音乐诠释
音乐是用有组织的声音组成的听觉形象来表达人的思想感情和社会现实生活的艺术形式。它也是最令人感动的艺术形式之一。当旋律响起时，人们往往处于一种无法抗拒的立体音乐氛围中。任何一种艺术形式都有其表达思想、塑造艺术形象的表达方式。比如舞蹈是通过肢体动作和面部表情，绘画是通过线条、色彩和构图，文学是通过词、短语、句子、文章来体现艺术形象。通常，人们通过不同的表达方式来区分不同种类的艺术，例如不同的乐器。音乐也能表现出歌手的意图。
音乐的文学描述:作家三奇说，一个国家的文化包容度，有多宽的音乐疆域；一个民族的音乐有多丰富，它的人民就有多富裕和幸福。
声音艺术
音乐是以声音为表现手段的艺术形式，形象的塑造是以有组织的声音为素材来完成的。
因此，正如文学是语言的艺术一样，音乐是声音的艺术。这是音乐艺术的基本特征之一，声音作为音乐艺术表现的手段，在本质上具有一些不同于其他声音的特征。
任何音乐作品中发出的声音都是作曲家经过精心思考的，这些声音可以在自然界中找到[3]，但如果没有艺术家的巧妙创造和组合，它们就不能成为音乐。所以无论是简单的歌曲，还是大型的交响乐，都渗透着作者的创作思维。随意涂抹的线条和颜色不是画，随意堆砌的语言和文字不是文学，同样，杂乱的声音也不是音乐。构成音乐形象的声音是一种有组织的、有规律的、和谐的音乐，包括旋律、节奏、调式、和声、复调、曲式等要素，总称为音乐语言。没有创造性因素，任何声音都不能变成音乐。
语言有约定俗成的语义，每一句话，甚至每一个词，都有特定的含义。这种意义是在使用语言的社会范围内得到承认和确立的；音乐之声则完全不同，它只局限在艺术范围内，只作为一种艺术交流而存在；任何音乐中的声音都不会像语言一样有明确的含义，它们是非语义的。
听觉艺术
既然音乐是声音的艺术，它只能吸引人的听觉，所以声音
音乐专用图谱(37)
音乐也是一种听觉艺术。心理学中的定向反射和探究反射原理告诉我们，在一定距离内的各种外界刺激中，声音最能吸引人的注意力，它能迫使人的听觉器官接受声音，这就决定了听觉艺术比视觉艺术更能直接作用于人的情感，震撼人的心灵。
音乐只能通过声音来表达，通过听觉来感受，但这并不意味着人们在创作和欣赏音乐时，只有大脑皮层对应听觉的部分处于兴奋状态，其他部分处于抑制状态。事实上，音乐家是用整个身心去感受、体验、认识和表达生活的，而不仅仅是通过听觉渠道，这与其他种类的艺术家并无不同。不同的是，在意境和艺术表现上，音乐家通过形象思维将个人多方面的感受浓缩到听觉形象中，再以具体的声学形式表现出来。
所以音乐作品中所表达的思想感情不是单纯的听觉感受，而是整体感受。同样，人们在欣赏音乐时，虽然主要通过听觉渠道接受听觉刺激，但由于通感的作用，也可能引起视觉形象，产生丰富生动的联想和想象，进而引起强烈的情感反应，体验音乐家在作品中所表达的思想、感情和情境，获得美感，并为之感动。
情感艺术
在所有的艺术形式中，音乐是最善于表达情感、激荡人心的艺术形式。它通过声音这一媒介真实地传达、表达和感受审美情感。音乐在传达和表达情感方面优于其他艺术形式，是因为它所使用的感性材料和审美形式——声音最适合表达情感。或庄严，或热烈激动，或悲愤，或缠绵细腻，或痛哭流涕。音乐能更直接、真实、深刻地表达人的感情。那么，为什么音乐可以用有组织的声音表达人的情感呢？一种理论认为，音乐的表现力来源于音乐对人的表现力语言的模仿。人的语言是用语音、声调、语流、节奏、语速等表达方式，用语义来表达自己的思想，而音色、音高波动、节奏快慢等音乐表达方式可以起到与语言表达相同的作用。
