明星都是极具个性的新一代拉丁音乐的代表，夏奇拉更是成为了拉丁天后。当今世界的流行音乐文化来源于人们生活的沃土，与人们的喜怒哀乐息息相关。它是世界多元化的组合，被不同流派、风格、演唱形式的人们所接受，发展成为国际音乐文化不可或缺的必要音乐文化包。流行音乐文化的发展不是孤立的，而是群体意识的一种表现。它有着不可替代的独特魅力，是多种文化的结晶。流行音乐之王迈克尔·杰克逊的歌曲《发生了什么》也是一首拉丁风格的歌曲。说唱流行音乐是从英语流行音乐翻译过来的。流行音乐准确的概念应该是商业音乐，是指以盈利为主要目的创作的音乐。它是一种商业音乐娱乐以及与之相关的所有“工业”现象。以下是我整理的欧美流行音乐的主要风格。欢迎阅读。说唱音乐这个词(有时被翻译成“Rip”或“Rip”)最初的意思是用黑人俚语说话或聊天。作为流行音乐的一种形式，它起源于20世纪70年代末纽约的贫困黑人居住区。主要特点是以机械节奏为背景，快速背诵一系列押韵单词。音乐上，它的音乐比较简单，重复多，大多没有旋律，只有低音线和有力的节奏。它的来源之一是迪厅舞会上的DJ(光盘播放器)为了介绍唱片，根据舞蹈节奏插入的。詹姆斯·布朗的半说半唱风格通常被认为是说唱音乐的先驱之一。说唱音乐的流行是在80年代中期以后，此后一直以地下音乐的形式活跃在歌坛。从65438到0986，Run-D.M.C的专辑《升起地狱》获得了第一名，这标志着说唱音乐在商业上是成功的，在全国范围内是有影响力的。一般来说，说唱音乐可以分为两种。一种是叛逆的，比如“Public Enimy”，因为经常采取挑战的姿态，所以有时被称为“黑帮说唱”。所以这类歌曲往往会引起社会争议，所以很难进入排行榜；另一种是比较温和的，比如M.C. Hammer唱的歌。m·c·哈默出生在加州奥克兰，那是一个充满毒品和暴力的地方。他早期的许多朋友都从事毒品走私，其中一些人变得富有，一些人进了监狱。他意识到，年轻人一定要遇到老实人，选择正确的道路。他的说唱音乐反对吸毒和暴力，积极为年轻一代的黑人说话。因此，他在商业上取得了巨大的成功。hip-hop是20多年前开始于美国街头的一种黑人文化，也指说唱。嘻哈文化的四种表现形式包括说唱(有节奏和押韵的说话)、B-BOYING(街舞)、DJ-ING(播放唱片和唱片技巧)和raffiti写作(涂鸦艺术)。所以rap(说唱)只是嘻哈文化中的一个元素，其他的舞蹈、服饰、生活态度等等都要加入进来，才能形成一个完整的嘻哈文化。随着文化的发展，包括Beatbox在内的一些新的街头文化和艺术形式也被融入到Hiphop中，Hiphop中的舞蹈形式也开始包含更多种类的舞蹈，而不仅仅是Baboying (Breaking)，它起源于60年代，而Hip Hop作为一种音乐理解，起源于70年代初，它的前身是RAP(有时还带一点R &；乙)的.这是一首完全自由式的即兴音乐。这种音乐不包含任何程式化和克制的成分。只要你高，随时随地都可以秀嘻哈。Hip-Hop字面意思，Hip就是hip，Hop就是摇摆，合在一起就是轻轻扭臀。但美国的disco最初是指萌芽阶段的hip-hop，后来逐渐发展成为一个庞大的概念，即hip-hop文化。新时代音乐，新时代音乐，也翻译成新时代音乐。是20世纪70年代末出现的一种音乐形式。它兴起于80年代，有一些轻音乐的特点，但很受欢迎。最初的目的是帮助冥想和净化心灵，但许多后来的创造者不再有这个出发点。有一种说法是，由于它的丰富性和多样性，它不同于以往的任何音乐:它不仅仅是一个范畴，而是一个范畴，所有象征时代变迁、诠释精神内涵的改良音乐都可以归入这个范畴，因此被命名为新时代音乐。事实上，正确的原因在于，主张用音乐头脑来清洁的人，起源于一个被称为新时代运动的异端宗教派别。在20世纪60年代末，一些德国音乐家将电子合成器声音的概念融入到原声演奏或即兴创作中，这启发了许多新音乐家使用更多样化的方法探索新的领域。这个时期的音乐已经有了新时代的雏形。1973年，一群不知名的音乐人在旧金山的一个音乐节上相遇。这些人突然发现，虽然他们以前从未交流过，但他们的音乐有很多共同点。他们的音乐是从冥想和灵魂中创作出来的，不同于以往的任何音乐。实验音乐风格命名为New Age，指“划时代，新世纪音乐”。90年代的今天，新时代音乐呈现出多样化的风格。音乐界形成了一股新的力量，百家争鸣。正因如此，New Age不仅仅是一个简单定义音乐风格差异的名词，而是象征着时代进化和精神内涵提升的新世纪风格。