个人认为，音乐的声音形式与人类的情感有相似之处，存在一定的“同构关系”，这是音乐能够表达人类情感的根本原因。音乐理论家于润阳曾指出:“声音结构之所以能够表达特定的情感，根本原因在于两者之间有一个极其重要的相似性，即两者都是在时间上展现和发展的，在速度、力度、音调上有着丰富的变化和动态的过程。这种极其重要的相似性是两者之间的桥梁。”比如“喜”，是人幸福、喜悦的情感表达。一般来说，这种情绪运动呈现跳跃向上的运动形式，色调清晰，运动速度和频率快。表达“喜”的感情的音乐一般采用类似的动态结构，如民乐《欢喜快乐》，以快速、跳跃的音调表达人的快乐感情。[4]
时间艺术
雕塑、绘画等艺术形式凝固在空间中，让人一目了然。当我们欣赏一件艺术品时，我们首先看到的是艺术品的整体，然后我们品味它的细节。另一方面，音乐应该在时间中展开和流动。我们在欣赏音乐的时候，会先从细节入手，从声部入手，给我们留下一个整体的印象，直到把整首歌弹完(唱完)。只听音乐作品中的个别片段是不可能获得完整的音乐形象的。所以，音乐艺术也是时间的艺术。
音乐形象作为一种听觉艺术，是在时间中发展的，随着时间的推移，它在运动中呈现、发展、终结。所谓“音乐意象”，是指整部音乐作品所表现出的艺术家的思想感情，在欣赏者的思想感情中唤起的形象或意境。如《春江月夜》用甜美、舒适、宁静的曲调，表达江南月夜在风景如画的春江上泛舟的感觉，营造出一种引人入胜的音乐意境。
春天月光照耀下的河面上的花朵
音乐作品不同于文学或绘画，只要作者完成创作，创作过程结束，就可以被人们直接欣赏。音乐作品必须经过演奏这一中间环节，才能将作品所表达的形象传达给欣赏者，实现其艺术作品的审美价值。所以音乐是表演的艺术，需要通过表演进一步再创造。
当作曲家以乐谱的形式记录下生动的音乐思想时，他已经带走了自己的灵魂，只留下一系列没有生命的音乐符号。而让音乐作品起死回生，把乐谱变成活的音乐的方式，就是音乐表演。如果没有音乐表演，音乐作品永远只是以乐谱的形式存在，不会成为真正的音乐。
无论是哪位作曲家写下的乐谱，和他们的音乐思想都有一定的差距。为了弥补这一空白，发掘乐谱中隐藏的音乐思想，丰富和补充乐谱中无法记录的东西，这一切都有赖于音乐演奏者的再创作。所以音乐也是表演的艺术，音乐作品只有通过表演才能被观众接受。
2来源
要弄清音乐何时开始存在于人类社会是不可能的。但早在人类产生语言之前，就已经知道如何利用声音的高低和强弱来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐出现了统一劳动节奏的号子和互相传递信息的呐喊，这是最原始的音乐原型；人们在庆祝丰收，分享劳动成果时，往往会敲打石器和木头，以表达自己的喜悦和喜悦，这就是原始乐器的雏形。
弦乐
世界上最早的弦乐器是中国的古琴，也称为七弦琴、秦雨和七弦琴。古琴，果然是周的。
古琴
韩国一直流行的乐器，截至(2013)至少有3000年的历史；本世纪初被称为“古琴”。秦的创造者有“伏羲曾弹琴”、“神农弹琴”、“舜五弦琴唱南风”等传说，可见秦在中国历史悠久。《诗经·关雎》有“窈窕淑女，兔兔之友”等记载，《诗经·潇雅》也有“兔兔击鼓治天足”等记载。
管乐器
中国古代史记载了五千年前黄帝的时代，有一个人叫。
管乐器
凌伦乐师，入西昆华山采竹为笛。当时正好有五只凤凰在空中飞翔，他与法合拍。这个故事虽然不能完全相信，但也算是一个关于管乐器起源的神秘传说。
古代乐器
中国的第一个皇帝，黄帝，是五千年前一位著名的君主，他创造了历法和文字。当时除了前面提到的凌伦，还有一个叫“伏羲”的乐师。据说伏羲是一条长着人头的蛇，在母亲的子宫里怀了十二年。他弹了一架有50根弦的钢琴。因为音色太悲伤，黄帝把它切掉一半，改成了25弦。
另外，在黄帝传说中，神农也是一位乐师。他教人们耕种，品尝草药，发现草药。他还创造了班卓琴。
3分类
编辑
有些音乐作品是用人声表现的，称为声乐作品，有些作品是用乐器演奏的，称为器乐作品。世界上所有的音乐作品都包含在“声乐”和“器乐”两大类中。
声乐
声乐作品按其形式和风格可分为歌曲、说唱音乐、戏曲音乐、歌剧等不同体裁。歌曲是一个小的音乐体裁，包括民歌、艺术歌曲、流行歌曲、儿歌等。形式上可分为独唱、二重唱、合唱、副歌、合唱。说唱音乐是指曲艺音乐，包括弹弦、大鼓、印青、评弹、七来宝、秦书、二人转、道情、渔鼓等。
戏曲音乐是指京剧、豫剧、越剧、古画戏、采茶戏、黄梅戏、评剧、汉剧和其他地方戏的音乐。
戏曲音乐也是戏曲音乐的一种，但不同于戏曲音乐，它有固定的节目和传统唱法。歌剧音乐是作曲家运用民族音调和充满时代气息的音乐语言创作的戏剧音乐。
器乐
器乐作品可分为独奏、合奏和合奏。
独唱涵盖的范围很广。几乎所有的乐器都有独奏。中国的二胡、琵琶、板胡、笛子、笛子、葫芦丝、唢呐、扬琴、笙、古琴、筝、、木琴等。，都是著名的独唱曲子。虽然西方乐器也是如此，但世界著名的小提琴、钢琴、吉他、电子琴等乐器的独奏是最多的。
合奏音乐在中国人民中是罕见的。但在欧洲，有很多优秀的作品如弦乐四重奏、木管五重奏等，至今流传于世界各地。
合奏是指多种乐器演奏同一首乐曲的作品。在合奏中，各种乐器既充分发挥各自的性能和特长，又按照一定的和声规律相互协调。在中国的民族器乐合奏中，江南丝竹和粤曲占了很大比重。民族管弦乐多由作曲家改编或创作。民族打击乐在我国何斌音乐中也占有重要地位。用西方铜管乐器、木管乐器、弦乐器和打击乐器演奏的音乐被称为管弦乐。管弦乐在17世纪的欧洲取得了显著的进步。当时的体裁有组曲、序曲、赋格、幻想曲、随想曲、狂想曲、协奏曲，也有交响乐和对形式有严格要求的交响乐。
4种风格
古典乐
什么是古典音乐？在国外，这种类型的音乐被称为“古典音乐”，意思是“古典的、正统的、古典的文学”，所以我们中国人称之为“古典音乐”，或者更确切地说是“西方古典音乐”。首先，概念上，“古典音乐”是一个音乐门类的名称。然而，即使在国外，对于“古典音乐”一词的具体含义也有许多不同的解释，其中主要的异议来自于对“古典音乐”时代划分的不同概念。从最狭义上讲，18世纪下半叶至20世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”的作品，特指“古典音乐”。最广义的解释是把时间往前推到欧洲文艺复兴时期，从那以后一直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族音乐流派、印象主义直到19世纪末20世纪初出现的现代音乐流派，甚至所有非纯粹娱乐性的现代专业音乐，统称为“古典音乐”。
流行音乐
流行音乐是从英语流行音乐翻译过来的。按照对汉语词汇的肤浅理解，所谓流行音乐，是指结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，为群众所喜闻乐见，广为传唱或欣赏，流行一时甚至流传后世的器乐和歌曲。这些音乐和歌曲植根于公共生活的肥沃土壤。因此，它也被称为“流行音乐”。但是，这样的定义可能会使不属于流行音乐的音乐，如《国际歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪涛》、《歌唱祖国》、《东方红》、《南泥湾》，仅仅因为它们也在群众中广泛流传，就被归入流行音乐。另一方面，那些明明是流行的音乐，却因为无法传播而被排除在流行音乐之外(这在流行音乐中也是相当多的)。显然，流行音乐并不总是受欢迎的，流行音乐也不仅仅是流行音乐。流行音乐准确的概念应该是商业音乐，是指以盈利为主要目的创作的音乐。它是一种商业音乐娱乐以及与之相关的所有“工业”现象。(见前苏联《音乐大百科辞典》(1990版)。它的适销性是第一位的，艺术性是第二位的。
民族音乐
从狭义上讲，所谓中国民族音乐，是指世代生活和繁衍在中国这片土地上的各民族所创造的，具有民族特色的，能够反映民族文化和民族精神的音乐。广义的中国音乐是指世界上具有五音特征的音乐。
中国的民族音乐艺术是世界上非常有特色的艺术形式。在几千年的文明进程中，中华民族创造了大量优秀的民族音乐文化，形成了内涵深刻、内容丰富的民族音乐体系。这个系统在世界音乐中起着重要的作用。如果我们想了解中国音乐，我们不能只唱一些中国歌曲，听一些传统音乐。还要研究中国音乐，从民族的、历史的、地域的角度去理解中国音乐，这样才能真正理解中国音乐的内涵以及在世界音乐体系中的地位和历史价值。中国民族音乐分为:民歌、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐、民间戏曲音乐。
5符号法
在中国几千年的音乐文化发展史上，出现过减法记谱法、音乐记谱法、宫尚记谱法、宫池记谱法等多种记谱法。人们用它来记录、保存和传播转瞬即逝的音乐。但由于这些记谱法的复杂、繁琐和不准确，除了古琴记谱法中仍在使用的减法记谱法和一些民间老艺术家使用的宫池记谱法外，其他记谱法也逐渐被遗忘。
在中国现当代音乐生活中，五线谱和简谱这两种常用的记录音乐的记谱法都不是中国本土的，而是从国外引进的。
员工
五线谱是当今世界上最广泛使用的记谱法。它通过音符符头在五条平行横线上的位置来记录乐音，并通过音符的不同形状来表示音符的长度。五线谱与简单的记谱法相比，具有更直观地表示音乐声音的音高，包含大量音乐信息的优点。在创作音域广、声部多、转调频繁的大型乐曲时，五线谱比简单的记谱法更具优势，因此在专业音乐领域得到广泛应用。
五线谱的前身可以追溯到中世纪欧洲的Neum记谱法和数量记谱法。五线谱是在前两种记数法的基础上发展起来的，在17世纪逐渐完善，18世纪开始定型，沿用至今。五线谱适应了西方多元思维的文化背景，在录制西方器乐、交响乐等和谐多线音乐思维的作品方面具有不可替代的优势，一直是西方音乐作品的主要书写形式。
五线谱录音法于17世纪中叶传入中国。起初，它只是用来记录和传播天主教堂里唱的赞美上帝的经典歌曲和圣歌。19年底，随着西方传教士的传教和新学的建立，五线谱的使用在中国得到普及。20世纪初，萧等国人系统地学习、传播和运用了西方音乐理论、作曲技法和西方乐器，奠定了我国专业音乐领域的五线谱地位。现在中国的专业音乐人的音乐创作和专业音乐团体的演出演唱都使用五线谱。
员工
专业音乐院校的音乐教学，甚至钢琴儿童，在学习钢琴、小提琴等乐器的过程中，起着非常重要的作用。在我国，五线谱的普及可以提高人们的演奏、演唱和欣赏水平，对于普及高雅音乐文化，促进中外音乐文化交流具有重要意义。
编号乐谱
记谱法又称数谱，用1、2、3、4、5、6、7表示音阶中的七个基本音级，其余用0表示，高八度或低八度用数字上下加点表示；在数字后面或下面加一条短横线表示时间的长短，是一种简单直观的记法。
记谱法的雏形最早出现在公元16世纪的欧洲。17世纪，由法国天主教神父苏艾提改良，用于教教会歌。18世纪中叶，法国著名思想家、文学家卢梭对其进行了改进，并编入他的《音乐辞典》。19世纪，经过加兰、帕里斯、谢伟的不断完善和普及，被广大群众广泛使用。因此，这种记谱法在西方被称为“贾-帕-谢记谱法”。但由于这种记谱法不便于录制多声部和复杂的音乐，记谱法在欧洲几乎从未普及。
20世纪初，记谱法在学堂乐歌时期通过日本传入中国。经过早期音乐教育家的大力推动和30年代抗日救亡歌唱运动的开展，迅速在中国流行起来，成为国内音乐教育、演奏和传播的主要记谱法。
简谱的记谱法在中国得到广泛推广的另一个原因是，简谱的记谱法与中国流行的汉字记谱法——宫池记谱法相当接近。例如，宫池记谱法使用“上池龚凡五邑”字样以及附在该字样左侧的不同偏旁部首来表示声级，而简谱则使用七个阿拉伯数字以及附在数字上方或下方的圆点来表示声级。宫池记谱法用附在单词右边的板眼符号表示音长，简谱用附在阿拉伯数字右边或下面的短横线表示音长。简谱与I音阶记谱法如此接近，简谱记录声音音高的方法比I音阶记谱法更简单、更准确，所以中国人非常容易接受简谱。就世界而言，中国是吸收记谱法最好并加以发展的国家。世界上没有一个国家像中国这样受欢迎。
这种符号有很多优点，比如容易学习和书写。我们国家很多音乐人在创作音乐的时候都是记录自己最初的创作想法，习惯用便于书写的记谱法。聂耳写《义勇军进行曲》和冼星海写《黄河大合唱》时，他们的初稿也是用记谱法写的。这使得它在中国拥有比工作人员更多的用户，对大众音乐和文化活动的推广和普及起着重要作用。
6个元素
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音乐的基本要素:音乐的基本要素是指构成音乐的各种要素，包括声音的高低、声音的长短、声音的强弱、音色等。这些基本要素相互组合，就形成了音乐常见的“形式要素”，如节奏、旋律、和声、力度、速度、调式、形态、织体、音色等。构成音乐家的形式要素是音乐的表现手段。音乐最基本的要素是节奏和旋律。
1，节奏:音乐的节奏是指音乐运动中声音的长短和强弱。音乐的节奏常被比作音乐的骨架。节拍是音乐中重复节拍和弱节拍周期性、有规律的重复。中国传统音乐称拍子为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于第二个强拍(中眼)或弱拍。
2.旋律:旋律也叫旋律。音乐的跌宕起伏按照一定的节奏有条不紊地横向组织起来，形成一个曲调。在一部完整的音乐作品中，曲调是最重要的表现手段之一。旋律的方向是无穷无尽的，有三个基本方向:“横”、“上”、“下”。同一个声音的方向称为水平；从低音到高音向上加重；从高音下降到低音。常见的旋律递进方式有“谐音重复”、“递进”、“跳跃”。按照音阶的相邻音，称为递进，三度的跳称为小跳，四度及以上的跳称为大跳。
3.和声:和声包括“和弦”和“和声进行”。和弦通常是三个或三个以上的音符按照一定的规则垂直(同时)重叠形成的声音组合。和弦的横向组织是和声进行。和声具有明显的强、轻、厚、薄色彩功能；它还具有形成从句、划分段落和结束音乐的功能。
4.强度:音乐中音的强度。
5、速度:音乐的速度。
6.调式:音乐中使用的音调按照一定的关系连接起来，这些音调形成以一个音(主音)为中心的系统，称为调式。如中国的大调调式、小调调式、五音调式等。调式中的音调从主音到最高音排列形成音阶。
7.形式:音乐的横向组织结构。
8.织体:多声部音乐作品中各声部的组合形式。(包括纵向组合和横向组合)。
9.音色:音色可分为人声音色和乐器音色。在人声的音色上，可以分为童声、女声和男声。乐器音色的差异更是五花八门。在音乐中，有时只用单一音色，有时用混合音色。